Biografia Wikipédia

Richard Anuszkiewicz estudou no Cleveland Instituto de Arte em Cleveland (Ohio) (1948-1953), e com Josef Albers na Escola de Arte e Arquitetura da Universidade de Yale (School of Art and Architecture) em New Haven (Conneticute) (1953-1955) onde recebeu o título de Mestre em Belas Artes.

Ele foi um dos fundadores e principais expoentes do Op Art, um movimento do final da década de 1960 e do início da década de 1970. Victor Vasarely na França e Bridget Reley na Inglaterra foram seus principais homólogos internacionais. Anuszkiewicz participou da mostras na Bienal de Veneza, na Bienal de Florença e na Documenta de Kassel (Alemanha). Seus trabalhos estão em coleções internacionais permanentes, por exemplo, em Nova Iorque e Chicago.

Estilo

O trabalho de Anuszkiewicz aborda as mudanças óticas que ocorrem quando diferentes cores de alta intensidade são aplicadas às mesmas configurações geométricas. A maior parte de seu trabalho compreende investigações visuais dos efeitos formais de estrutura e cor, e muitos deles possuem a forma de um quadrado, de forma similar ao trabalho de seu professor Josef Albers. Em sua série Homage to the Square (homenagem ao quadrado), Albers realizou experimentos com a justaposição de cores e Anuszkiewicz desenvolveu estes conceitos.

Exposições

1955: Butler Art Institute, Youngstown, Ohio, Estados Unidos da América

1960: The Contemporaries, Nova Iorque, Nova Iorque

1961: The Contemporaries, Nova Iorque

1963: The Contemporaries, Nova Iorque

1965: Sidney Janis Gallery, Nova Iorque

1966: The Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio

1967: Sidney Janis Gallery, Nova Iorque

1967: Galerie der Spiegel, Colônia, Alemanha

1967: The Hopkins Center, Hanover, Nova Hampshire

1968: Kent State University, Kent, Ohio

1969: Sidney Janis Gallery, Nova Iorque

1971: Sidney Janis Gallery, Nova Iorque

1972: De Cordova Museum, Lincoln, Massachusetts

1972: Jacksonville Art Museum, Jacksonville, Flórida

1972: Loch Haven Art Center, Orlando, Flórida

1973: Sidney Janis Gallery, Nova Iorque

1973: Summit Art Center, Summit, Nova Jérsei

1975: Andrew Crispo Gallery, Nova Iorque

1976: Andrew Crispo Gallery, Nova Iorque

1976: Ulrich Museum of Art, Wichita, Kansas

1976: La Jolla Museum of Contemporary Art, La Jolla, Califórnia

1976: Fairlawn Public Library, Fairlawn, Nova Jérsei

1977: University Art Gallery, Berkeley, Califórnia

1977: Columbus Museum of Art, Columbus, Ohio

1978: Ringling Museum, Sarasota, Flórida

1978: Allentown Art Museum, Allentown, Pensilvânia

1979: Alex Rosenberg Gallery, Nova Iorque

1979: Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts

1980: The Brooklyn Museum, Brooklyn, Nova Iorque

1980: The Carnegie Institute, Pittsburgh, Pensilvânia

1981: University Fine Arts Galleries, Tallahassee, Flórida

1981: The Carnegie Institute, Pittsburgh, Pensilvânia

1981: Lowe Arts Museum, Coral Gables, Flórida

1982: Museum of Art, Fort Lauderdale, Flórida

1982: Museo Rayo, Roldanillo, Valle del Cauca, Colômbia

1982: Centro Colombo-Americano, Bogotá, Colômbia

1982: Fairlawn Public Library, Fairlawn, Nova Jérsei

1983: Atlantic Center For The Arts, New Smyrna Beach, Flórida

1984: Pembroke Gallery, Houston, Texas

1984: Butler Art Institute, Youngstown, Ohio

1984: The Heckscher Museum, Huntington, Nova Iorque

1984: Graham Modern, Nova Iorque

1984: Canton Art Institute, Canton, Ohio

1985: Schweyer-Galdo Galleries, Pontiac, Michigan

1985: Hokin/Kaufman Gallery, Chicago, Illinois

1985: Charles Foley Gallery, Columbus, Ohio

1986: Brevard Art Center and Museum, Melbourne, Flórida

1986: Tampa Museum, Tampa, Flórida

1986: Pelham Art Center, Pelham, Nova Iorque

Acervos

• Museu de Arte de Akron, Akron, OH

• Capitólio do Estado de Albany, Albany, NY

• Galeria de arte Albright-Knox, Buffalo, Nova Iorque

• Museu de arte de Allentown, Allentown, PA

• Instituto de Artes de Chicago, Chicago, IL

• Museu de Arte, Universidade de Princeton, Princeton, NJ

• Museu de Birmingham, Birmingham, AL

• Museu de Arte Boca Raton, Boca Raton, FL

• Museu do Brooklyn, Brooklyn, NY

• Museu de Arte Americana da Universidade Butler, Youngstown, OH

• Instituto de Arte de Cantão, Canton, OH

• Museu de Arte Contemporânea de Chicago

• Museu Chrysler, Norfolk, VA

• Museu de Arte de Cleveland, Cleveland, OH

• Galeria de Arte Corcoran, Washington, DC

• Museu de Arte de Columbus, Columbus, OH

• Galeria de Arte Currier, Manchester, NH

• Museu de Arte de Denver, Denver, CO

• Instituto de Artes de Detroit, Detroit, Ml

• Museu de Arte Erie, Erie, PA

• Museu de Arte Elvehjem, Madison, WI

• Instituto de Artes de Flint, Flint, Ml

• Museu de Arte de Fogg, Universidade de Harvard, Cambridge, MA

• Museu Guggenheim, Nova York, NY

• Museu Hekscher, Huntington, Nova Iorque

• Museu de Arte Herbert F. Johnson, Ithaca, Nova Iorque

• Museu Hirschhorn e Jardim das Esculturas, Washington, DC

• Museu de Arte Modem de Hokkaido, Sapporo, Japão

• Galerias de arte do Hopkins Center, Dartmouth College, Hanover, NH

• Academia de Artes de Honolulu, Honolulu, HI

• Hunter Museum of Art, Chattanooga, TN

• Museu de Indianapolis, Indianapolis, IN

• Museu de Arte de Jacksonville, Jacksonville, FL

• Museu LaJolla de Arte, LaJolla, CA

• Lockhaven Art Center, Orlando, Flórida

• Museu da Louisiana, Humlebaek, Dinamarca

• Museu de Lowe, Coral Gables, FLLyman-Allen, Nova Londres, CT

• Instituto de Tecnologia de Massachusetts, Cambridge, MA

• Museu de Arte Meade, Amherst College, Amherst, MA

• Metropolitan Museum of Art, Nova York, NY

• Museu de Arte de Milwaukee, Milwaukee, Wl

• Museu da Casa da Moeda, Charlotte, NC

• Museu Montclair de An, Montclair, NJ

• Museu de Arte Modemo, Ciudad Bolivar, Venezuela

• Museu de Arte Americana, Instituto Smithsonian, Washington, DC

• Museu de Arte, Instituto Carnegie, Pittsburgh, PA

• Museu de Arte, Escola de Design de Rhode Island, Providence, RI

• Museu de Arte, Fort Lauderdale, FL

• Museu de Arte Contemporânea, Chicago, IL

• Museu de Arte Contemporânea, Zagreb, Croácia

• Museu das Artes Finas, São Petersburgo, FL

• Museu de Arte Moderna, Nova York, NY

• Museu Morsbroich, Leverkusen, Alemanha Ocidental

• Museu Nacional de Arte Contemporânea, Seul, Coréia

• Museu do Estado de Nova Jersey, Trenton, NJ

• Museu de arte do porto de Newport, Newpon Beach, CA

• Museu de Newark, Newark, NJ

• Museu Noyes, Oceanville, NJ

• Academia de Belas Artes da Pensilvânia, Filadélfia, PA

• Museu de Arte da Filadélfia, Filadélfia, PA

• Museu Ringling, Sarasota, Flórida

• Universidade Rutgers, Nova Brunswick, NJ

• Museu de Arte de Santa Barbara, Santa Barbara, CA

• Museu de Arte de Springfield, Springfield, MO

• Museu de Arte de Saint Louis, Saint Louis, MO

• Museu de Tel Aviv, Tel Aviv, lsreal

• Galeria de arte da universidade em Berkeley, Berkeley, CA

• Universidade do Texas em Austin, Museu de Arte Jack S. Blanton, Austin, TX

• Museu de Belas Artes da Virgínia, Richmond, VA

• Instituto Politécnico da Virgínia, Blacksburg, VA

• Wadsworth Atheneum, Hartford, CT

• Museu Whitney de Arte Americana, Nova York, NY

• Museu de Arte de Wichita, Wichita, KS

• Museu Wilhelm-Hack, Ludwigshafen am Rhein, Alemanha

• Galeria de Arte da Universidade de Yale, New Haven, CT

Prêmios

1953 PULITZER TRAVELING FELLOWSHIP, Academia Nacional de Design, Nova York, NY

1963 CHARLES DO RITZ PINTURA, A ÓLEO A guilda de artistas Silvermine décima quarta exposição anual da Nova Inglaterra, Silvermine, CT

1964 O PRÊMIO SILVERMINE GUILD PARA PINTURA, A ÓLEO The Silvermine Guild of Artists décima quinta Exposição Anual da Nova Inglaterra, Silvermine, CT

PRÊMIO DE ARTES CLEVELAND 1977, O prêmio anual de artes visuais concedido pela Cleveland City Club Foundation de Cleveland Wonnen, Cleveland, OH

PRÊMIO DE COMPRA DO FUNDO HASSAM DE 1980, Academia Americana e Instituto de Artes e Letras, Nova York, NY

1988 PRÊMIO DE COMPRA DO FUNDO HASSAM, Academia Americana e Instituto de Artes e Letras, Nova York, NY

1994 PRÊMIO DE ASSOCIAÇÃO DE PROFESSORES DE ARTE NO ESTADO DE NOVA IORQUE, Certificado de reconhecimento dado em homenagem a contribuições duradouras e trabalho inovador no uso de cores que influenciarão os educadores de arte e seus alunos nas próximas gerações. Nova Iorque, NY

1995 Prêmio EMIL E DINES, CARLSEN Academia Nauonal de Design, Nova York, NY

PRÊMIO DO ORGULHO DE NEW JERSEY DE 1996, Dado pela New Jersey Monthly Magazine por contribuições destacadas ao Estado de Nova Jersey nas Artes

Fonte: Wikipédia e Site oficial Richard Anuskkiewicz, consultado em 20 de abril de 2020.

---

Biografia - The Art History

Infância

Richard Anuszkiewicz nasceu em Erie, Pensilvânia, o único filho de imigrantes poloneses - embora sua mãe já fosse uma viúva com cinco filhos. Apesar de ter crescido em uma família modesta, Anuszkiewicz lembraria mais tarde: "Eu realmente tive uma infância muito feliz e nunca quis nada ... eu tinha companhia, carinho, todas as coisas boas". Ele amava arte quando criança e desenhava todos os dias, apoiado por seus pais. Seu pai, que operava uma máquina em uma fábrica de papel, incentivou-o a levar para casa blocos de papel para usar. Sua família era devotamente católica, e ele frequentou escolas católicas, onde recebeu tempo extra para desenhar como resultado de seu excelente desempenho acadêmico. Em 1944, ele se transferiu para a Erie Technical High School, frequentando aulas de arte por três horas todos os dias. Nessas aulas, ele aprendeu sobre teoria impressionista das cores, teoria das cores complementares e prisma do espectro. Mesmo no ensino médio, sua abordagem à pintura era muito disciplinada. Ele se daria o desafio de misturar uma ampla gama de tons a partir de uma paleta limitada de três ou quatro cores. Seu professor de arte o encorajou a participar de competições, muitas das quais ele ganhou, incluindo um grande prêmio em seu último ano no National Scholastic Art Awards de 1947 e, finalmente, uma bolsa de estudos completa para o Cleveland Institute of Art.

Treinamento e trabalho precoce

No Cleveland Institute of Art, Anuszkiewicz começou a simplificar suas cenas representacionais em desenhos abstratos. No verão de 1950, entre o segundo e o terceiro ano, ele experimentou a pintura ao ar livre em Cape Cod com o pintor Henry Hensche, que aprofundou sua compreensão do movimento impressionista, ensinando-o sobre a técnica impressionista de misturar cores na tela. . Em seu último ano acadêmico em Cleveland, 1952-53, recebeu uma bolsa de estudos Pulitzer Travelling para estudar arte na Europa. No entanto, sentindo que sua necessidade urgente era aprender mais sobre os princípios da cor, ele decidiu frequentar a Escola de Arte e Arquitetura de Yale para estudar com o renomado artista e o teórico da cor Josef Albers , então presidente do Departamento de Pintura.

Albers era um ex-professor do Bauhaus and Black Mountain College , que já havia ensinado uma geração de artistas modernos americanos como Cy Twombly , e cujas teorias precisamente concebidas da combinação de cores foram expostas mais tarde em seu livro The Interaction of Color (1963), promoveu um profundo entendimento das relações de cores entre inúmeros educadores e estudantes de arte. Albers era um professor formidável e exigente, fortalecendo as habilidades perceptivas de seus alunos através de exercícios baseados em observação e experimento. Anuszkiewicz formou-se em Yale com um Mestrado em Belas Artes em 1955, aprendendo os princípios da Bauhaus e dos Construtivistas, influenciados pela arte abstrata simplificada, bem como Paul Klee.teorias de interação de cores. O trabalho de Anuszkiewicz tornou-se cada vez mais abstrato quando ele começou a absorver esses conceitos cada vez mais. Ele também se interessou pela ciência da percepção e da óptica, lendo o livro Art and Perception Visual , do psicólogo perceptivo Rudolph Arnheim , que inspirou o tópico de sua tese de pós-graduação, Um Estudo da Criação do Espaço com Desenho de Linhas . O trabalho realizado para a tese o beneficiou bastante, e a linha se tornou uma importante ferramenta de composição em seu trabalho, perdendo apenas para a combinação de cores. Começando em seu segundo ano em Yale, ele ficou com seu amigo de Cleveland (e futuro influente Op Artist) Julian Stanczak, que também era descendente de poloneses. Os dois estudantes fizeram viagens de campo juntos à cidade de Nova York para ver pinturas dos expressionistas abstratos e de outros artistas cujo uso da cor excitou Anuszkiewicz, incluindo Stuart Davis , Ben Shahn , Henri Matisse e Pierre Bonnard .

Depois de se formar em Yale, Anuszkiewicz voltou para Ohio, obtendo um diploma de professor para complementar sua renda com a arte. Ele se formou na Kent State University em 1956 com um Bacharelado em Ciências da Educação. Em Ohio, longe da influência aberta de Albers, ele começou a desenvolver o estilo pelo qual é mais conhecido, criando composições abstratas a partir de contrastes de alta intensidade de cores quentes e frias. Ele também experimentou a interação de cores complementares sob diferentes condições de luz. No início da primavera de 1957, aos 27 anos, ele havia criado pinturas suficientes para se mudar para a cidade de Nova York e mostrar seu trabalho para galerias.

Em Nova York, Anuszkiewicz foi inicialmente rejeitado. Os galeristas ainda apanhados na intensidade emocional do expressionismo abstrato não estavam acostumados a ver trabalhos com tanta precisão e inteligência composicional preventiva. No entanto, Anuszkiewicz continuou a desenvolver sua técnica de pintura enquanto mantinha vários trabalhos estranhos, experimentando ainda mais cores contrastantes e também explorando as possibilidades de formas repetidas e formas geométricas. No final da década de 1950, ele partiu para uma turnê de seis meses na Europa e, quando retornou a Nova York, fez um show solo na Galeria Contemporaries, em março de 1960. Após um início lento, o show se mostrou um sucesso retumbante. Alfred Barr , diretor do Museu de Arte Moderna de Nova York , comprou a primeira pintura,Complemento fluorescente , para a coleção MoMA e outros coletores notáveis ​​seguiram o exemplo. Após o sucesso desta exposição, Anuszkiewicz deixou seus outros trabalhos para se dedicar em tempo integral à pintura. Ele também se casou com Elizabeth (Sally) Feeney, professora de East Orange, Nova Jersey, e o casal se mudou para Englewood, Nova Jersey.

Os anos que se seguiram à exposição Contemporânea de Anuszkiewicz trouxeram-lhe notoriedade crescente e sua técnica se desenvolveu. Durante 1962-63, ele começou a usar fita adesiva em vez de pintar à mão livre, a fim de criar formas geométricas mais precisas e gerar as linhas de divisão nítidas que se tornariam sua marca registrada. Ele e outros Op Artists também começaram a usar tinta acrílica Liquitex, o que tornava mais fácil a criação de bordas nítidas e estava disponível em uma gama de cores mais 'moderna'. Em 1963, ele exibiu cinco pinturas em The Americans , um show do MoMA que foi coberto pela revista TIME , em um artigo com seu trabalho. A revista LIFE também exibiu sua pintura Mercurian em The Fire em sua capa em dezembro de 1964, descrevendo Anuszkiewicz como o "Novo Mago da Op."

Período maduro

Em 1965, Anuszkiewicz foi incluído no The Responsive Eye at MoMA, uma exposição de referência que ajudou a Op Art a entrar no mainstream. Entre as muitas obras expostas, apenas a pintora britânica Bridget Riley atraiu uma atenção comparável às composições deslumbrantes de Anuszkiewicz. O New York Times o chamou de "uma das estrelas mais brilhantes de The Responsive Eye ", "um técnico virtuoso cujas cores escaldantes dispostas em faixas simétricas, listras e quadrados quase saltam da tela para os olhos", que "já pode ser chamado de antigo op" mestre". Nem todas as críticas foram tão favoráveis. Um New York TimesO editor, Lester Markel, escreveu uma carta condenando a crítica favorável que seu próprio jornal havia feito, afirmando que a Op Art "é fascinante como uma técnica, mas não é arte".

Fama e mais shows se seguiram, inclusive na proeminente Galeria Sidney Janis, em Nova York. Esta exposição incluiu algumas das séries Sol de Anuszkiewicz , cada pintura da qual consistia em um quadrado central dentro de outro de uma cor contrastante, uma abordagem muito remanescente da série Homage to the Square de Josef Albers . Uma importante retrospectiva do trabalho de Anuszkiewicz se seguiu no Museu de Arte de Cleveland, e ele foi incluído na influente cartilha de História da Arte Moderna de HH Arnason . Seu trabalho tornou-se altamente mecânico e matemático, descrito por John Canaday do The New York Timescomo "deslumbrante", "obras de arte criadas inteiramente por cálculo", "executadas com precisão mecânica", mas, no entanto, "realmente bonitas". A demanda pelas pinturas de Anuszkiewicz tornou-se tão grande que sua galeria não conseguiu atender aos pedidos.

No meio de sua carreira, Anuszkiewicz estava trabalhando principalmente em longas seqüências de obras. Em 1970, ele começou a série Portals , um conjunto de pinturas que consistiam em retângulos verticais formados por cores suaves, com linhas verticais dividindo o campo de cores e enquadrando retângulos luminosos centrais. Isso levou a sua série Spectral , em meados da década de 1970, mostrada pela primeira vez em sua nova galeria, a Andrew Crispo Gallery. Essa série era ainda mais matemática em abordagem composicional do que seu trabalho anterior, consistindo em cores predominantemente claras em tons frios e quentes que se reproduziam em estruturas geométricas cuidadosamente medidas, situadas em torno de um quadrado central.

Período posterior

Nos anos 80, Anuszkiewicz iniciou sua Praça Centrada , um conjunto de obras que possuíam certa aura de austeridade clássica. Cada vez mais, Anuszkiewicz se concentrava em criar a sensação óptica de uma atmosfera cintilante de cores, que parecem irradiar da tela, um efeito que ficou conhecido como 'cor do filme'. Os quadrados centrais desses trabalhos podem, portanto, ser vistos como sólidos ou como brilhantes planos de luz. Durante 1981-84, ele também trabalhou na Série Temple , inspirada por uma viagem ao Egito em 1981. Essas obras monumentais possuem um tipo de luminosidade interna, além de uma monumentalidade tridimensional implícita. Com sua Transluminasérie, que ele desenvolveu ao longo de vinte anos, começou a trabalhar com efeitos e mídias explicitamente esculturais, criando construções de madeira em grande escala em baixo relevo e também trabalhando com chapas de alumínio e aço. Em 2000, ele criou uma série dedicada a Piet Mondrian , também com aço pintado. Ele continuou durante a primeira década do século XXI a compor obras usando acrílico sobre tela, incluindo uma série baseada nas Torres Gêmeas em 2011.

Anuszkiewicz ainda vive e pinta em sua casa em Englewood, Nova Jersey, nunca assinando suas pinturas na frente porque não deseja comprometer o efeito visual preciso de suas composições cuidadosamente planejadas. Sua assinatura não é necessária, no entanto, para identificar essas obras notáveis, criadas de maneira metódica e consistente em um modelo de composição aperfeiçoado ao longo de mais de meio século. De um conjunto reconhecível de precedentes - incluindo impressionismo , neo-impressionismo , construtivismo e arte concreta - Anuszkiewicz criou uma obra única que, embora tenha desempenhado um papel crucial na definição dos parâmetros da Op Art, ainda continua a se desenvolver, lembrando novamente como as cores colocadas lado a lado podem causar uma sensação pulsante e a ilusão de movimento e vibração .

O legado de Richard Anuszkiewicz

As pinturas geométricas de Anuszkiewicz deslumbram a mente e os olhos com seu uso requintado da cor, parecendo brilhar com uma luz interior. Em um New York Times de 1985artigo, David Shirey escreveu: "[nós] não saberíamos tanto sobre cores hoje, nem sentiríamos muito sobre isso, não fosse Richard Anuszkiewicz. Ele mudou a maneira como pensamos e reagimos emocionalmente às cores, e até afetou nossa resposta espiritual a ela ". Seu trabalho nos inspirou, nos desafiou e, de maneira poética, nos conectou com nossos espíritos. Nas palavras de Anuszkiewicz: "Como os impressionistas, quero que o espectador misture as cores em seus olhos. Não quero misturá-las na paleta. Dessa forma, também obtenho maior intensidade de cor e maior pureza." Ao contrário dos impressionistas, no entanto, libertei essas explorações do assunto e descobri uma maior liberdade na arte não objetiva ".

Anuszkiewicz é considerado um dos fundadores e gigantes da Op Art na América, apesar de sustentar que não pertence a um grupo, e seu trabalho também foi descrito como arte perceptiva e arte científica. Na época desde que esse movimento foi definido e comemorado (grosso modo, a primeira metade da década de 1960), seu trabalho foi rebelado contra - por exemplo, por minimalistas como Donald Judd - ou elogiado, criticado ou imitado. Mas isso raramente foi ignorado. Enquanto isso, na cultura pop, seu trabalho e o do Op Art em geral se revelariam influentes nas indústrias da moda, publicidade e música.

Essas respostas externas à arte de Anuszkiewicz, no entanto, raramente impactam a visão pessoal que norteou seu desenvolvimento. Sua longevidade, entretanto, garantiu que essa visão continuasse a revigorar o movimento Op Art meio século após sua concepção. Como escreveu Dennis Dooley: "As pinturas de Anuszkiewicz nos forçam repetidamente, e de maneiras maravilhosamente imaginativas, a refletir sobre nossa experiência como seres humanos em um mundo físico - bem como um definido por associações culturais".

Fonte: The art history, consultado em 20 de abril de 2020.

Crédito fotográfico: Site oficial Richard Anuskkiewicz, Richard Anuszkiewicz em estúdio, 1964.