Biografia Suzanne Valadon – Arremate Arte

Suzanne Valadon foi uma artista francesa conhecida por suas pinturas e desenhos. Ela nasceu em Bessines-sur-Gartempe, França, e seu nome de nascimento era Marie-Clémentine Valadon. Valadon começou sua carreira artística como modelo para vários artistas notáveis, como Pierre-Auguste Renoir e Henri Toulouse-Lautrec.

No entanto, Valadon logo se interessou em criar sua própria arte e começou a pintar e desenhar. Ela era autodidata e suas obras abordavam principalmente retratos, naturezas-mortas e cenas do cotidiano. Valadon também se destacou por seus nus femininos, que foram considerados ousados para a época.

A arte de Suzanne Valadon é caracterizada por cores vivas, pinceladas ousadas e composições expressivas. Ela foi influenciada pelo movimento pós-impressionista e pelo fauvismo. Valadon também foi uma das primeiras mulheres artistas a alcançar reconhecimento e sucesso durante sua vida.

Além de sua carreira artística, Valadon foi mãe do também famoso pintor Maurice Utrillo, fruto de seu relacionamento com o pintor Miguel Utrillo. Ela teve um papel significativo na formação e apoio ao talento artístico de seu filho.

Suzanne Valadon faleceu em Paris em 1938, deixando para trás um legado artístico importante e um impacto duradouro na história da arte. Suas obras podem ser encontradas em museus e galerias ao redor do mundo.

Biografia Suzanne Valadon – Wikipédia

Marie-Clémentine Valade, mais conhecida como Suzanne Valadon (Bessines-sur-Gartempe, 23 de setembro de 1865 – Paris, 7 de abril de 1938) foi uma pintora francesa pós-impressionista e personalidade marcante na cena artística parisiense no período que precede o cubismo. Foi garçonete dos cafés de Montmartre e acrobata, abandonando o circo para tornar-se modelo de Renoir, Puvis de Chavannes e Toulouse-Lautrec. Iniciou-se, sob proteção de Edgar Degas, na pintura, no pastel e no desenho, tornando-se, pouco tempo depois, a primeira mulher admitida na Société Nationale des Beaux-Arts.

Obras

Suas primeiras obras datam de 1892 e 1893, destacando-se entre elas o retrato de Erik Satie, então seu amante. Sua produção será marcada inicialmente pela estética dos pintores de Pont-Aven, como Gauguin e Paul Sérusier, particularmente acentuada após a separação do marido, Paul Moussis, ocorrida em 1909. Passa então a dedicar-se exclusivamente à pintura, fortemente influenciada por Degas, Van Gogh e Matisse. Foi mãe do pintor Maurice Utrillo, conhecido tanto pelo estilo poético de suas narrativas dos subúrbios de Montmartre quanto por sua conturbada biografia, desde cedo marcada pelo alcoolismo.

Legado feminista

Como uma das artistas francesas mais bem documentadas do início do século XX, a obra de Valadon tem sido de grande interesse para historiadoras da arte feministas, especialmente devido ao seu foco na forma feminina. Seu trabalho era franco e ocasionalmente estranho, muitas vezes caracterizado por linhas fortes, e sua resistência às convenções acadêmicas e de vanguarda para representar o nu feminino estimularam o interesse em seu trabalho: Tem-se argumentado que muitas de suas imagens de mulheres sinalizam um forma de resistência a algumas das representações dominantes da sexualidade feminina na arte ocidental do início do século XX. Muitos de seus nus pintados a partir da década de 1910 são fortemente proporcionados e, às vezes, colocados de maneira desajeitada. Eles estão conspicuamente em desacordo com o tipo esbelto e 'feminino' que pode ser encontrado nas imagens de populares e em seu autorretrato de 1931, quando ela tinha 66 anos, se destaca como um dos primeiros exemplos de uma pintora registrando seu próprio declínio físico.

Sua primeira exposição institucional nos Estados Unidos será realizada na Barnes Foundation na Filadélfia em setembro de 2021. Ela agora é conhecida por ter sido uma importante artista moderna que, como muitas outras mulheres talentosas, tem sido pouco reconhecida.

Fonte: Wikipédia. Consultado pela última vez em 13 de julho de 2023.

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Suzanne Valadon – National Museum of Women in the Arts

Nascida Marie-Clémentine, Valadon era filha de uma empregada doméstica solteira. Ela cresceu em Montmartre, o bairro boêmio de Paris, sustentando-se desde os dez anos de idade com biscates: garçonete, babá e artista de circo. Uma queda de um trapézio a levou a uma nova direção.

De 1880 a 1893, Valadon modelou para vários dos pintores mais importantes de sua época, incluindo Pierre-Auguste Renoir e Henri de Toulouse-Lautrec. Embora ela não pudesse pagar aulas formais de arte, Valadon aprendeu prontamente com os pintores ao seu redor. O amigo íntimo e mentor Edgar Degas também lhe ensinou técnicas de desenho e gravura. Valadon logo passou de modelo de artista para artista de sucesso.

Valadon também teve uma vida pessoal complicada. Em 1909, ela deu à luz fora do casamento a Maurice Utrillo (que mais tarde se tornou um artista), casou-se e divorciou-se. Nesse mesmo ano, Valadon, 44, começou a pintar em tempo integral. Apenas dois anos depois, ela foi aclamada pela crítica com sua primeira exposição individual.

Ela alcançou o auge de sua fama na década de 1920 e teve quatro grandes exposições retrospectivas durante sua vida. Por meio de suas pinturas e gravuras, Valadon transformou o gênero do nu feminino, fornecendo uma expressão perspicaz das experiências femininas.

Fonte: Museu Nacional das Mulheres nas Artes. Consultado pela última vez em 13 de julho de 2023.

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Suzanne Valadon – ArtNet

Suzanne Valadon(Francês, 1865–1938) foi uma pintora e modelo de artistas, conhecida como uma das artistas femininas mais bem-sucedidas de sua geração e mãe do artista francês Maurice Utrillo. Como filha de uma empregada solteira, Valadon teve uma infância bastante solitária. Ela morava no bairro de Montmartre, em Paris, onde começou a trabalhar como modelo para artistas que patrocinavam o cabaré chamado Lapin Agile, como Pierre Puvis de Chavannes, Pierre-Auguste Renoir e Jean-Louis Forain. Valadon aprendeu a desenhar sozinha por volta dos nove anos. Outros artistas, incluindo Renoir, Edgar Degas e Henri de Toulouse-Lautrec, responderam de forma encorajadora ao trabalho de Valadon. Em 1896, seu casamento com Paul Mousis permitiu a Valadon deixar para trás sua carreira como modelo de artista e, em 1909, ela pintava e trabalhava como artista em tempo integral. Sua primeira exposição individual ocorreu em 1911, e atingiu o auge de sua celebridade e sucesso durante a década de 1920. Valadon frequentemente pintava figuras reclinadas em interiores ricamente decorados, como em Sala Azul (1923). As obras de Valadon estão incluídas nas coleções do Museu de Arte Moderna de Nova York, do Museu Nacional das Mulheres nas Artes de Washington, DC, do Centre Georges Pompidou de Paris e do Art Institute of Chicago, entre outros.

Linha do tempo

Em 1865, em Bessines-sur-Gartempe, Haute-Vienne, França, nasceu Marie-Clémentine Valadon. Sua mãe era uma lavadeira solteira e seu pai provavelmente era um jovem que trabalhava na fábrica próxima e foi morto logo após o nascimento de Marie-Clémentine. Madeleine, sua mãe, mudou-se com seu bebê para Montmartre para escapar do escândalo. Lá Madeleine trabalhou como empregada doméstica e Marie-Clémentine cresceu sozinha. No início da adolescência, ela foi aprendiz de costureira em Paris e logo depois se juntou a um grupo de acrobacias. Ela estava feliz lá, mas após uma queda que quase a matou, ela teve que desistir de se apresentar com o grupo. Na tenra idade de 15 anos, ela foi para a Place Pigalle, onde um vizinho a levou, a fim de se tornar modelo de um artista. O consagrado artista Puvis de Chavannes, imediatamente a viu - ele era um dos muitos artistas de Montmartre que iam lá para escolher entre dezenas de homens, mulheres e crianças miseráveis ​​que se reuniam todos os domingos na esperança de se tornarem modelos. A artista de 56 anos sentiu-se compreensivelmente atraída pela jovem, ela era prematuramente voluptuosa, com cabelos “cor de conhaque”, olhos azuis deslumbrantes e um senso de humor “contagiante”. Puvis a usou como modelo para suas heroínas 'neoclássicas' e como sua amante, mas quando viu alguns de seus primeiros desenhos, declarou "você é uma modelo, não uma artista!" Seu comportamento lascivo era bem conhecido em toda Montmartre e, como um homem rico, ele podia comprar qualquer um dos 'modelos' desesperados a qualquer preço. Essa 'relação' entre modelo e artista era uma condição de vida em Montmartre naquela época.

Depois de ser dispensada por Chavannes, Valadon foi modelo de Renoir, para quem ela retratou a bela inocente em algumas de suas obras mais notáveis, como a Dança em Bougival de 1883 e As banhistas. Valadon não gostava mais de Renoir do que de Puvis, descrevendo-o como “só pincéis e sem coração”, mas ela ainda mantinha um caso com ele. Ela engravidou naquele ano aos 17 anos e embora Renoir fosse um suspeito, havia muitos outros, incluindo um diletante desconhecido e boêmio chamado Boissy. O bebê se chamava Maurice Valadon, mas depois ficou conhecido como Maurice Utrillo.

Valadon começou a modelar para Toulouse-Lautrec após o nascimento de Maurice. Ele era diferente; mais gentil do que os outros foram com ela, ele viu seus desenhos e a encorajou a fazer mais. Ele também disse a ela que ela deveria mudar seu nome de Marie-Clémentine para Suzanne, um nome que pudesse ser respeitado e lembrado.

Em 1893 ela conseguiu conhecer e impressionar Degas. Seguindo o conselho de Lautrec, ela pegou seus desenhos e os mostrou ao gênio recluso. Dizem que Degas deu uma olhada em seus desenhos do pequeno Maurice e disse: "você é um de nós!" Ele então comprou 17 desses desenhos e os pendurou entre seus Cézannes, Gauguins e Van Goghs.

Suzanne Valadon teve uma vida complicada… Seu filho também se tornou um pintor brilhante - infelizmente, ele também foi um dos bêbados mais notórios de Montmartre. Depois de um relacionamento longo e tumultuado, Valadon se casou com Paul Mousis, um advogado próspero com muitas conexões em Montmartre. Não durou muito e, quando ela tinha 44 anos, Maurice a apresentou a seu amigo André Utter, outro aspirante a pintor. Ele tinha 23 anos e, apesar da diferença de idade, formaram um relacionamento que lhe causaria grandes alegrias e tristezas pelo resto da vida. Maurice também a atormentava, ele estava constantemente entrando e saindo de instituições para doenças mentais e, mais frequentemente, embriaguez. Por tudo isso, ainda sentimos o espírito de Suzanne. Embora ela não fosse a melhor das mães, ela era uma artista verdadeiramente talentosa. Suas pinturas são brutalmente honestas, eles nos forçam a reagir à sua ousadia e intensidade não escolarizada. Ela ainda não pode ser classificada em um grupo, ou como seguidora de algum artista em particular; ela aprendeu sozinha e assim formou um estilo próprio.

Suzanne Valadon não teve uma vida fácil e só agora está ganhando o respeito que tanto merece como uma das grandes pintoras do século XX. Infelizmente, a vida e a reputação de seu filho, de muitas maneiras, ofuscaram a dela, mas pelo que aprendemos sobre sua personalidade, ela provavelmente não o invejaria nem mesmo por isso. Seu trabalho é exibido em muitos dos melhores museus e galerias de todo o mundo.

Fonte: ArtNet, Suzanne Valadon. Consultado pela última vez em 13 de julho de 2023.

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Modelo revolucionário transformado em pintor intransigente – New York Times

É difícil acreditar que “Suzanne Valadon: Modelo, Pintora, Rebelde” na Barnes Foundation seja a primeira exposição em um museu americano para esta sensacional pintora francesa.

Nascida em Bessines-sur-Gartempe e criada em Paris por uma mãe solteira, Valadon (1865-1938) começou a desenhar aos 9 anos de idade. artistas na adolescência. Gustav Wertheimer fez dela uma sereia, flutuando nua da onda para prender os marinheiros com um beijo. Henri de Toulouse-Lautrec, que a pintou de ressaca, a apelidou de “Suzanna” – uma referência a uma parábola bíblica sobre voyeurismo e luxúria que ela gostou tanto que abandonou seu nome de batismo, Marie-Clémentine.

Aos 18 anos ela deu à luz um filho, a quem seu amigo Miguel Utrillo mais tarde deu um sobrenome, embora ele possa não ser o pai. (A criança, Maurice Utrillo, também se tornou um pintor de sucesso, embora lutasse contra o álcool e a doença mental.) Valadon vendeu desenhos e gravuras, fez amizade com Edgar Degas e estudou cuidadosamente os pintores que a pintaram, aprendendo com a maneira como trabalhavam. Com pouco menos de 30 anos, ela fez um casamento vantajoso que a deixou desistir da modelagem e se dedicar ao desenho. Mas ela mesma só pegou no pincel em 1909, aos 44 anos, quando trocou o marido empresário pelo pintor André Utter, amigo e contemporâneo do filho.

Assim que começou a pintar, Valadon exibiu amplamente e vendeu o suficiente para sustentar sua família não convencional. Mas, a longo prazo, sua arte foi ofuscada pela carreira de seu filho, diminuída pela misoginia usual e obscurecida pelo interesse lascivo em seu estilo de vida. A mostra no Barnes, com curadoria de Nancy Ireson, é um passeio emocionante por seus retratos, nus, naturezas-mortas e desenhos.

No Barnes, as mostras temporárias aparecem em um espaço isolado ao lado da coleção permanente, que não pode ser alterada. (Acontece que o fundador do Museu, Albert Barnes, ignorou Valadon completamente, embora colecionasse Utrillo.) Mas com 36 pinturas, muitas delas grandes, e 14 obras em papel, a mostra de Valadon parece um pequeno museu em si.

Conhecemos a artista pela primeira vez como modelo para Renoir, Pierre Puvis de Chavannes e outros em reproduções coloridas, bem como em quatro telas reais, incluindo “O Beijo da Sereia” e ela aparece como charmosa, apaixonada e incomumente autoconsciente. Somente quando você entra na segunda sala da exposição e encontra seu próprio trabalho é que percebe como ela era intransigente.

Seu estilo de vida boêmio, com seus amantes artistas e o segundo casamento com um homem duas décadas mais novo que ela, pode ter resultado tanto das circunstâncias quanto da inclinação. Como Martha Lucy, uma historiadora da arte, colocou em seu ensaio de catálogo, falando sobre a modelagem de Valadon, “o status da classe trabalhadora significava que havia menos impedimentos morais para buscar um emprego tão desonroso”.

Mas a arte de Valadon era certamente rebelde. Seu "Adão e Eva" de 1909, um auto-retrato sombrio e cinza-esverdeado com Utter que os mostra colhendo frutas da Árvore do Conhecimento, pode ter sido o primeiro nu masculino completo já pintado por uma mulher européia; 11 anos depois, para mostrá-lo no Salon des Indépendants, Valadon teve que adicionar uma tanga de folhas. Seu tratamento franco e nada sexy com outros nus, seus auto-retratos sinceros, as expressões desafiadoramente entediadas e irritadas que ela costumava dar a seus modelos, até mesmo as calças da mulher fumante que descansava no “The Blue Room”, tudo isso conta como passos descarados à frente. por seu tempo.

Ainda assim, a verdadeira revelação é o esplendor visual chocante do trabalho de Valadon. E tudo começa com sua linha precisa, mas poderosa, como a exposição deixa claro em um punhado tentador de desenhos e gravuras.

Utrillo sai nu de uma banheira em “Maurice and His Grandmother”, um desenho de giz de cera preto de cerca de 1890. Seus braços se estendem para a frente, mas dobram para trás novamente para segurar uma toalha atrás dos ombros, e sua cabeça se inclina para baixo em concentração. Atrás dele, a mãe de Valadon, sua cuidadora, está agachada no chão, meio retraída, uma aparição.

Embora Valadon contorne seu filho lindamente, capturando a tensão de sua barriga e a curva de seu pé, transmitindo até mesmo a suavidade infantil de sua pele, a linha em si é lenta e grossa. O menino se destaca como uma boneca de papel ganhando vida, mas só até certo ponto – a linha latente que o corta para fora da cena também o coloca de volta.

Quando Valadon finalmente começou a pintar, ela carregava esse conflito sublimado, a hipnotizante mistura de alienação e claustrofobia que ela sondava em seus desenhos. Ela e Utter parecem felizes o suficiente em “Adão e Eva” – pelo menos “Eva” parece – mesmo que seus corpos nus estejam um pouco pálidos e mal alimentados. E embora as escolhas de cores de Valadon dependam de contrastes de Cézanne, com tons de verde doentio para seu amante e rostos manchados para ambos, eles se somam a uma superfície convidativa. Mas os contornos nítidos da imagem ainda lhe dão uma sensação tensa e vítrea, como um mosaico bem definido.

Em um “Retrato de Família” de 1912, é o conteúdo que é enervante. O filho de Valadon cai desconsolado; sua mãe idosa olha passivamente; seu jovem e alto amante ocupa seriamente seu canto; enquanto a própria Valadon olha para fora com cautela, sua mente em outro lugar. (Ela se parece, naturalmente, com uma mulher olhando para um espelho.) Atrás deles está pendurada uma cortina cor de mostarda que enfatiza a rigidez de seus rostos. Eles parecem tão familiares quanto estranhos em um elevador.

Em “Marie Coca e sua filha Gilberte”, a artista simplesmente distorce seus temas em direções opostas. A mãe senta-se numa poltrona voltada para a esquerda; filha sentada em uma almofada no chão, com a cabeça apoiada nos joelhos da mãe; e uma boneca senta-se no colo da filha, olhando diretamente para o meio. A sombra esverdeada da almofada de veludo vermelho da filha ecoa na parede de papel, que recua em outro ângulo agudo, e suas bochechas ardentes são o ponto mais brilhante em uma sala de roupas pretas e estofamento marrom. À primeira vista, a superfície é tão plácida quanto qualquer sala de estar burguesa - mas, em uma inspeção mais próxima, ela se agita com hostilidade e violência.

Em pinturas posteriores, Valadon justapõe padrões conflitantes de cores vibrantes para criar um tipo de tensão diferente, menos especificamente ancorado. Ela até deixa seus contornos esguios evaporarem ocasionalmente em lindas naturezas-mortas de arranjos de flores. Mas o mesmo zumbido baixo de discórdia continua. E quase todos esses elementos - os padrões, a caracterização vívida das mulheres, o descontentamento autoconsciente - se reúnem em "The Blue Room".

Uma jovem de camisola rosa e calça listrada, com o cabelo preto puxado para trás, se estica em uma cama coberta com um cobertor azul com estampa de hera. Cortinas combinando pendem como cortinas de teatro de cada lado, e um cigarro apagado sai de seus lábios, descarado como um charuto. No centro de um turbilhão de cores, em exibição, mas no comando, ela está perfeitamente à vontade.

Fonte: New York Times, "Modelo revolucionário transformado em pintor intransigente". Publicado por Will Henry, em 20 de outubro de 2021. Consultado pela última vez em 13 de julho de 2023.

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Como Suzanne Valadon recuperou sua imagem pintando-se nua

Se alguém tem o direito de retratar-se nua, é um modelo: aquelas mulheres sem nome cujos rostos e corpos venderam inúmeras pinturas ao longo dos séculos e cujas vidas raramente sabemos alguma coisa.

Nascida Marie-Clémentine Valadon em 1865, Suzanne Valadon, como ela se tornaria, era filha ilegítima de Madeleine, costureira e faxineira, e um pai que ela nunca conheceu. Em 1870, ainda envergonhada por ter dado à luz fora do casamento, Madeleine mudou-se com a família de Bessine-sur-Gartempe para Montmartre. Foi uma época turbulenta; A França foi envolvida e depois derrotada na Guerra Franco-Prussiana e a Terceira República foi estabelecida em 1877.

Durante dezessete anos, sob a direção de Georges-Eugène Haussmann, Paris foi um vasto canteiro de obras, transformada de cidade medieval em moderna; 12.000 edifícios foram derrubados, deslocando milhares de cidadãos mais pobres da cidade. Bem acima de Paris, Montmartre, no entanto, permaneceu intocada. Atraindo refugiados do centro da cidade, esta vibrante vila operária – cheia de jardins, bares, cafés e estúdios – rapidamente se tornou o epicentro da pintura moderna.

Os relatórios divergem sobre seus primeiros anos, mas é geralmente aceito que, após uma educação rudimentar, por volta dos dez ou doze anos, Marie-Clémentine, que fazia desenhos sobre qualquer coisa que pudesse encontrar desde que conseguia se lembrar, ganhava a vida fazendo vários trabalhos: costurar, fazer coroas de flores, vender legumes, garçonete, lavar pratos e trabalhar como cavalariço. Seu sonho, porém, era se tornar uma acrobata. Ela era uma “figura pequena e selvagem [. . .] balançando nas costas de um cavalo, executando pinos de mão, pinos de cabeça, cambalhotas e cambalhotas.” Ela relembrou: “Pensei demais, fui assombrada, fui um demônio, fui um menino”. Ela trabalhou por seis meses no Cirque Fernando, o circo permanente de Montmartre, mas quando caiu de um trapézio aos quinze anos, seu foco se voltou para a arte.

Inicialmente com a ajuda de sua amiga Clelia, que era modelo, de 1880 a 1893 ela posou para artistas como Pierre Puvis de Chavannes, Pierre-Auguste Renoir, Henri de Toulouse-Lautrec e outros. Ela é a estrela de algumas das pinturas mais famosas da época: The Grove Sacred to the Arts and Muses, de Puvis de Chavanne, The Large Bathers, Dance at Bougival e Girl Braiding her Hair, de Renoir, e The Hangover, de Toulouse-Lautrec. Ela é retratada como uma criatura mítica, uma sedutora nua, uma coquete de rosto doce, uma beleza virginal e uma bêbada de rosto azedo. Enquanto fazia poses, ela observava como os artistas desenhavam, preparavam suas paletas e misturavam tintas. Ela estava aprendendo seu ofício.

Maria, como era conhecida, frequentava os cafés e boates de Montmartre: o agora lendário Lapin Agile, o Chat Noir, o Café de la Nouvelle Athènes - preferido pelo grupo de artistas conhecidos como impressionistas - e outros. A única outra modelo da época que se tornou conhecida como artista, Victorine Meurent - a estrela de muitas das pinturas de Manet, que era vinte anos mais velha que Maria - também era regular. Maria era animada e entediada com as convenções: uma vez ela entrou no Moulin de la Galette deslizando pelo corrimão, vestida apenas com uma máscara. Ela se aproximou do carismático crítico e artista espanhol Miguel Utrillo; para não ficar para trás, ele montou um burro para trás na mesma boate e empurrou um carrinho de mão de peixe para o elegante L'Élysée Montmartre. Maria o seguiu, rindo.

Em 1883, Maria deu à luz seu filho, Maurice, que também alcançaria fama como artista. Não se sabe quem era o pai da criança, mas em 1891, Miguel Utrillo o “reconheceu”, talvez mais por bondade do que por patrimônio: era impossível Maria se casar ou ser considerada respeitável enquanto tivesse um filho ilegítimo.

Pouco depois de Maurice nascer, ela desenhou um autorretrato de cabeça e ombros em carvão e pastel.

Pela primeira vez, ninguém está olhando para ela, mas ela mesma.

Ela tem dezoito anos, a nova mãe de uma criança nascida fora do casamento. Ela é da classe trabalhadora e desesperadamente pobre. No entanto, ela se retrata com orgulho: seu cabelo dourado está cuidadosamente puxado para trás, seu vestido azul recatado. Ela olha para nós - ou para si mesma no espelho - com uma expressão clara e severa. Ela é uma beleza, mas ela subestima sua aparência. Sua assinatura no canto superior direito é firme: Suzanne Valadon, 1883. Curiosamente, porém, quando ela fez este desenho, ela ainda era conhecida como Maria, não Suzanne, então é provável que ela o tenha assinado posteriormente.

Por volta de 1895, Maria tornou-se Suzanne. Toulouse-Lautrec escolheu seu novo nome após a história bíblica de Susannah e os Anciãos - a pintura que Artemisia pintou tão furiosamente quase 300 anos antes. Do nosso ponto de vista, é uma coisa horrível de se fazer: dar a uma jovem o nome de outra jovem cuja fama se baseia no fato de ter sido abusada sexualmente por homens mais velhos. Mas pegou: ela gostou e era dela. Ela e Toulouse-Lautrec eram próximos, provavelmente amantes: ela posou para ele e ele foi o primeiro a reconhecer seu talento como artista. Ele prendeu três de seus desenhos na parede de seu estúdio e pediu aos visitantes que adivinhassem quem os fez. Ele também a emprestou seus livros: ela leu seus exemplares da Genealogia da Moral de Nietzsche , A Força de Ludwig Büchnere os poemas de Matter e Baudelaire.

Apesar de seu formidável talento, a reputação de Suzanne como artista era, até muito recentemente, obscurecida por tediosos julgamentos moralistas sobre sua virtude, ou melhor, sua aparente falta dela. Como escreveu uma de suas biógrafas, June Rose: “Muito depois de ela mesma ter se tornado uma artista, essas imagens dela, bela e dissoluta, perduraram na mente dos críticos, e sua própria conduta como mulher lançou uma sombra sobre sua realização como artista. um artista." É irritante comparar sua reputação com a de seus contemporâneos do sexo masculino, poucos dos quais viveram o que se poderia chamar convencionalmente de vidas inocentes e cujas pinturas raramente são julgadas pelo comportamento de seus criadores.

Como artista feminina em Paris na virada do século, Suzanne não estava sozinha. Como Paula Modersohn-Becker e Gwen John, as mulheres gravitavam para a cidade por suas liberdades relativas e pela riqueza de sua cena artística. Somente em 1879, quatorze mulheres receberam medalhas de ouro no Salão de Paris. Vários movimentos surgiram e desapareceram na virada do século - fauvismo, cubismo, futurismo, orfismo, dadaísmo e outros - mas foi o impressionismo que dominou a cena artística parisiense a partir da década de 1860. Discutindo suas influências mais tarde na vida, Suzanne admitiu que foi “a paleta dos impressionistas que me encantou”. O grupo incluía várias mulheres brilhantes - Marie Bracquemond, Mary Cassatt, Eva Gonzalès e Berthe Morisot - mas elas vinham de origens privilegiadas, eram cerca de vinte anos mais velhas que Suzanne e nenhuma delas desenhava ou se pintava nua.

Além disso, apesar de sua imersão na boêmia, a maioria das artistas femininas ainda era acompanhada; o que eles podiam ver e fazer era rigidamente controlado. Mas Suzanne era dona de si: restrições financeiras à parte, ela era livre para ir e vir - e para desenhar e pintar - como quisesse. Dito isso, alguns dos artistas para os quais ela modelou e com quem muitas vezes dormiu foram contundentes com a ideia de mulheres serem artistas. Renoir - para quem foi modelo por cinco anos - escreveu a um amigo que: “Penso nas mulheres que são escritoras, advogadas e políticas como monstros, meras aberrações. . . a mulher artista é igualmente ridícula.

No sensual Adão e Eva , Suzanne se retrata como uma Eva sorridente e alegremente nua. Com os cabelos caindo pelas costas, ela colhe o fruto proibido como uma guloseima a ser saboreada. Adam - modelado por seu novo amante - gentilmente guia a mão dela com a dele; seus órgãos genitais estão escondidos por uma folha de figueira que aparentemente foi adicionada mais tarde, para apaziguar os frequentadores de galerias de censura.

Em 1911 pintou Joy of Life — um estudo de quatro mulheres, que tomam banho e são observadas por um homem nu (novamente André). É uma espécie de homenagem ao escandaloso Le Déjeuner sur l'herbe (1863), de Édouard Manet, que retrata dois homens totalmente vestidos fazendo um piquenique com duas mulheres, uma delas nua, a outra levemente vestida com uma camisa. Um ano depois, Suzanne pintou uma jovem nua reclinada em um sofá vermelho, olhando para outra mulher ajoelhada em um tapete, com as cartas à sua frente. Sua nudez é confortável, nada sedutora; a cor de suas longas tranças ecoa no vermelho de seus pelos púbicos. Ela é digna, forte, cheia de poder. A cartomante segura a rainha de ouros: uma carta que significa riqueza, autoridade e sabedoria.

As composições dessas pinturas expressivas e marcantes são repletas de detalhes - o papel de parede florido azul-acinzentado, o sofá cor de vinho, o rico carpete azul e laranja, o longo cabelo ruivo, a densa grama verde: há uma sensação palpável de prazer no mundo físico. Suzanne usou a si mesma como modelo em cada uma dessas pinturas. Ela também foi modelo de André: seus retratos dela nua revelam uma mulher totalmente à vontade em seu corpo.

Aos quarenta e seis anos, em 1911, ela teve sua primeira exposição individual na Galerie du Vingtième Siècle - a Galeria do Século XX - dirigida por um ex-palhaço de bom olho, Clovis Sagot. Ele apoiou artistas como Picasso e Juan Gris e estava entusiasmado com o trabalho de Suzanne. O show não vendeu bem, mas ela estava se tornando mais conhecida.

Em Portrait de Famille (Retrato de Família), que Suzanne pintou aos 47 anos, ela se retrata cercada por dois rapazes e uma velha – todos olhando para o outro lado, como se estivessem absortos demais em seus pensamentos para admitir a presença do artista. À sua direita está André, com quem, com a declaração da Primeira Guerra Mundial, ela logo se casaria, em parte para ser paga como esposa de um soldado. Maurice, que agora estava alcançando algum sucesso como artista, está à esquerda dela: sua pose abatida e expressão desanimada sugerem seus problemas de saúde mental e vício. Atrás dela está Madeleine, sua mãe feroz, curvada e idosa, que morreria três anos depois. Apenas Suzanne, a pintora, olha diretamente para nós, com a mão direita no coração. Esta é a minha família, ela parece dizer: esta sou eu.

Implacável, aos sessenta e seis anos de idade, em 1931, Suzanne pintou outro auto-retrato notavelmente franco. Contra um fundo áspero de limão, um vago vislumbre de uma paisagem ou de uma pintura sobre o ombro direito, ela delineia seu corpo em linhas pesadas e fluidas. Tal como acontece com o autorretrato de Paula Modersohn-Becker, sua única decoração é um colar simples. Seus seios nus caem e seu rosto levemente enrugado é coroado por seus cabelos escuros e lisos, cortados como uma boina. Suas finas sobrancelhas escuras pairam sobre seus cansados ​​olhos azuis como as asas abertas de um melro. Ela olha diretamente para nós: ela não tem nada a esconder.

Fonte: Lit Hub, "Como Suzanne Valadon recuperou sua imagem pintando-se nua". Escrito por Jennifer Higgie, publicado em 15 de outubro de 2021. Consultado pela última vez em 13 de julho de 2023.

Crédito fotográfico: Nam do Complex. Consultado pela última vez em 13 de julho de 2023.