A melhor experiência em leilões
Barye
Antoine-Louis Barye (Paris, França, 24 de outubro de 1796 — Paris, França, 25 de junho de 1875), mais conhecido como Barye ou Antoine-Louis, foi um escultor, pintor e gravador francês. Começou sua carreira como aprendiz de gravador de medalhas e ourives, antes de estudar na École des Beaux-Arts, em Paris. Inspirado pelas visitas ao Jardin des Plantes, Barye desenvolveu um estilo que combinava um profundo entendimento anatômico dos animais com uma forte carga dramática. Barye é conhecido como o "pai da escola moderna dos Animaliers", devido à sua habilidade em retratar animais com realismo e detalhamento excepcionais. Obras como "Leão Esmagando uma Serpente" e "Teseu e o Minotauro" destacam-se pelo dinamismo e pela intensidade das composições, o que lhe rendeu comparações a Michelangelo por artistas como Théophile Gautier. Ao longo de sua carreira, Barye enfrentou dificuldades financeiras e chegou a declarar falência, mas continuou a produzir e a ser admirado no meio artístico. Em 1854, foi nomeado professor de desenho no Museu de História Natural e, em 1868, foi eleito para a Académie des Beaux-Arts, confirmando seu reconhecimento como um dos grandes escultores do século XIX. Seu trabalho influenciou notavelmente outros artistas do movimento animalier, como Emmanuel Frémiet e Auguste Cain, e há uma praça pública em Paris dedicada a ele. Apesar dos desafios, Antoine-Louis Barye deixou um legado duradouro e significativo na escultura animalista e no romantismo francês.
Antoine-Louis Barye | Arremate Arte
Antoine-Louis Barye (1795-1875) foi um renomado escultor, pintor e gravador francês, conhecido principalmente por sua habilidade em retratar animais. Nascido em 24 de setembro de 1795, em Paris, ele se destacou como um dos principais artistas do movimento romântico, sendo reconhecido como o "pai da escola moderna dos Animaliers" — um grupo de escultores especializados em temas animais.
Barye começou sua carreira como aprendiz de um gravador de medalhas, depois trabalhou como ourives e mais tarde estudou na École des Beaux-Arts, onde teve contato com os escultores François-Joseph Bosio e Gros. Desde jovem, ele passava seu tempo no Jardin des Plantes, em Paris, observando animais e registrando suas formas e movimentos. Isso influenciou significativamente sua obra, marcada por realismo e detalhamento anatômico. Suas esculturas, como "Leão Esmagando uma Serpente" e "Tigre Devorando um Crocodilo", transmitiam dinamismo e drama, sendo admiradas por artistas contemporâneos como Théophile Gautier, que o comparou a Michelangelo por sua capacidade de "agigantar e estilizar" os temas animais.
Entre suas obras mais famosas estão também "Teseu e o Minotauro" (1843) e "Roger e Angélica Montados no Hipogrifo" (1846). Participou de várias edições do Paris Salon, onde suas obras muitas vezes causavam controvérsia, mas também lhe rendiam comissões e reconhecimento. Em 1854, Barye foi nomeado professor de desenho no Museu de História Natural, e em 1868, foi eleito membro da Académie des Beaux-Arts. Apesar de sua habilidade artística, ele enfrentou dificuldades financeiras ao longo da vida e chegou a declarar falência em 1848. Seus moldes foram vendidos para uma fundição que produziu versões de qualidade inferior, prejudicando sua reputação até sua recuperação posterior com a fundição Barbedienne.
Antoine-Louis Barye teve um impacto duradouro no cenário artístico francês e é lembrado como um dos principais escultores animalistas do século XIX. Seu trabalho influenciou artistas como Emmanuel Frémiet e Auguste Cain, e há uma praça pública em Île Saint-Louis, em Paris, dedicada a ele. Seus últimos anos de vida foram dedicados ao ensino e ao refinamento de suas obras, até que parou de produzir novas criações em 1869 devido à idade. Ele faleceu em 25 de junho de 1875, também em Paris.
---
Antoine-Louis Barye | Wikipédia
Nascido em Paris, França , Barye começou sua carreira como ourives, como muitos escultores do Período Romântico. Ele trabalhou primeiro com seu pai Pierre, e por volta de 1810 trabalhou com o escultor Martin-Guillaume Biennais, que era ourives de Napoleão. Depois de estudar com o escultor Francois-Joseph Bosio em 1816, e com o pintor Barão Antoine-Jean Gros, ele foi em 1818 admitido na École des Beaux-Arts . Mas foi somente em 1823, enquanto trabalhava para o ourives Emile Fauconnier que ele descobriu sua verdadeira predileção em observar os animais no Jardin des Plantes, fazendo estudos vigorosos deles em desenhos a lápis comparáveis aos de Delacroix, depois modelando-os em escultura em grande ou pequena escala.
Em 1819, enquanto estudava na École des Beaux-Arts, Barye esculpiu um medalhão chamado Milo de Crotana Devorado por um Leão, no qual o leão morde a coxa esquerda de Milo. O tema de Milo foi o tema oficial da escola para a competição de medalhões de 1819, onde Barye ganhou uma menção honrosa. c. 1820 Barye esculpiu Hércules com o Javali de Erimanto, representando o quarto Trabalho de Hércules, onde ele teve que capturar um javali vivo do Monte Erimanto.
Barye não foi menos bem-sucedido em escultura em pequena escala, e se destacou em representar animais em suas atitudes mais familiares. Barye esculpiu o medalhão de retrato Jovem Homem em uma Boina (1823) em bronze, bem como Retrato do Fundador Richard (1827), no qual apenas uma cabeça e um pescoço são mostrados. Ele também esculpiu Poised Stag (1829), uma escultura muito maior, que tinha uma altura de 48cm, e era um terço do tamanho natural.
Barye não queria ser conhecido apenas como um escultor de pequenos bronzes, ele queria ser conhecido como um sculpteur statuaire (um escultor de grandes estátuas). Em 1831, ele exibiu estátuas muito maiores, Tiger Devouring a Gavial Crocodile, que era uma escultura de gesso de 41cm de altura e 103cm de comprimento, e Lion Crushing a Serpent, de 138cm de altura e 178cm de comprimento, feita em bronze. Em 1832, ele realmente dominou um estilo próprio no Lion with a Snake.
Barye, embora envolvido em uma luta perpétua com a carência, exibiu ano após ano estudos de animais, grupos admiráveis que o revelam como inspirado por um espírito de verdadeiro romance e um sentimento pela beleza do antigo, como em seu Teseu e o Minotauro (1843), Roger e Angélica no Hipogrifo (1846), Lapitha e Centauro (1848), Jaguar Devorando uma Lebre (1850) e inúmeras obras menores agora muito valorizadas. As duas últimas obras foram exibidas no Salão de Paris de 1850, fazendo com que Théophile Gautier observasse: "A mera reprodução da natureza não constitui arte; Barye engrandece seus temas animais, simplificando-os, idealizando-os e estilizando-os de uma maneira ousada, enérgica e robusta, que o torna o Michelangelo do zoológico."
Exemplos de sua obra maior incluem o Leão da Coluna de Julho, cujo modelo de gesso foi moldado em 1839, vários leões e tigres nos jardins das Tulherias, e os quatro grupos Guerra, Paz, Força e Ordem (1854).
Embora Barye se destacasse na escultura, frequentemente enfrentava dificuldades financeiras devido à sua falta de conhecimento empresarial. Em 1848, ele foi forçado a declarar falência, e todo o seu trabalho e moldes foram vendidos para uma fundição. A fundição começou a fazer trabalhos inferiores de 1848 a 1857, e sua reputação sofreu durante esse tempo. Em 1876, o que restou do inventário de Barye, 125 modelos, foram vendidos para a fundição Ferdinand Barbedienne. O catálogo Barbedienne de 1877 oferecia todos os modelos em bronze em tamanhos variáveis, e as peças fundidas Barbedienne eram de excelente qualidade.
A fama só veio mais tarde na vida. Em 1854, ele foi nomeado Professor de Desenhos no Museu de História Natural e foi eleito para a Académie des beaux-arts em 1868. Ele não produziu nenhuma obra nova depois de 1869.
A grande quantidade de obras admiráveis deixadas por Barye lhe dá o direito de ser considerado um dos grandes artistas da vida animal da escola francesa de arte animal e o refinador de uma classe de arte que atraiu homens como Emmanuel Frémiet, Paul-Édouard Delabrièrre, Auguste Cain e Georges Gardet.
Há uma praça pública na ponta leste da Île Saint-Louis, em Paris, dedicada a ele.
Família
Barye teve um filho, Alfred Barye, que estudou com ele e também se tornou um escultor animalier. Alfred, embora muito competente por direito próprio como escultor, lutaria para ganhar notoriedade trabalhando na sombra de seu pai mais famoso. Antoine-Louis não ficou satisfeito quando seu filho começou a assinar o trabalho como "A. Barye" porque ele pensou que isso criava confusão entre seu trabalho e o de seu filho. Ele forçou seu filho a assinar como "A. Barye, fils" ou "Alf Barye" para distinguir suas obras. O Barye sênior assinou apenas de uma maneira ao longo de toda a sua carreira, simplesmente marcando seus bronzes como "Barye".
Fonte: Wikipédia. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
---
Movimento Animaliers
O movimento Animaliers foi um estilo artístico do século XIX que se concentrou na representação de animais, especialmente em esculturas. Os artistas deste movimento, conhecidos como "animalistas", dedicaram-se a retratar a anatomia, o comportamento e a natureza dos animais com um alto grau de realismo e detalhe. O movimento surgiu na França e seus expoentes buscaram capturar a essência e a vitalidade dos animais em suas obras, muitas vezes inspirando-se em visitas a jardins zoológicos e em estudos anatômicos.
O termo "Animalier" inicialmente tinha conotações depreciativas, sendo visto como um tema secundário na arte. No entanto, artistas como Antoine-Louis Barye, considerado o líder do movimento, ajudaram a transformar essa visão ao criar esculturas de animais com grande complexidade e poder expressivo, trazendo dignidade ao tema. Outros escultores notáveis do movimento incluem Emmanuel Frémiet, Auguste Cain e Paul-Édouard Delabrièrre, que também contribuíram para elevar a arte animalista ao status de forma artística respeitável e colecionável. As esculturas dos Animaliers geralmente eram feitas em bronze e eram apreciadas tanto por seu realismo quanto pela habilidade em capturar a energia e o caráter dos animais.
---
Pintura Animalista | Itaú Cultural
Como prática, a pintura animalista é uma das recorrências plásticas e gráficas mais antigas da história conhecida da humanidade. Seus exemplos mais precoces datam de dezenas de milhares de anos antes da era Cristã, como aqueles existentes em diversas cavernas europeias. As mais afamadas são Chauvet (ca.30.000 a.C.) e Lascaux (ca.15.000 a.C.), na França, e Altamira, na Espanha (ca.16.500 a.C.). Nesses lugares a representação isolada de animais está ligada a rituais de caça.
Depois, em regiões como a Assíria e o Egito, é atrelada a cultos religiosos, com imagens de gatos, crocodilos, escaravelhos, cachorros e falcões, que são elevados à categoria de divindades. Posteriormente, na Etrúria, durante os séculos VIII ao I a.C.; na Grécia, especialmente entre o século VII e IV a.C.; em pinturas de vasos do II e I milênios a.C.; e em Roma, dos séculos I a.C. ao I d.C., outros animais são objetos de culto, admiração ou ornamentação. Entre eles estão peixes, cavalos, touros, águias, leões, aves e suínos. A mesma recorrência é encontrada na pintura chinesa antiga, também anterior à era Cristã, cuja cultura artística continua influente séculos depois no Oriente, já que mantida como tema frequente e independente pela pintura japonesa a partir dos séculos XVI e XVII.
Se a periodização e influência unívocas da representação de animais como prática torna-se quase impossível, uma vez que todas as civilizações parecem ter se dedicado à criação dessa iconografia, o mesmo não ocorre com a sua identificação como um gênero artístico. Aceitar sua autonomia e sua história, é, ao menos na pintura ocidental, bem mais recente.
Ainda que animais continuem a ser pintados com frequência em países europeus desde a antiguidade, a maioria das imagens mais recentes esteve por muito tempo subordinada à tradição de representação da figura humana e de suas ações narradas na Bíblia. Exemplos nesse sentido podem ser vistos em diversas pinturas ou mosaicos em Ravena, como Sacrifício de Isaac (século VI); em Palermo, com Natividade (século XII); em Terni [Ferentillo], com Adão Nomeando os Animais (fim do século XII); em Assis, com São Francisco Entrega seu Manto (ca.1300), afresco de Giotto (1266-1337); e em Constantinopla, atual Istambul, com Viagem à Belém, na Igreja de Kahrié-Djami (século XIV), onde se encontram imagens de mulas, carneiros e vacas ligadas às passagens da vida de Cristo, da Sagrada Família ou dos santos.
Já a partir do século XV, mesmo sem se apresentar como tema central, animais passam a assumir recorrente valor de alegorias, além de figuração direta, destacando-se do velho e novo testamentos. Há imagens da serpente como uma alusão à tentação, do cordeiro como sacrifício ou inocência, do pombo como o Espírito Santo e do leão como coragem ou solidão, entre outras. São bastante conhecidos os exemplos de Jan Van Eyck (c.1395-1441) com o Políptico: A Adoração do Carneiro Místico (1426-1432) ou o Retrato dos Arnolfini (1434); O Casamento de Santa Catarina (1479), de Hans Memling (1430-1494); São Gerônimo em Sua Sala (1450-1479), de Antonello da Messina (1430-1479); e A Disputa do Santo Sacramento (1509), de Rafael (1483-1520), no Vaticano, entre outros.
É a partir do século XVII, todavia, que surge a construção de uma iconografia independente, que toma os animais como seu principal objeto de figuração. Se na França, nesse período, a criação da Academia Real de Pintura e Escultura manteve, como na pintura italiana precedente, uma hierarquia que concebia a pintura de animais como um gênero menor, abaixo da pintura histórica, religiosa, de gênero, do retrato e da paisagem, nos países baixos, em especial na Holanda, a formação de uma tradição artística laica, partindo da paisagem, se desdobrará em subgêneros independentes, com cenas de florestas, do inverno, de estradas, rios e, finalmente, de animais. Assim, não é possível separar a valorização da pintura animalista, como gênero, da valorização inicial da pintura de paisagem, sendo essa uma de suas expressões visuais.
Segundo Seymour Slive (1920), coube a Roelandt Savery (1577-1639) a popularização da tendência holandesa da pintura de animais e pássaros numa paisagem. Na pintura de Aelbert Cuyp (1620-1691), os rebanhos de vacas “podem ser vistos como alusões ao orgulho que os holandeses tinham de sua celebrada e lucrativa indústria de laticínios”. Na obra de outro holandês importante, Paulus Potter (1625-1654), como na de Cuyp, “vistas da natureza e de animais são apresentadas por seu valor intrínseco, e não como pano de fundo para a atividade humana”.
A partir do século XVIII, percebe-se sua consolidação também em outros círculos artísticos, como na Inglaterra e mesmo na França. Neles surgem outras intenções representativas, promovidas por uma postura tradicionalmente rotulada como romântica que, em suma, considera em algumas de suas vertentes a força da natureza e de seus elementos como expressão da vontade e potência divinas, ou ainda como metáfora das interações humanas. São exemplares os trabalhos do pintor inglês George Stubbs (1724-1806), cuja fama liga-se ao interesse na representação de animais selvagens, contudo domados, como cavalos. Os do também inglês Edwin Landseer (1802-1873), especializado na pintura de animais domesticados e dignos, a exemplo de seus donos, como cachorros e gatos, ou mesmo os do escultor francês Antoine-Louis Barye (1795-1875), famoso por suas esculturas e pinturas de animais ferozes, atacando uns aos outros em ações que remetem à sobrevivência e à dominação, em alusão a valores sociais humanos.
A valorização do gênero animalista permanece contínua até o fim do século XIX quando, em diversos circuitos artísticos ocidentais, começam a ser repensadas as diretrizes formais e temáticas dos gêneros pictóricos.
Fonte: PINTURA Animalista. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileira. São Paulo: Itaú Cultural, 2024. Acesso em: 04 de outubro de 2024. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7
---
Antoine-Louis Barye | Britannica
Antoine-Louis Barye (nascido em 24 de setembro de 1795, Paris, França — falecido em 25 de junho de 1875, Paris) foi um prolífico escultor, pintor e gravador francês cujo tema eram principalmente animais. Ele é conhecido como o pai do moderno Escola Animalier.
A bolsa de estudos no final do século XX revisou o ano de nascimento de Barye de 1796 para 1795 após o ajuste para a mudança de ano de acordo com o calendário republicano francês. Filho de um joalheiro, ele foi aprendiz de um gravador de equipamento militar por volta dos 13 anos. Depois de servir no exército, ele trabalhou por um tempo no comércio de joias. Por volta de 1817, ele começou a esculpir enquanto trabalhava no estúdio do escultor François Bosio. Ele também foi influenciado pelas pinturas românticas de Théodore Géricault. De 1823 a 1831, ele trabalhou com Jacques-Henri Fauconnier, um ourives.
O talento de Barye para representar tensão dinâmica e detalhes anatômicos exatos é especialmente evidente em seus bronzes mais famosos, aqueles de animais selvagens lutando ou devorando suas presas.
Barye gradualmente ganhou reputação como escultor monumental, com encomendas governamentais de imagens de animais selvagens na década de 1830, grupos de figuras e retratos para a fachada do Louvre na década de 1850 e monumentos napoleônicos independentes na década de 1860. Ele expôs seus bronzes pela primeira vez nos Salões de 1827 e 1831, recebendo um segundo prêmio por seu Leão Devorando um Gavial. Ele se retirou da exposição no Salão na década de 1830, depois que um celebrado projeto de pequena escala foi rejeitado como ourivesaria (ou seja, não "arte elevada"), mas retornou em 1850, com grande aclamação.
Em termos gerais, Barye foi responsável por melhorar o status da escultura animal , uma categoria famosa desde a antiguidade, e por demonstrar sua adequação como uma forma expressiva moderna. Ele também ganhou fama especial como um artista que, independentemente do assunto, podia fundir grandeza e refinamento artístico com realismo tanto em monumentos públicos quanto em bronzes de pequena escala para o lar, em uma ampla gama de preços que a classe média podia pagar.
Fonte: Britannica. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
---
Antoine Louis Barye | Artnet
Antoine-Louis Barye (francês, 1796–1875) foi o primeiro escultor da Escola Francesa de Animaliers, e é considerado um elo importante entre o Romantismo e o Realismo do século XIX. Nascido em Paris, Barye originalmente treinou com seu pai como ourives, e depois frequentou a École des Beaux-Arts, onde estudou escultura e pintura. Em 1819, Barye participou de sua primeira exposição no Salon, onde ganhou o segundo lugar por sua escultura Milo de Crotona Devorado por um Leão. Durante esse tempo, ele solidificou sua reputação como um animalier, um artista especializado na representação de animais.
No início de sua carreira, ele passou grande parte de seu tempo no Jardin des Plantes com o colega escultor e amigo Eugène Delacroix, onde fez estudos a lápis dos animais de lá. No Salão de 1831, Barye expôs Tiger Devouring a Gavial, uma obra em grande escala que representava um afastamento radical de suas esculturas anteriores e que ganhou uma medalha de segundo lugar. Ele então recebeu sua primeira comissão pública após o Salão de 1833, onde expôs Lion Crushing a Serpent.
Apesar desse sucesso, o Salão recusou muitas das inscrições posteriores de Bayre, o que irritou tanto o artista que ele se recusou a expor no Salão novamente até 1851. Suas prestigiosas comissões, além do apoio do Duque de Orleans e dos duques de Luynes, Montpensier e Nemours, permitiram que ele contratasse artesãos de fundição em Paris e estabelecesse seu próprio negócio. Apesar da alta qualidade das obras produzidas na época, o artista sofreu muitas dificuldades financeiras e foi forçado a declarar falência em 1848. Como resultado, seus gessos, modelos e os direitos de produzi-los foram vendidos para pagar suas dívidas.
Após a falência, Barye se tornou o diretor de moldes e modelos no Louvre, e mais tarde foi nomeado professor de desenhos no Museu de História Natural no Jardin de Plantes, cargo que ocupou até sua morte. Em 1857, Barye conseguiu pagar suas dívidas e mais uma vez começou a fundir suas próprias obras.
Em 1855 e 1867, ele foi premiado com a Grande Medalha na Exposição Universal de Paris. Ele foi feito Oficial da Legião de Honra, foi nomeado o primeiro presidente da União Central de Belas Artes e foi nomeado membro do Instituto da França.
Hoje, suas obras estão contidas em grandes coleções ao redor do mundo, incluindo o Louvre, o Musée d'Orsay em Paris, o Art Institute of Chicago, o Hirshhorn Museum and Sculpture Garden em Washington, DC, e a National Gallery em Londres.
Fonte: Artnet. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
---
Esculturas de Les Animaliers 1900 – 1950
A primeira metade do século XX marcou o auge da escultura animal em toda a Europa. Esta primeira pesquisa verdadeiramente abrangente mostra o trabalho de 40 artistas que estiveram na vanguarda do movimento Animalier entre 1900 e 1950. Com base no rico arquivo da Sladmore Gallery, com mais de 350 fotografias coloridas, biografias individuais e dois ensaios informativos, este livro contém uma riqueza de informações tanto para colecionadores estabelecidos quanto para aqueles novos no assunto. É um volume complementar à pioneira Bronze Sculpture of Les Animaliers, de Jane Horswell, que cobriu o século XIX e foi publicada há quase 50 anos.
Este livro examina modeladores impressionistas como Bugatti e Degas, juntamente com Pompon e Sandoz, entre outros, que como escultores produziram esculturas com planos mais suaves e linhas mais elegantes. Com o advento da câmera, o realismo se tornou menos importante, o que, juntamente com a rápida modernização que ocorreu a partir do início do século XX, influenciou a escultura do período. Para coincidir com o lançamento deste livro, uma exposição, incluindo muitas das obras ilustradas no livro, será realizada na Sladmore Gallery em Jermyn Street.
Edward Horswell é uma grande autoridade em escultura de bronze dos séculos XIX e XX. Ele cresceu em Sladmore Farm em Buckinghamshire, onde seus pais criaram um refúgio para pássaros raros e exóticos, ao lado de uma extensa coleção de esculturas de animais que evoluiu para a galeria em Londres. Ele mora perto de Londres com sua esposa e duas filhas, cercado por uma variedade de animais.
Hoje, sob a direção de Edward Horswell, a Sladmore Gallery expandiu seu departamento do século XX para incluir não apenas o trabalho de Rembrandt Bugatti e 'Les Animaliers', mas também outros mestres modernos como Degas, Giacometti, Maillol, Picasso e Rodin. Ele colaborou e emprestou obras para muitas das principais exposições de museus internacionais e regularmente aconselha instituições, comitês de avaliação e autoridades em questões de autenticidade e valor.
Fonte: Sladmore. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
Crédito fotográfico: Wikipédia. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
Antoine-Louis Barye (Paris, França, 24 de outubro de 1796 — Paris, França, 25 de junho de 1875), mais conhecido como Barye ou Antoine-Louis, foi um escultor, pintor e gravador francês. Começou sua carreira como aprendiz de gravador de medalhas e ourives, antes de estudar na École des Beaux-Arts, em Paris. Inspirado pelas visitas ao Jardin des Plantes, Barye desenvolveu um estilo que combinava um profundo entendimento anatômico dos animais com uma forte carga dramática. Barye é conhecido como o "pai da escola moderna dos Animaliers", devido à sua habilidade em retratar animais com realismo e detalhamento excepcionais. Obras como "Leão Esmagando uma Serpente" e "Teseu e o Minotauro" destacam-se pelo dinamismo e pela intensidade das composições, o que lhe rendeu comparações a Michelangelo por artistas como Théophile Gautier. Ao longo de sua carreira, Barye enfrentou dificuldades financeiras e chegou a declarar falência, mas continuou a produzir e a ser admirado no meio artístico. Em 1854, foi nomeado professor de desenho no Museu de História Natural e, em 1868, foi eleito para a Académie des Beaux-Arts, confirmando seu reconhecimento como um dos grandes escultores do século XIX. Seu trabalho influenciou notavelmente outros artistas do movimento animalier, como Emmanuel Frémiet e Auguste Cain, e há uma praça pública em Paris dedicada a ele. Apesar dos desafios, Antoine-Louis Barye deixou um legado duradouro e significativo na escultura animalista e no romantismo francês.
Antoine-Louis Barye | Arremate Arte
Antoine-Louis Barye (1795-1875) foi um renomado escultor, pintor e gravador francês, conhecido principalmente por sua habilidade em retratar animais. Nascido em 24 de setembro de 1795, em Paris, ele se destacou como um dos principais artistas do movimento romântico, sendo reconhecido como o "pai da escola moderna dos Animaliers" — um grupo de escultores especializados em temas animais.
Barye começou sua carreira como aprendiz de um gravador de medalhas, depois trabalhou como ourives e mais tarde estudou na École des Beaux-Arts, onde teve contato com os escultores François-Joseph Bosio e Gros. Desde jovem, ele passava seu tempo no Jardin des Plantes, em Paris, observando animais e registrando suas formas e movimentos. Isso influenciou significativamente sua obra, marcada por realismo e detalhamento anatômico. Suas esculturas, como "Leão Esmagando uma Serpente" e "Tigre Devorando um Crocodilo", transmitiam dinamismo e drama, sendo admiradas por artistas contemporâneos como Théophile Gautier, que o comparou a Michelangelo por sua capacidade de "agigantar e estilizar" os temas animais.
Entre suas obras mais famosas estão também "Teseu e o Minotauro" (1843) e "Roger e Angélica Montados no Hipogrifo" (1846). Participou de várias edições do Paris Salon, onde suas obras muitas vezes causavam controvérsia, mas também lhe rendiam comissões e reconhecimento. Em 1854, Barye foi nomeado professor de desenho no Museu de História Natural, e em 1868, foi eleito membro da Académie des Beaux-Arts. Apesar de sua habilidade artística, ele enfrentou dificuldades financeiras ao longo da vida e chegou a declarar falência em 1848. Seus moldes foram vendidos para uma fundição que produziu versões de qualidade inferior, prejudicando sua reputação até sua recuperação posterior com a fundição Barbedienne.
Antoine-Louis Barye teve um impacto duradouro no cenário artístico francês e é lembrado como um dos principais escultores animalistas do século XIX. Seu trabalho influenciou artistas como Emmanuel Frémiet e Auguste Cain, e há uma praça pública em Île Saint-Louis, em Paris, dedicada a ele. Seus últimos anos de vida foram dedicados ao ensino e ao refinamento de suas obras, até que parou de produzir novas criações em 1869 devido à idade. Ele faleceu em 25 de junho de 1875, também em Paris.
---
Antoine-Louis Barye | Wikipédia
Nascido em Paris, França , Barye começou sua carreira como ourives, como muitos escultores do Período Romântico. Ele trabalhou primeiro com seu pai Pierre, e por volta de 1810 trabalhou com o escultor Martin-Guillaume Biennais, que era ourives de Napoleão. Depois de estudar com o escultor Francois-Joseph Bosio em 1816, e com o pintor Barão Antoine-Jean Gros, ele foi em 1818 admitido na École des Beaux-Arts . Mas foi somente em 1823, enquanto trabalhava para o ourives Emile Fauconnier que ele descobriu sua verdadeira predileção em observar os animais no Jardin des Plantes, fazendo estudos vigorosos deles em desenhos a lápis comparáveis aos de Delacroix, depois modelando-os em escultura em grande ou pequena escala.
Em 1819, enquanto estudava na École des Beaux-Arts, Barye esculpiu um medalhão chamado Milo de Crotana Devorado por um Leão, no qual o leão morde a coxa esquerda de Milo. O tema de Milo foi o tema oficial da escola para a competição de medalhões de 1819, onde Barye ganhou uma menção honrosa. c. 1820 Barye esculpiu Hércules com o Javali de Erimanto, representando o quarto Trabalho de Hércules, onde ele teve que capturar um javali vivo do Monte Erimanto.
Barye não foi menos bem-sucedido em escultura em pequena escala, e se destacou em representar animais em suas atitudes mais familiares. Barye esculpiu o medalhão de retrato Jovem Homem em uma Boina (1823) em bronze, bem como Retrato do Fundador Richard (1827), no qual apenas uma cabeça e um pescoço são mostrados. Ele também esculpiu Poised Stag (1829), uma escultura muito maior, que tinha uma altura de 48cm, e era um terço do tamanho natural.
Barye não queria ser conhecido apenas como um escultor de pequenos bronzes, ele queria ser conhecido como um sculpteur statuaire (um escultor de grandes estátuas). Em 1831, ele exibiu estátuas muito maiores, Tiger Devouring a Gavial Crocodile, que era uma escultura de gesso de 41cm de altura e 103cm de comprimento, e Lion Crushing a Serpent, de 138cm de altura e 178cm de comprimento, feita em bronze. Em 1832, ele realmente dominou um estilo próprio no Lion with a Snake.
Barye, embora envolvido em uma luta perpétua com a carência, exibiu ano após ano estudos de animais, grupos admiráveis que o revelam como inspirado por um espírito de verdadeiro romance e um sentimento pela beleza do antigo, como em seu Teseu e o Minotauro (1843), Roger e Angélica no Hipogrifo (1846), Lapitha e Centauro (1848), Jaguar Devorando uma Lebre (1850) e inúmeras obras menores agora muito valorizadas. As duas últimas obras foram exibidas no Salão de Paris de 1850, fazendo com que Théophile Gautier observasse: "A mera reprodução da natureza não constitui arte; Barye engrandece seus temas animais, simplificando-os, idealizando-os e estilizando-os de uma maneira ousada, enérgica e robusta, que o torna o Michelangelo do zoológico."
Exemplos de sua obra maior incluem o Leão da Coluna de Julho, cujo modelo de gesso foi moldado em 1839, vários leões e tigres nos jardins das Tulherias, e os quatro grupos Guerra, Paz, Força e Ordem (1854).
Embora Barye se destacasse na escultura, frequentemente enfrentava dificuldades financeiras devido à sua falta de conhecimento empresarial. Em 1848, ele foi forçado a declarar falência, e todo o seu trabalho e moldes foram vendidos para uma fundição. A fundição começou a fazer trabalhos inferiores de 1848 a 1857, e sua reputação sofreu durante esse tempo. Em 1876, o que restou do inventário de Barye, 125 modelos, foram vendidos para a fundição Ferdinand Barbedienne. O catálogo Barbedienne de 1877 oferecia todos os modelos em bronze em tamanhos variáveis, e as peças fundidas Barbedienne eram de excelente qualidade.
A fama só veio mais tarde na vida. Em 1854, ele foi nomeado Professor de Desenhos no Museu de História Natural e foi eleito para a Académie des beaux-arts em 1868. Ele não produziu nenhuma obra nova depois de 1869.
A grande quantidade de obras admiráveis deixadas por Barye lhe dá o direito de ser considerado um dos grandes artistas da vida animal da escola francesa de arte animal e o refinador de uma classe de arte que atraiu homens como Emmanuel Frémiet, Paul-Édouard Delabrièrre, Auguste Cain e Georges Gardet.
Há uma praça pública na ponta leste da Île Saint-Louis, em Paris, dedicada a ele.
Família
Barye teve um filho, Alfred Barye, que estudou com ele e também se tornou um escultor animalier. Alfred, embora muito competente por direito próprio como escultor, lutaria para ganhar notoriedade trabalhando na sombra de seu pai mais famoso. Antoine-Louis não ficou satisfeito quando seu filho começou a assinar o trabalho como "A. Barye" porque ele pensou que isso criava confusão entre seu trabalho e o de seu filho. Ele forçou seu filho a assinar como "A. Barye, fils" ou "Alf Barye" para distinguir suas obras. O Barye sênior assinou apenas de uma maneira ao longo de toda a sua carreira, simplesmente marcando seus bronzes como "Barye".
Fonte: Wikipédia. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
---
Movimento Animaliers
O movimento Animaliers foi um estilo artístico do século XIX que se concentrou na representação de animais, especialmente em esculturas. Os artistas deste movimento, conhecidos como "animalistas", dedicaram-se a retratar a anatomia, o comportamento e a natureza dos animais com um alto grau de realismo e detalhe. O movimento surgiu na França e seus expoentes buscaram capturar a essência e a vitalidade dos animais em suas obras, muitas vezes inspirando-se em visitas a jardins zoológicos e em estudos anatômicos.
O termo "Animalier" inicialmente tinha conotações depreciativas, sendo visto como um tema secundário na arte. No entanto, artistas como Antoine-Louis Barye, considerado o líder do movimento, ajudaram a transformar essa visão ao criar esculturas de animais com grande complexidade e poder expressivo, trazendo dignidade ao tema. Outros escultores notáveis do movimento incluem Emmanuel Frémiet, Auguste Cain e Paul-Édouard Delabrièrre, que também contribuíram para elevar a arte animalista ao status de forma artística respeitável e colecionável. As esculturas dos Animaliers geralmente eram feitas em bronze e eram apreciadas tanto por seu realismo quanto pela habilidade em capturar a energia e o caráter dos animais.
---
Pintura Animalista | Itaú Cultural
Como prática, a pintura animalista é uma das recorrências plásticas e gráficas mais antigas da história conhecida da humanidade. Seus exemplos mais precoces datam de dezenas de milhares de anos antes da era Cristã, como aqueles existentes em diversas cavernas europeias. As mais afamadas são Chauvet (ca.30.000 a.C.) e Lascaux (ca.15.000 a.C.), na França, e Altamira, na Espanha (ca.16.500 a.C.). Nesses lugares a representação isolada de animais está ligada a rituais de caça.
Depois, em regiões como a Assíria e o Egito, é atrelada a cultos religiosos, com imagens de gatos, crocodilos, escaravelhos, cachorros e falcões, que são elevados à categoria de divindades. Posteriormente, na Etrúria, durante os séculos VIII ao I a.C.; na Grécia, especialmente entre o século VII e IV a.C.; em pinturas de vasos do II e I milênios a.C.; e em Roma, dos séculos I a.C. ao I d.C., outros animais são objetos de culto, admiração ou ornamentação. Entre eles estão peixes, cavalos, touros, águias, leões, aves e suínos. A mesma recorrência é encontrada na pintura chinesa antiga, também anterior à era Cristã, cuja cultura artística continua influente séculos depois no Oriente, já que mantida como tema frequente e independente pela pintura japonesa a partir dos séculos XVI e XVII.
Se a periodização e influência unívocas da representação de animais como prática torna-se quase impossível, uma vez que todas as civilizações parecem ter se dedicado à criação dessa iconografia, o mesmo não ocorre com a sua identificação como um gênero artístico. Aceitar sua autonomia e sua história, é, ao menos na pintura ocidental, bem mais recente.
Ainda que animais continuem a ser pintados com frequência em países europeus desde a antiguidade, a maioria das imagens mais recentes esteve por muito tempo subordinada à tradição de representação da figura humana e de suas ações narradas na Bíblia. Exemplos nesse sentido podem ser vistos em diversas pinturas ou mosaicos em Ravena, como Sacrifício de Isaac (século VI); em Palermo, com Natividade (século XII); em Terni [Ferentillo], com Adão Nomeando os Animais (fim do século XII); em Assis, com São Francisco Entrega seu Manto (ca.1300), afresco de Giotto (1266-1337); e em Constantinopla, atual Istambul, com Viagem à Belém, na Igreja de Kahrié-Djami (século XIV), onde se encontram imagens de mulas, carneiros e vacas ligadas às passagens da vida de Cristo, da Sagrada Família ou dos santos.
Já a partir do século XV, mesmo sem se apresentar como tema central, animais passam a assumir recorrente valor de alegorias, além de figuração direta, destacando-se do velho e novo testamentos. Há imagens da serpente como uma alusão à tentação, do cordeiro como sacrifício ou inocência, do pombo como o Espírito Santo e do leão como coragem ou solidão, entre outras. São bastante conhecidos os exemplos de Jan Van Eyck (c.1395-1441) com o Políptico: A Adoração do Carneiro Místico (1426-1432) ou o Retrato dos Arnolfini (1434); O Casamento de Santa Catarina (1479), de Hans Memling (1430-1494); São Gerônimo em Sua Sala (1450-1479), de Antonello da Messina (1430-1479); e A Disputa do Santo Sacramento (1509), de Rafael (1483-1520), no Vaticano, entre outros.
É a partir do século XVII, todavia, que surge a construção de uma iconografia independente, que toma os animais como seu principal objeto de figuração. Se na França, nesse período, a criação da Academia Real de Pintura e Escultura manteve, como na pintura italiana precedente, uma hierarquia que concebia a pintura de animais como um gênero menor, abaixo da pintura histórica, religiosa, de gênero, do retrato e da paisagem, nos países baixos, em especial na Holanda, a formação de uma tradição artística laica, partindo da paisagem, se desdobrará em subgêneros independentes, com cenas de florestas, do inverno, de estradas, rios e, finalmente, de animais. Assim, não é possível separar a valorização da pintura animalista, como gênero, da valorização inicial da pintura de paisagem, sendo essa uma de suas expressões visuais.
Segundo Seymour Slive (1920), coube a Roelandt Savery (1577-1639) a popularização da tendência holandesa da pintura de animais e pássaros numa paisagem. Na pintura de Aelbert Cuyp (1620-1691), os rebanhos de vacas “podem ser vistos como alusões ao orgulho que os holandeses tinham de sua celebrada e lucrativa indústria de laticínios”. Na obra de outro holandês importante, Paulus Potter (1625-1654), como na de Cuyp, “vistas da natureza e de animais são apresentadas por seu valor intrínseco, e não como pano de fundo para a atividade humana”.
A partir do século XVIII, percebe-se sua consolidação também em outros círculos artísticos, como na Inglaterra e mesmo na França. Neles surgem outras intenções representativas, promovidas por uma postura tradicionalmente rotulada como romântica que, em suma, considera em algumas de suas vertentes a força da natureza e de seus elementos como expressão da vontade e potência divinas, ou ainda como metáfora das interações humanas. São exemplares os trabalhos do pintor inglês George Stubbs (1724-1806), cuja fama liga-se ao interesse na representação de animais selvagens, contudo domados, como cavalos. Os do também inglês Edwin Landseer (1802-1873), especializado na pintura de animais domesticados e dignos, a exemplo de seus donos, como cachorros e gatos, ou mesmo os do escultor francês Antoine-Louis Barye (1795-1875), famoso por suas esculturas e pinturas de animais ferozes, atacando uns aos outros em ações que remetem à sobrevivência e à dominação, em alusão a valores sociais humanos.
A valorização do gênero animalista permanece contínua até o fim do século XIX quando, em diversos circuitos artísticos ocidentais, começam a ser repensadas as diretrizes formais e temáticas dos gêneros pictóricos.
Fonte: PINTURA Animalista. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileira. São Paulo: Itaú Cultural, 2024. Acesso em: 04 de outubro de 2024. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7
---
Antoine-Louis Barye | Britannica
Antoine-Louis Barye (nascido em 24 de setembro de 1795, Paris, França — falecido em 25 de junho de 1875, Paris) foi um prolífico escultor, pintor e gravador francês cujo tema eram principalmente animais. Ele é conhecido como o pai do moderno Escola Animalier.
A bolsa de estudos no final do século XX revisou o ano de nascimento de Barye de 1796 para 1795 após o ajuste para a mudança de ano de acordo com o calendário republicano francês. Filho de um joalheiro, ele foi aprendiz de um gravador de equipamento militar por volta dos 13 anos. Depois de servir no exército, ele trabalhou por um tempo no comércio de joias. Por volta de 1817, ele começou a esculpir enquanto trabalhava no estúdio do escultor François Bosio. Ele também foi influenciado pelas pinturas românticas de Théodore Géricault. De 1823 a 1831, ele trabalhou com Jacques-Henri Fauconnier, um ourives.
O talento de Barye para representar tensão dinâmica e detalhes anatômicos exatos é especialmente evidente em seus bronzes mais famosos, aqueles de animais selvagens lutando ou devorando suas presas.
Barye gradualmente ganhou reputação como escultor monumental, com encomendas governamentais de imagens de animais selvagens na década de 1830, grupos de figuras e retratos para a fachada do Louvre na década de 1850 e monumentos napoleônicos independentes na década de 1860. Ele expôs seus bronzes pela primeira vez nos Salões de 1827 e 1831, recebendo um segundo prêmio por seu Leão Devorando um Gavial. Ele se retirou da exposição no Salão na década de 1830, depois que um celebrado projeto de pequena escala foi rejeitado como ourivesaria (ou seja, não "arte elevada"), mas retornou em 1850, com grande aclamação.
Em termos gerais, Barye foi responsável por melhorar o status da escultura animal , uma categoria famosa desde a antiguidade, e por demonstrar sua adequação como uma forma expressiva moderna. Ele também ganhou fama especial como um artista que, independentemente do assunto, podia fundir grandeza e refinamento artístico com realismo tanto em monumentos públicos quanto em bronzes de pequena escala para o lar, em uma ampla gama de preços que a classe média podia pagar.
Fonte: Britannica. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
---
Antoine Louis Barye | Artnet
Antoine-Louis Barye (francês, 1796–1875) foi o primeiro escultor da Escola Francesa de Animaliers, e é considerado um elo importante entre o Romantismo e o Realismo do século XIX. Nascido em Paris, Barye originalmente treinou com seu pai como ourives, e depois frequentou a École des Beaux-Arts, onde estudou escultura e pintura. Em 1819, Barye participou de sua primeira exposição no Salon, onde ganhou o segundo lugar por sua escultura Milo de Crotona Devorado por um Leão. Durante esse tempo, ele solidificou sua reputação como um animalier, um artista especializado na representação de animais.
No início de sua carreira, ele passou grande parte de seu tempo no Jardin des Plantes com o colega escultor e amigo Eugène Delacroix, onde fez estudos a lápis dos animais de lá. No Salão de 1831, Barye expôs Tiger Devouring a Gavial, uma obra em grande escala que representava um afastamento radical de suas esculturas anteriores e que ganhou uma medalha de segundo lugar. Ele então recebeu sua primeira comissão pública após o Salão de 1833, onde expôs Lion Crushing a Serpent.
Apesar desse sucesso, o Salão recusou muitas das inscrições posteriores de Bayre, o que irritou tanto o artista que ele se recusou a expor no Salão novamente até 1851. Suas prestigiosas comissões, além do apoio do Duque de Orleans e dos duques de Luynes, Montpensier e Nemours, permitiram que ele contratasse artesãos de fundição em Paris e estabelecesse seu próprio negócio. Apesar da alta qualidade das obras produzidas na época, o artista sofreu muitas dificuldades financeiras e foi forçado a declarar falência em 1848. Como resultado, seus gessos, modelos e os direitos de produzi-los foram vendidos para pagar suas dívidas.
Após a falência, Barye se tornou o diretor de moldes e modelos no Louvre, e mais tarde foi nomeado professor de desenhos no Museu de História Natural no Jardin de Plantes, cargo que ocupou até sua morte. Em 1857, Barye conseguiu pagar suas dívidas e mais uma vez começou a fundir suas próprias obras.
Em 1855 e 1867, ele foi premiado com a Grande Medalha na Exposição Universal de Paris. Ele foi feito Oficial da Legião de Honra, foi nomeado o primeiro presidente da União Central de Belas Artes e foi nomeado membro do Instituto da França.
Hoje, suas obras estão contidas em grandes coleções ao redor do mundo, incluindo o Louvre, o Musée d'Orsay em Paris, o Art Institute of Chicago, o Hirshhorn Museum and Sculpture Garden em Washington, DC, e a National Gallery em Londres.
Fonte: Artnet. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
---
Esculturas de Les Animaliers 1900 – 1950
A primeira metade do século XX marcou o auge da escultura animal em toda a Europa. Esta primeira pesquisa verdadeiramente abrangente mostra o trabalho de 40 artistas que estiveram na vanguarda do movimento Animalier entre 1900 e 1950. Com base no rico arquivo da Sladmore Gallery, com mais de 350 fotografias coloridas, biografias individuais e dois ensaios informativos, este livro contém uma riqueza de informações tanto para colecionadores estabelecidos quanto para aqueles novos no assunto. É um volume complementar à pioneira Bronze Sculpture of Les Animaliers, de Jane Horswell, que cobriu o século XIX e foi publicada há quase 50 anos.
Este livro examina modeladores impressionistas como Bugatti e Degas, juntamente com Pompon e Sandoz, entre outros, que como escultores produziram esculturas com planos mais suaves e linhas mais elegantes. Com o advento da câmera, o realismo se tornou menos importante, o que, juntamente com a rápida modernização que ocorreu a partir do início do século XX, influenciou a escultura do período. Para coincidir com o lançamento deste livro, uma exposição, incluindo muitas das obras ilustradas no livro, será realizada na Sladmore Gallery em Jermyn Street.
Edward Horswell é uma grande autoridade em escultura de bronze dos séculos XIX e XX. Ele cresceu em Sladmore Farm em Buckinghamshire, onde seus pais criaram um refúgio para pássaros raros e exóticos, ao lado de uma extensa coleção de esculturas de animais que evoluiu para a galeria em Londres. Ele mora perto de Londres com sua esposa e duas filhas, cercado por uma variedade de animais.
Hoje, sob a direção de Edward Horswell, a Sladmore Gallery expandiu seu departamento do século XX para incluir não apenas o trabalho de Rembrandt Bugatti e 'Les Animaliers', mas também outros mestres modernos como Degas, Giacometti, Maillol, Picasso e Rodin. Ele colaborou e emprestou obras para muitas das principais exposições de museus internacionais e regularmente aconselha instituições, comitês de avaliação e autoridades em questões de autenticidade e valor.
Fonte: Sladmore. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
Crédito fotográfico: Wikipédia. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
Barye
Antoine-Louis Barye (Paris, França, 24 de outubro de 1796 — Paris, França, 25 de junho de 1875), mais conhecido como Barye ou Antoine-Louis, foi um escultor, pintor e gravador francês. Começou sua carreira como aprendiz de gravador de medalhas e ourives, antes de estudar na École des Beaux-Arts, em Paris. Inspirado pelas visitas ao Jardin des Plantes, Barye desenvolveu um estilo que combinava um profundo entendimento anatômico dos animais com uma forte carga dramática. Barye é conhecido como o "pai da escola moderna dos Animaliers", devido à sua habilidade em retratar animais com realismo e detalhamento excepcionais. Obras como "Leão Esmagando uma Serpente" e "Teseu e o Minotauro" destacam-se pelo dinamismo e pela intensidade das composições, o que lhe rendeu comparações a Michelangelo por artistas como Théophile Gautier. Ao longo de sua carreira, Barye enfrentou dificuldades financeiras e chegou a declarar falência, mas continuou a produzir e a ser admirado no meio artístico. Em 1854, foi nomeado professor de desenho no Museu de História Natural e, em 1868, foi eleito para a Académie des Beaux-Arts, confirmando seu reconhecimento como um dos grandes escultores do século XIX. Seu trabalho influenciou notavelmente outros artistas do movimento animalier, como Emmanuel Frémiet e Auguste Cain, e há uma praça pública em Paris dedicada a ele. Apesar dos desafios, Antoine-Louis Barye deixou um legado duradouro e significativo na escultura animalista e no romantismo francês.
Cavalo turco de Barye | 2016
Biografia de Barye, escultor francês | 2021
Esculturas de Barye | 2019
Escultura de Barye: Leão esmagando serpente | 2013
Escultura de Tigre assinada por Barye | 2023
Elefante do Senegal de Barye | 2022
Theseus lutando com centauro | 2023
Antoine-Louis Barye | Arremate Arte
Antoine-Louis Barye (1795-1875) foi um renomado escultor, pintor e gravador francês, conhecido principalmente por sua habilidade em retratar animais. Nascido em 24 de setembro de 1795, em Paris, ele se destacou como um dos principais artistas do movimento romântico, sendo reconhecido como o "pai da escola moderna dos Animaliers" — um grupo de escultores especializados em temas animais.
Barye começou sua carreira como aprendiz de um gravador de medalhas, depois trabalhou como ourives e mais tarde estudou na École des Beaux-Arts, onde teve contato com os escultores François-Joseph Bosio e Gros. Desde jovem, ele passava seu tempo no Jardin des Plantes, em Paris, observando animais e registrando suas formas e movimentos. Isso influenciou significativamente sua obra, marcada por realismo e detalhamento anatômico. Suas esculturas, como "Leão Esmagando uma Serpente" e "Tigre Devorando um Crocodilo", transmitiam dinamismo e drama, sendo admiradas por artistas contemporâneos como Théophile Gautier, que o comparou a Michelangelo por sua capacidade de "agigantar e estilizar" os temas animais.
Entre suas obras mais famosas estão também "Teseu e o Minotauro" (1843) e "Roger e Angélica Montados no Hipogrifo" (1846). Participou de várias edições do Paris Salon, onde suas obras muitas vezes causavam controvérsia, mas também lhe rendiam comissões e reconhecimento. Em 1854, Barye foi nomeado professor de desenho no Museu de História Natural, e em 1868, foi eleito membro da Académie des Beaux-Arts. Apesar de sua habilidade artística, ele enfrentou dificuldades financeiras ao longo da vida e chegou a declarar falência em 1848. Seus moldes foram vendidos para uma fundição que produziu versões de qualidade inferior, prejudicando sua reputação até sua recuperação posterior com a fundição Barbedienne.
Antoine-Louis Barye teve um impacto duradouro no cenário artístico francês e é lembrado como um dos principais escultores animalistas do século XIX. Seu trabalho influenciou artistas como Emmanuel Frémiet e Auguste Cain, e há uma praça pública em Île Saint-Louis, em Paris, dedicada a ele. Seus últimos anos de vida foram dedicados ao ensino e ao refinamento de suas obras, até que parou de produzir novas criações em 1869 devido à idade. Ele faleceu em 25 de junho de 1875, também em Paris.
---
Antoine-Louis Barye | Wikipédia
Nascido em Paris, França , Barye começou sua carreira como ourives, como muitos escultores do Período Romântico. Ele trabalhou primeiro com seu pai Pierre, e por volta de 1810 trabalhou com o escultor Martin-Guillaume Biennais, que era ourives de Napoleão. Depois de estudar com o escultor Francois-Joseph Bosio em 1816, e com o pintor Barão Antoine-Jean Gros, ele foi em 1818 admitido na École des Beaux-Arts . Mas foi somente em 1823, enquanto trabalhava para o ourives Emile Fauconnier que ele descobriu sua verdadeira predileção em observar os animais no Jardin des Plantes, fazendo estudos vigorosos deles em desenhos a lápis comparáveis aos de Delacroix, depois modelando-os em escultura em grande ou pequena escala.
Em 1819, enquanto estudava na École des Beaux-Arts, Barye esculpiu um medalhão chamado Milo de Crotana Devorado por um Leão, no qual o leão morde a coxa esquerda de Milo. O tema de Milo foi o tema oficial da escola para a competição de medalhões de 1819, onde Barye ganhou uma menção honrosa. c. 1820 Barye esculpiu Hércules com o Javali de Erimanto, representando o quarto Trabalho de Hércules, onde ele teve que capturar um javali vivo do Monte Erimanto.
Barye não foi menos bem-sucedido em escultura em pequena escala, e se destacou em representar animais em suas atitudes mais familiares. Barye esculpiu o medalhão de retrato Jovem Homem em uma Boina (1823) em bronze, bem como Retrato do Fundador Richard (1827), no qual apenas uma cabeça e um pescoço são mostrados. Ele também esculpiu Poised Stag (1829), uma escultura muito maior, que tinha uma altura de 48cm, e era um terço do tamanho natural.
Barye não queria ser conhecido apenas como um escultor de pequenos bronzes, ele queria ser conhecido como um sculpteur statuaire (um escultor de grandes estátuas). Em 1831, ele exibiu estátuas muito maiores, Tiger Devouring a Gavial Crocodile, que era uma escultura de gesso de 41cm de altura e 103cm de comprimento, e Lion Crushing a Serpent, de 138cm de altura e 178cm de comprimento, feita em bronze. Em 1832, ele realmente dominou um estilo próprio no Lion with a Snake.
Barye, embora envolvido em uma luta perpétua com a carência, exibiu ano após ano estudos de animais, grupos admiráveis que o revelam como inspirado por um espírito de verdadeiro romance e um sentimento pela beleza do antigo, como em seu Teseu e o Minotauro (1843), Roger e Angélica no Hipogrifo (1846), Lapitha e Centauro (1848), Jaguar Devorando uma Lebre (1850) e inúmeras obras menores agora muito valorizadas. As duas últimas obras foram exibidas no Salão de Paris de 1850, fazendo com que Théophile Gautier observasse: "A mera reprodução da natureza não constitui arte; Barye engrandece seus temas animais, simplificando-os, idealizando-os e estilizando-os de uma maneira ousada, enérgica e robusta, que o torna o Michelangelo do zoológico."
Exemplos de sua obra maior incluem o Leão da Coluna de Julho, cujo modelo de gesso foi moldado em 1839, vários leões e tigres nos jardins das Tulherias, e os quatro grupos Guerra, Paz, Força e Ordem (1854).
Embora Barye se destacasse na escultura, frequentemente enfrentava dificuldades financeiras devido à sua falta de conhecimento empresarial. Em 1848, ele foi forçado a declarar falência, e todo o seu trabalho e moldes foram vendidos para uma fundição. A fundição começou a fazer trabalhos inferiores de 1848 a 1857, e sua reputação sofreu durante esse tempo. Em 1876, o que restou do inventário de Barye, 125 modelos, foram vendidos para a fundição Ferdinand Barbedienne. O catálogo Barbedienne de 1877 oferecia todos os modelos em bronze em tamanhos variáveis, e as peças fundidas Barbedienne eram de excelente qualidade.
A fama só veio mais tarde na vida. Em 1854, ele foi nomeado Professor de Desenhos no Museu de História Natural e foi eleito para a Académie des beaux-arts em 1868. Ele não produziu nenhuma obra nova depois de 1869.
A grande quantidade de obras admiráveis deixadas por Barye lhe dá o direito de ser considerado um dos grandes artistas da vida animal da escola francesa de arte animal e o refinador de uma classe de arte que atraiu homens como Emmanuel Frémiet, Paul-Édouard Delabrièrre, Auguste Cain e Georges Gardet.
Há uma praça pública na ponta leste da Île Saint-Louis, em Paris, dedicada a ele.
Família
Barye teve um filho, Alfred Barye, que estudou com ele e também se tornou um escultor animalier. Alfred, embora muito competente por direito próprio como escultor, lutaria para ganhar notoriedade trabalhando na sombra de seu pai mais famoso. Antoine-Louis não ficou satisfeito quando seu filho começou a assinar o trabalho como "A. Barye" porque ele pensou que isso criava confusão entre seu trabalho e o de seu filho. Ele forçou seu filho a assinar como "A. Barye, fils" ou "Alf Barye" para distinguir suas obras. O Barye sênior assinou apenas de uma maneira ao longo de toda a sua carreira, simplesmente marcando seus bronzes como "Barye".
Fonte: Wikipédia. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
---
Movimento Animaliers
O movimento Animaliers foi um estilo artístico do século XIX que se concentrou na representação de animais, especialmente em esculturas. Os artistas deste movimento, conhecidos como "animalistas", dedicaram-se a retratar a anatomia, o comportamento e a natureza dos animais com um alto grau de realismo e detalhe. O movimento surgiu na França e seus expoentes buscaram capturar a essência e a vitalidade dos animais em suas obras, muitas vezes inspirando-se em visitas a jardins zoológicos e em estudos anatômicos.
O termo "Animalier" inicialmente tinha conotações depreciativas, sendo visto como um tema secundário na arte. No entanto, artistas como Antoine-Louis Barye, considerado o líder do movimento, ajudaram a transformar essa visão ao criar esculturas de animais com grande complexidade e poder expressivo, trazendo dignidade ao tema. Outros escultores notáveis do movimento incluem Emmanuel Frémiet, Auguste Cain e Paul-Édouard Delabrièrre, que também contribuíram para elevar a arte animalista ao status de forma artística respeitável e colecionável. As esculturas dos Animaliers geralmente eram feitas em bronze e eram apreciadas tanto por seu realismo quanto pela habilidade em capturar a energia e o caráter dos animais.
---
Pintura Animalista | Itaú Cultural
Como prática, a pintura animalista é uma das recorrências plásticas e gráficas mais antigas da história conhecida da humanidade. Seus exemplos mais precoces datam de dezenas de milhares de anos antes da era Cristã, como aqueles existentes em diversas cavernas europeias. As mais afamadas são Chauvet (ca.30.000 a.C.) e Lascaux (ca.15.000 a.C.), na França, e Altamira, na Espanha (ca.16.500 a.C.). Nesses lugares a representação isolada de animais está ligada a rituais de caça.
Depois, em regiões como a Assíria e o Egito, é atrelada a cultos religiosos, com imagens de gatos, crocodilos, escaravelhos, cachorros e falcões, que são elevados à categoria de divindades. Posteriormente, na Etrúria, durante os séculos VIII ao I a.C.; na Grécia, especialmente entre o século VII e IV a.C.; em pinturas de vasos do II e I milênios a.C.; e em Roma, dos séculos I a.C. ao I d.C., outros animais são objetos de culto, admiração ou ornamentação. Entre eles estão peixes, cavalos, touros, águias, leões, aves e suínos. A mesma recorrência é encontrada na pintura chinesa antiga, também anterior à era Cristã, cuja cultura artística continua influente séculos depois no Oriente, já que mantida como tema frequente e independente pela pintura japonesa a partir dos séculos XVI e XVII.
Se a periodização e influência unívocas da representação de animais como prática torna-se quase impossível, uma vez que todas as civilizações parecem ter se dedicado à criação dessa iconografia, o mesmo não ocorre com a sua identificação como um gênero artístico. Aceitar sua autonomia e sua história, é, ao menos na pintura ocidental, bem mais recente.
Ainda que animais continuem a ser pintados com frequência em países europeus desde a antiguidade, a maioria das imagens mais recentes esteve por muito tempo subordinada à tradição de representação da figura humana e de suas ações narradas na Bíblia. Exemplos nesse sentido podem ser vistos em diversas pinturas ou mosaicos em Ravena, como Sacrifício de Isaac (século VI); em Palermo, com Natividade (século XII); em Terni [Ferentillo], com Adão Nomeando os Animais (fim do século XII); em Assis, com São Francisco Entrega seu Manto (ca.1300), afresco de Giotto (1266-1337); e em Constantinopla, atual Istambul, com Viagem à Belém, na Igreja de Kahrié-Djami (século XIV), onde se encontram imagens de mulas, carneiros e vacas ligadas às passagens da vida de Cristo, da Sagrada Família ou dos santos.
Já a partir do século XV, mesmo sem se apresentar como tema central, animais passam a assumir recorrente valor de alegorias, além de figuração direta, destacando-se do velho e novo testamentos. Há imagens da serpente como uma alusão à tentação, do cordeiro como sacrifício ou inocência, do pombo como o Espírito Santo e do leão como coragem ou solidão, entre outras. São bastante conhecidos os exemplos de Jan Van Eyck (c.1395-1441) com o Políptico: A Adoração do Carneiro Místico (1426-1432) ou o Retrato dos Arnolfini (1434); O Casamento de Santa Catarina (1479), de Hans Memling (1430-1494); São Gerônimo em Sua Sala (1450-1479), de Antonello da Messina (1430-1479); e A Disputa do Santo Sacramento (1509), de Rafael (1483-1520), no Vaticano, entre outros.
É a partir do século XVII, todavia, que surge a construção de uma iconografia independente, que toma os animais como seu principal objeto de figuração. Se na França, nesse período, a criação da Academia Real de Pintura e Escultura manteve, como na pintura italiana precedente, uma hierarquia que concebia a pintura de animais como um gênero menor, abaixo da pintura histórica, religiosa, de gênero, do retrato e da paisagem, nos países baixos, em especial na Holanda, a formação de uma tradição artística laica, partindo da paisagem, se desdobrará em subgêneros independentes, com cenas de florestas, do inverno, de estradas, rios e, finalmente, de animais. Assim, não é possível separar a valorização da pintura animalista, como gênero, da valorização inicial da pintura de paisagem, sendo essa uma de suas expressões visuais.
Segundo Seymour Slive (1920), coube a Roelandt Savery (1577-1639) a popularização da tendência holandesa da pintura de animais e pássaros numa paisagem. Na pintura de Aelbert Cuyp (1620-1691), os rebanhos de vacas “podem ser vistos como alusões ao orgulho que os holandeses tinham de sua celebrada e lucrativa indústria de laticínios”. Na obra de outro holandês importante, Paulus Potter (1625-1654), como na de Cuyp, “vistas da natureza e de animais são apresentadas por seu valor intrínseco, e não como pano de fundo para a atividade humana”.
A partir do século XVIII, percebe-se sua consolidação também em outros círculos artísticos, como na Inglaterra e mesmo na França. Neles surgem outras intenções representativas, promovidas por uma postura tradicionalmente rotulada como romântica que, em suma, considera em algumas de suas vertentes a força da natureza e de seus elementos como expressão da vontade e potência divinas, ou ainda como metáfora das interações humanas. São exemplares os trabalhos do pintor inglês George Stubbs (1724-1806), cuja fama liga-se ao interesse na representação de animais selvagens, contudo domados, como cavalos. Os do também inglês Edwin Landseer (1802-1873), especializado na pintura de animais domesticados e dignos, a exemplo de seus donos, como cachorros e gatos, ou mesmo os do escultor francês Antoine-Louis Barye (1795-1875), famoso por suas esculturas e pinturas de animais ferozes, atacando uns aos outros em ações que remetem à sobrevivência e à dominação, em alusão a valores sociais humanos.
A valorização do gênero animalista permanece contínua até o fim do século XIX quando, em diversos circuitos artísticos ocidentais, começam a ser repensadas as diretrizes formais e temáticas dos gêneros pictóricos.
Fonte: PINTURA Animalista. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileira. São Paulo: Itaú Cultural, 2024. Acesso em: 04 de outubro de 2024. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7
---
Antoine-Louis Barye | Britannica
Antoine-Louis Barye (nascido em 24 de setembro de 1795, Paris, França — falecido em 25 de junho de 1875, Paris) foi um prolífico escultor, pintor e gravador francês cujo tema eram principalmente animais. Ele é conhecido como o pai do moderno Escola Animalier.
A bolsa de estudos no final do século XX revisou o ano de nascimento de Barye de 1796 para 1795 após o ajuste para a mudança de ano de acordo com o calendário republicano francês. Filho de um joalheiro, ele foi aprendiz de um gravador de equipamento militar por volta dos 13 anos. Depois de servir no exército, ele trabalhou por um tempo no comércio de joias. Por volta de 1817, ele começou a esculpir enquanto trabalhava no estúdio do escultor François Bosio. Ele também foi influenciado pelas pinturas românticas de Théodore Géricault. De 1823 a 1831, ele trabalhou com Jacques-Henri Fauconnier, um ourives.
O talento de Barye para representar tensão dinâmica e detalhes anatômicos exatos é especialmente evidente em seus bronzes mais famosos, aqueles de animais selvagens lutando ou devorando suas presas.
Barye gradualmente ganhou reputação como escultor monumental, com encomendas governamentais de imagens de animais selvagens na década de 1830, grupos de figuras e retratos para a fachada do Louvre na década de 1850 e monumentos napoleônicos independentes na década de 1860. Ele expôs seus bronzes pela primeira vez nos Salões de 1827 e 1831, recebendo um segundo prêmio por seu Leão Devorando um Gavial. Ele se retirou da exposição no Salão na década de 1830, depois que um celebrado projeto de pequena escala foi rejeitado como ourivesaria (ou seja, não "arte elevada"), mas retornou em 1850, com grande aclamação.
Em termos gerais, Barye foi responsável por melhorar o status da escultura animal , uma categoria famosa desde a antiguidade, e por demonstrar sua adequação como uma forma expressiva moderna. Ele também ganhou fama especial como um artista que, independentemente do assunto, podia fundir grandeza e refinamento artístico com realismo tanto em monumentos públicos quanto em bronzes de pequena escala para o lar, em uma ampla gama de preços que a classe média podia pagar.
Fonte: Britannica. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
---
Antoine Louis Barye | Artnet
Antoine-Louis Barye (francês, 1796–1875) foi o primeiro escultor da Escola Francesa de Animaliers, e é considerado um elo importante entre o Romantismo e o Realismo do século XIX. Nascido em Paris, Barye originalmente treinou com seu pai como ourives, e depois frequentou a École des Beaux-Arts, onde estudou escultura e pintura. Em 1819, Barye participou de sua primeira exposição no Salon, onde ganhou o segundo lugar por sua escultura Milo de Crotona Devorado por um Leão. Durante esse tempo, ele solidificou sua reputação como um animalier, um artista especializado na representação de animais.
No início de sua carreira, ele passou grande parte de seu tempo no Jardin des Plantes com o colega escultor e amigo Eugène Delacroix, onde fez estudos a lápis dos animais de lá. No Salão de 1831, Barye expôs Tiger Devouring a Gavial, uma obra em grande escala que representava um afastamento radical de suas esculturas anteriores e que ganhou uma medalha de segundo lugar. Ele então recebeu sua primeira comissão pública após o Salão de 1833, onde expôs Lion Crushing a Serpent.
Apesar desse sucesso, o Salão recusou muitas das inscrições posteriores de Bayre, o que irritou tanto o artista que ele se recusou a expor no Salão novamente até 1851. Suas prestigiosas comissões, além do apoio do Duque de Orleans e dos duques de Luynes, Montpensier e Nemours, permitiram que ele contratasse artesãos de fundição em Paris e estabelecesse seu próprio negócio. Apesar da alta qualidade das obras produzidas na época, o artista sofreu muitas dificuldades financeiras e foi forçado a declarar falência em 1848. Como resultado, seus gessos, modelos e os direitos de produzi-los foram vendidos para pagar suas dívidas.
Após a falência, Barye se tornou o diretor de moldes e modelos no Louvre, e mais tarde foi nomeado professor de desenhos no Museu de História Natural no Jardin de Plantes, cargo que ocupou até sua morte. Em 1857, Barye conseguiu pagar suas dívidas e mais uma vez começou a fundir suas próprias obras.
Em 1855 e 1867, ele foi premiado com a Grande Medalha na Exposição Universal de Paris. Ele foi feito Oficial da Legião de Honra, foi nomeado o primeiro presidente da União Central de Belas Artes e foi nomeado membro do Instituto da França.
Hoje, suas obras estão contidas em grandes coleções ao redor do mundo, incluindo o Louvre, o Musée d'Orsay em Paris, o Art Institute of Chicago, o Hirshhorn Museum and Sculpture Garden em Washington, DC, e a National Gallery em Londres.
Fonte: Artnet. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
---
Esculturas de Les Animaliers 1900 – 1950
A primeira metade do século XX marcou o auge da escultura animal em toda a Europa. Esta primeira pesquisa verdadeiramente abrangente mostra o trabalho de 40 artistas que estiveram na vanguarda do movimento Animalier entre 1900 e 1950. Com base no rico arquivo da Sladmore Gallery, com mais de 350 fotografias coloridas, biografias individuais e dois ensaios informativos, este livro contém uma riqueza de informações tanto para colecionadores estabelecidos quanto para aqueles novos no assunto. É um volume complementar à pioneira Bronze Sculpture of Les Animaliers, de Jane Horswell, que cobriu o século XIX e foi publicada há quase 50 anos.
Este livro examina modeladores impressionistas como Bugatti e Degas, juntamente com Pompon e Sandoz, entre outros, que como escultores produziram esculturas com planos mais suaves e linhas mais elegantes. Com o advento da câmera, o realismo se tornou menos importante, o que, juntamente com a rápida modernização que ocorreu a partir do início do século XX, influenciou a escultura do período. Para coincidir com o lançamento deste livro, uma exposição, incluindo muitas das obras ilustradas no livro, será realizada na Sladmore Gallery em Jermyn Street.
Edward Horswell é uma grande autoridade em escultura de bronze dos séculos XIX e XX. Ele cresceu em Sladmore Farm em Buckinghamshire, onde seus pais criaram um refúgio para pássaros raros e exóticos, ao lado de uma extensa coleção de esculturas de animais que evoluiu para a galeria em Londres. Ele mora perto de Londres com sua esposa e duas filhas, cercado por uma variedade de animais.
Hoje, sob a direção de Edward Horswell, a Sladmore Gallery expandiu seu departamento do século XX para incluir não apenas o trabalho de Rembrandt Bugatti e 'Les Animaliers', mas também outros mestres modernos como Degas, Giacometti, Maillol, Picasso e Rodin. Ele colaborou e emprestou obras para muitas das principais exposições de museus internacionais e regularmente aconselha instituições, comitês de avaliação e autoridades em questões de autenticidade e valor.
Fonte: Sladmore. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
Crédito fotográfico: Wikipédia. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
Antoine-Louis Barye (Paris, França, 24 de outubro de 1796 — Paris, França, 25 de junho de 1875), mais conhecido como Barye ou Antoine-Louis, foi um escultor, pintor e gravador francês. Começou sua carreira como aprendiz de gravador de medalhas e ourives, antes de estudar na École des Beaux-Arts, em Paris. Inspirado pelas visitas ao Jardin des Plantes, Barye desenvolveu um estilo que combinava um profundo entendimento anatômico dos animais com uma forte carga dramática. Barye é conhecido como o "pai da escola moderna dos Animaliers", devido à sua habilidade em retratar animais com realismo e detalhamento excepcionais. Obras como "Leão Esmagando uma Serpente" e "Teseu e o Minotauro" destacam-se pelo dinamismo e pela intensidade das composições, o que lhe rendeu comparações a Michelangelo por artistas como Théophile Gautier. Ao longo de sua carreira, Barye enfrentou dificuldades financeiras e chegou a declarar falência, mas continuou a produzir e a ser admirado no meio artístico. Em 1854, foi nomeado professor de desenho no Museu de História Natural e, em 1868, foi eleito para a Académie des Beaux-Arts, confirmando seu reconhecimento como um dos grandes escultores do século XIX. Seu trabalho influenciou notavelmente outros artistas do movimento animalier, como Emmanuel Frémiet e Auguste Cain, e há uma praça pública em Paris dedicada a ele. Apesar dos desafios, Antoine-Louis Barye deixou um legado duradouro e significativo na escultura animalista e no romantismo francês.
Antoine-Louis Barye | Arremate Arte
Antoine-Louis Barye (1795-1875) foi um renomado escultor, pintor e gravador francês, conhecido principalmente por sua habilidade em retratar animais. Nascido em 24 de setembro de 1795, em Paris, ele se destacou como um dos principais artistas do movimento romântico, sendo reconhecido como o "pai da escola moderna dos Animaliers" — um grupo de escultores especializados em temas animais.
Barye começou sua carreira como aprendiz de um gravador de medalhas, depois trabalhou como ourives e mais tarde estudou na École des Beaux-Arts, onde teve contato com os escultores François-Joseph Bosio e Gros. Desde jovem, ele passava seu tempo no Jardin des Plantes, em Paris, observando animais e registrando suas formas e movimentos. Isso influenciou significativamente sua obra, marcada por realismo e detalhamento anatômico. Suas esculturas, como "Leão Esmagando uma Serpente" e "Tigre Devorando um Crocodilo", transmitiam dinamismo e drama, sendo admiradas por artistas contemporâneos como Théophile Gautier, que o comparou a Michelangelo por sua capacidade de "agigantar e estilizar" os temas animais.
Entre suas obras mais famosas estão também "Teseu e o Minotauro" (1843) e "Roger e Angélica Montados no Hipogrifo" (1846). Participou de várias edições do Paris Salon, onde suas obras muitas vezes causavam controvérsia, mas também lhe rendiam comissões e reconhecimento. Em 1854, Barye foi nomeado professor de desenho no Museu de História Natural, e em 1868, foi eleito membro da Académie des Beaux-Arts. Apesar de sua habilidade artística, ele enfrentou dificuldades financeiras ao longo da vida e chegou a declarar falência em 1848. Seus moldes foram vendidos para uma fundição que produziu versões de qualidade inferior, prejudicando sua reputação até sua recuperação posterior com a fundição Barbedienne.
Antoine-Louis Barye teve um impacto duradouro no cenário artístico francês e é lembrado como um dos principais escultores animalistas do século XIX. Seu trabalho influenciou artistas como Emmanuel Frémiet e Auguste Cain, e há uma praça pública em Île Saint-Louis, em Paris, dedicada a ele. Seus últimos anos de vida foram dedicados ao ensino e ao refinamento de suas obras, até que parou de produzir novas criações em 1869 devido à idade. Ele faleceu em 25 de junho de 1875, também em Paris.
---
Antoine-Louis Barye | Wikipédia
Nascido em Paris, França , Barye começou sua carreira como ourives, como muitos escultores do Período Romântico. Ele trabalhou primeiro com seu pai Pierre, e por volta de 1810 trabalhou com o escultor Martin-Guillaume Biennais, que era ourives de Napoleão. Depois de estudar com o escultor Francois-Joseph Bosio em 1816, e com o pintor Barão Antoine-Jean Gros, ele foi em 1818 admitido na École des Beaux-Arts . Mas foi somente em 1823, enquanto trabalhava para o ourives Emile Fauconnier que ele descobriu sua verdadeira predileção em observar os animais no Jardin des Plantes, fazendo estudos vigorosos deles em desenhos a lápis comparáveis aos de Delacroix, depois modelando-os em escultura em grande ou pequena escala.
Em 1819, enquanto estudava na École des Beaux-Arts, Barye esculpiu um medalhão chamado Milo de Crotana Devorado por um Leão, no qual o leão morde a coxa esquerda de Milo. O tema de Milo foi o tema oficial da escola para a competição de medalhões de 1819, onde Barye ganhou uma menção honrosa. c. 1820 Barye esculpiu Hércules com o Javali de Erimanto, representando o quarto Trabalho de Hércules, onde ele teve que capturar um javali vivo do Monte Erimanto.
Barye não foi menos bem-sucedido em escultura em pequena escala, e se destacou em representar animais em suas atitudes mais familiares. Barye esculpiu o medalhão de retrato Jovem Homem em uma Boina (1823) em bronze, bem como Retrato do Fundador Richard (1827), no qual apenas uma cabeça e um pescoço são mostrados. Ele também esculpiu Poised Stag (1829), uma escultura muito maior, que tinha uma altura de 48cm, e era um terço do tamanho natural.
Barye não queria ser conhecido apenas como um escultor de pequenos bronzes, ele queria ser conhecido como um sculpteur statuaire (um escultor de grandes estátuas). Em 1831, ele exibiu estátuas muito maiores, Tiger Devouring a Gavial Crocodile, que era uma escultura de gesso de 41cm de altura e 103cm de comprimento, e Lion Crushing a Serpent, de 138cm de altura e 178cm de comprimento, feita em bronze. Em 1832, ele realmente dominou um estilo próprio no Lion with a Snake.
Barye, embora envolvido em uma luta perpétua com a carência, exibiu ano após ano estudos de animais, grupos admiráveis que o revelam como inspirado por um espírito de verdadeiro romance e um sentimento pela beleza do antigo, como em seu Teseu e o Minotauro (1843), Roger e Angélica no Hipogrifo (1846), Lapitha e Centauro (1848), Jaguar Devorando uma Lebre (1850) e inúmeras obras menores agora muito valorizadas. As duas últimas obras foram exibidas no Salão de Paris de 1850, fazendo com que Théophile Gautier observasse: "A mera reprodução da natureza não constitui arte; Barye engrandece seus temas animais, simplificando-os, idealizando-os e estilizando-os de uma maneira ousada, enérgica e robusta, que o torna o Michelangelo do zoológico."
Exemplos de sua obra maior incluem o Leão da Coluna de Julho, cujo modelo de gesso foi moldado em 1839, vários leões e tigres nos jardins das Tulherias, e os quatro grupos Guerra, Paz, Força e Ordem (1854).
Embora Barye se destacasse na escultura, frequentemente enfrentava dificuldades financeiras devido à sua falta de conhecimento empresarial. Em 1848, ele foi forçado a declarar falência, e todo o seu trabalho e moldes foram vendidos para uma fundição. A fundição começou a fazer trabalhos inferiores de 1848 a 1857, e sua reputação sofreu durante esse tempo. Em 1876, o que restou do inventário de Barye, 125 modelos, foram vendidos para a fundição Ferdinand Barbedienne. O catálogo Barbedienne de 1877 oferecia todos os modelos em bronze em tamanhos variáveis, e as peças fundidas Barbedienne eram de excelente qualidade.
A fama só veio mais tarde na vida. Em 1854, ele foi nomeado Professor de Desenhos no Museu de História Natural e foi eleito para a Académie des beaux-arts em 1868. Ele não produziu nenhuma obra nova depois de 1869.
A grande quantidade de obras admiráveis deixadas por Barye lhe dá o direito de ser considerado um dos grandes artistas da vida animal da escola francesa de arte animal e o refinador de uma classe de arte que atraiu homens como Emmanuel Frémiet, Paul-Édouard Delabrièrre, Auguste Cain e Georges Gardet.
Há uma praça pública na ponta leste da Île Saint-Louis, em Paris, dedicada a ele.
Família
Barye teve um filho, Alfred Barye, que estudou com ele e também se tornou um escultor animalier. Alfred, embora muito competente por direito próprio como escultor, lutaria para ganhar notoriedade trabalhando na sombra de seu pai mais famoso. Antoine-Louis não ficou satisfeito quando seu filho começou a assinar o trabalho como "A. Barye" porque ele pensou que isso criava confusão entre seu trabalho e o de seu filho. Ele forçou seu filho a assinar como "A. Barye, fils" ou "Alf Barye" para distinguir suas obras. O Barye sênior assinou apenas de uma maneira ao longo de toda a sua carreira, simplesmente marcando seus bronzes como "Barye".
Fonte: Wikipédia. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
---
Movimento Animaliers
O movimento Animaliers foi um estilo artístico do século XIX que se concentrou na representação de animais, especialmente em esculturas. Os artistas deste movimento, conhecidos como "animalistas", dedicaram-se a retratar a anatomia, o comportamento e a natureza dos animais com um alto grau de realismo e detalhe. O movimento surgiu na França e seus expoentes buscaram capturar a essência e a vitalidade dos animais em suas obras, muitas vezes inspirando-se em visitas a jardins zoológicos e em estudos anatômicos.
O termo "Animalier" inicialmente tinha conotações depreciativas, sendo visto como um tema secundário na arte. No entanto, artistas como Antoine-Louis Barye, considerado o líder do movimento, ajudaram a transformar essa visão ao criar esculturas de animais com grande complexidade e poder expressivo, trazendo dignidade ao tema. Outros escultores notáveis do movimento incluem Emmanuel Frémiet, Auguste Cain e Paul-Édouard Delabrièrre, que também contribuíram para elevar a arte animalista ao status de forma artística respeitável e colecionável. As esculturas dos Animaliers geralmente eram feitas em bronze e eram apreciadas tanto por seu realismo quanto pela habilidade em capturar a energia e o caráter dos animais.
---
Pintura Animalista | Itaú Cultural
Como prática, a pintura animalista é uma das recorrências plásticas e gráficas mais antigas da história conhecida da humanidade. Seus exemplos mais precoces datam de dezenas de milhares de anos antes da era Cristã, como aqueles existentes em diversas cavernas europeias. As mais afamadas são Chauvet (ca.30.000 a.C.) e Lascaux (ca.15.000 a.C.), na França, e Altamira, na Espanha (ca.16.500 a.C.). Nesses lugares a representação isolada de animais está ligada a rituais de caça.
Depois, em regiões como a Assíria e o Egito, é atrelada a cultos religiosos, com imagens de gatos, crocodilos, escaravelhos, cachorros e falcões, que são elevados à categoria de divindades. Posteriormente, na Etrúria, durante os séculos VIII ao I a.C.; na Grécia, especialmente entre o século VII e IV a.C.; em pinturas de vasos do II e I milênios a.C.; e em Roma, dos séculos I a.C. ao I d.C., outros animais são objetos de culto, admiração ou ornamentação. Entre eles estão peixes, cavalos, touros, águias, leões, aves e suínos. A mesma recorrência é encontrada na pintura chinesa antiga, também anterior à era Cristã, cuja cultura artística continua influente séculos depois no Oriente, já que mantida como tema frequente e independente pela pintura japonesa a partir dos séculos XVI e XVII.
Se a periodização e influência unívocas da representação de animais como prática torna-se quase impossível, uma vez que todas as civilizações parecem ter se dedicado à criação dessa iconografia, o mesmo não ocorre com a sua identificação como um gênero artístico. Aceitar sua autonomia e sua história, é, ao menos na pintura ocidental, bem mais recente.
Ainda que animais continuem a ser pintados com frequência em países europeus desde a antiguidade, a maioria das imagens mais recentes esteve por muito tempo subordinada à tradição de representação da figura humana e de suas ações narradas na Bíblia. Exemplos nesse sentido podem ser vistos em diversas pinturas ou mosaicos em Ravena, como Sacrifício de Isaac (século VI); em Palermo, com Natividade (século XII); em Terni [Ferentillo], com Adão Nomeando os Animais (fim do século XII); em Assis, com São Francisco Entrega seu Manto (ca.1300), afresco de Giotto (1266-1337); e em Constantinopla, atual Istambul, com Viagem à Belém, na Igreja de Kahrié-Djami (século XIV), onde se encontram imagens de mulas, carneiros e vacas ligadas às passagens da vida de Cristo, da Sagrada Família ou dos santos.
Já a partir do século XV, mesmo sem se apresentar como tema central, animais passam a assumir recorrente valor de alegorias, além de figuração direta, destacando-se do velho e novo testamentos. Há imagens da serpente como uma alusão à tentação, do cordeiro como sacrifício ou inocência, do pombo como o Espírito Santo e do leão como coragem ou solidão, entre outras. São bastante conhecidos os exemplos de Jan Van Eyck (c.1395-1441) com o Políptico: A Adoração do Carneiro Místico (1426-1432) ou o Retrato dos Arnolfini (1434); O Casamento de Santa Catarina (1479), de Hans Memling (1430-1494); São Gerônimo em Sua Sala (1450-1479), de Antonello da Messina (1430-1479); e A Disputa do Santo Sacramento (1509), de Rafael (1483-1520), no Vaticano, entre outros.
É a partir do século XVII, todavia, que surge a construção de uma iconografia independente, que toma os animais como seu principal objeto de figuração. Se na França, nesse período, a criação da Academia Real de Pintura e Escultura manteve, como na pintura italiana precedente, uma hierarquia que concebia a pintura de animais como um gênero menor, abaixo da pintura histórica, religiosa, de gênero, do retrato e da paisagem, nos países baixos, em especial na Holanda, a formação de uma tradição artística laica, partindo da paisagem, se desdobrará em subgêneros independentes, com cenas de florestas, do inverno, de estradas, rios e, finalmente, de animais. Assim, não é possível separar a valorização da pintura animalista, como gênero, da valorização inicial da pintura de paisagem, sendo essa uma de suas expressões visuais.
Segundo Seymour Slive (1920), coube a Roelandt Savery (1577-1639) a popularização da tendência holandesa da pintura de animais e pássaros numa paisagem. Na pintura de Aelbert Cuyp (1620-1691), os rebanhos de vacas “podem ser vistos como alusões ao orgulho que os holandeses tinham de sua celebrada e lucrativa indústria de laticínios”. Na obra de outro holandês importante, Paulus Potter (1625-1654), como na de Cuyp, “vistas da natureza e de animais são apresentadas por seu valor intrínseco, e não como pano de fundo para a atividade humana”.
A partir do século XVIII, percebe-se sua consolidação também em outros círculos artísticos, como na Inglaterra e mesmo na França. Neles surgem outras intenções representativas, promovidas por uma postura tradicionalmente rotulada como romântica que, em suma, considera em algumas de suas vertentes a força da natureza e de seus elementos como expressão da vontade e potência divinas, ou ainda como metáfora das interações humanas. São exemplares os trabalhos do pintor inglês George Stubbs (1724-1806), cuja fama liga-se ao interesse na representação de animais selvagens, contudo domados, como cavalos. Os do também inglês Edwin Landseer (1802-1873), especializado na pintura de animais domesticados e dignos, a exemplo de seus donos, como cachorros e gatos, ou mesmo os do escultor francês Antoine-Louis Barye (1795-1875), famoso por suas esculturas e pinturas de animais ferozes, atacando uns aos outros em ações que remetem à sobrevivência e à dominação, em alusão a valores sociais humanos.
A valorização do gênero animalista permanece contínua até o fim do século XIX quando, em diversos circuitos artísticos ocidentais, começam a ser repensadas as diretrizes formais e temáticas dos gêneros pictóricos.
Fonte: PINTURA Animalista. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileira. São Paulo: Itaú Cultural, 2024. Acesso em: 04 de outubro de 2024. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7
---
Antoine-Louis Barye | Britannica
Antoine-Louis Barye (nascido em 24 de setembro de 1795, Paris, França — falecido em 25 de junho de 1875, Paris) foi um prolífico escultor, pintor e gravador francês cujo tema eram principalmente animais. Ele é conhecido como o pai do moderno Escola Animalier.
A bolsa de estudos no final do século XX revisou o ano de nascimento de Barye de 1796 para 1795 após o ajuste para a mudança de ano de acordo com o calendário republicano francês. Filho de um joalheiro, ele foi aprendiz de um gravador de equipamento militar por volta dos 13 anos. Depois de servir no exército, ele trabalhou por um tempo no comércio de joias. Por volta de 1817, ele começou a esculpir enquanto trabalhava no estúdio do escultor François Bosio. Ele também foi influenciado pelas pinturas românticas de Théodore Géricault. De 1823 a 1831, ele trabalhou com Jacques-Henri Fauconnier, um ourives.
O talento de Barye para representar tensão dinâmica e detalhes anatômicos exatos é especialmente evidente em seus bronzes mais famosos, aqueles de animais selvagens lutando ou devorando suas presas.
Barye gradualmente ganhou reputação como escultor monumental, com encomendas governamentais de imagens de animais selvagens na década de 1830, grupos de figuras e retratos para a fachada do Louvre na década de 1850 e monumentos napoleônicos independentes na década de 1860. Ele expôs seus bronzes pela primeira vez nos Salões de 1827 e 1831, recebendo um segundo prêmio por seu Leão Devorando um Gavial. Ele se retirou da exposição no Salão na década de 1830, depois que um celebrado projeto de pequena escala foi rejeitado como ourivesaria (ou seja, não "arte elevada"), mas retornou em 1850, com grande aclamação.
Em termos gerais, Barye foi responsável por melhorar o status da escultura animal , uma categoria famosa desde a antiguidade, e por demonstrar sua adequação como uma forma expressiva moderna. Ele também ganhou fama especial como um artista que, independentemente do assunto, podia fundir grandeza e refinamento artístico com realismo tanto em monumentos públicos quanto em bronzes de pequena escala para o lar, em uma ampla gama de preços que a classe média podia pagar.
Fonte: Britannica. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
---
Antoine Louis Barye | Artnet
Antoine-Louis Barye (francês, 1796–1875) foi o primeiro escultor da Escola Francesa de Animaliers, e é considerado um elo importante entre o Romantismo e o Realismo do século XIX. Nascido em Paris, Barye originalmente treinou com seu pai como ourives, e depois frequentou a École des Beaux-Arts, onde estudou escultura e pintura. Em 1819, Barye participou de sua primeira exposição no Salon, onde ganhou o segundo lugar por sua escultura Milo de Crotona Devorado por um Leão. Durante esse tempo, ele solidificou sua reputação como um animalier, um artista especializado na representação de animais.
No início de sua carreira, ele passou grande parte de seu tempo no Jardin des Plantes com o colega escultor e amigo Eugène Delacroix, onde fez estudos a lápis dos animais de lá. No Salão de 1831, Barye expôs Tiger Devouring a Gavial, uma obra em grande escala que representava um afastamento radical de suas esculturas anteriores e que ganhou uma medalha de segundo lugar. Ele então recebeu sua primeira comissão pública após o Salão de 1833, onde expôs Lion Crushing a Serpent.
Apesar desse sucesso, o Salão recusou muitas das inscrições posteriores de Bayre, o que irritou tanto o artista que ele se recusou a expor no Salão novamente até 1851. Suas prestigiosas comissões, além do apoio do Duque de Orleans e dos duques de Luynes, Montpensier e Nemours, permitiram que ele contratasse artesãos de fundição em Paris e estabelecesse seu próprio negócio. Apesar da alta qualidade das obras produzidas na época, o artista sofreu muitas dificuldades financeiras e foi forçado a declarar falência em 1848. Como resultado, seus gessos, modelos e os direitos de produzi-los foram vendidos para pagar suas dívidas.
Após a falência, Barye se tornou o diretor de moldes e modelos no Louvre, e mais tarde foi nomeado professor de desenhos no Museu de História Natural no Jardin de Plantes, cargo que ocupou até sua morte. Em 1857, Barye conseguiu pagar suas dívidas e mais uma vez começou a fundir suas próprias obras.
Em 1855 e 1867, ele foi premiado com a Grande Medalha na Exposição Universal de Paris. Ele foi feito Oficial da Legião de Honra, foi nomeado o primeiro presidente da União Central de Belas Artes e foi nomeado membro do Instituto da França.
Hoje, suas obras estão contidas em grandes coleções ao redor do mundo, incluindo o Louvre, o Musée d'Orsay em Paris, o Art Institute of Chicago, o Hirshhorn Museum and Sculpture Garden em Washington, DC, e a National Gallery em Londres.
Fonte: Artnet. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
---
Esculturas de Les Animaliers 1900 – 1950
A primeira metade do século XX marcou o auge da escultura animal em toda a Europa. Esta primeira pesquisa verdadeiramente abrangente mostra o trabalho de 40 artistas que estiveram na vanguarda do movimento Animalier entre 1900 e 1950. Com base no rico arquivo da Sladmore Gallery, com mais de 350 fotografias coloridas, biografias individuais e dois ensaios informativos, este livro contém uma riqueza de informações tanto para colecionadores estabelecidos quanto para aqueles novos no assunto. É um volume complementar à pioneira Bronze Sculpture of Les Animaliers, de Jane Horswell, que cobriu o século XIX e foi publicada há quase 50 anos.
Este livro examina modeladores impressionistas como Bugatti e Degas, juntamente com Pompon e Sandoz, entre outros, que como escultores produziram esculturas com planos mais suaves e linhas mais elegantes. Com o advento da câmera, o realismo se tornou menos importante, o que, juntamente com a rápida modernização que ocorreu a partir do início do século XX, influenciou a escultura do período. Para coincidir com o lançamento deste livro, uma exposição, incluindo muitas das obras ilustradas no livro, será realizada na Sladmore Gallery em Jermyn Street.
Edward Horswell é uma grande autoridade em escultura de bronze dos séculos XIX e XX. Ele cresceu em Sladmore Farm em Buckinghamshire, onde seus pais criaram um refúgio para pássaros raros e exóticos, ao lado de uma extensa coleção de esculturas de animais que evoluiu para a galeria em Londres. Ele mora perto de Londres com sua esposa e duas filhas, cercado por uma variedade de animais.
Hoje, sob a direção de Edward Horswell, a Sladmore Gallery expandiu seu departamento do século XX para incluir não apenas o trabalho de Rembrandt Bugatti e 'Les Animaliers', mas também outros mestres modernos como Degas, Giacometti, Maillol, Picasso e Rodin. Ele colaborou e emprestou obras para muitas das principais exposições de museus internacionais e regularmente aconselha instituições, comitês de avaliação e autoridades em questões de autenticidade e valor.
Fonte: Sladmore. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.
Crédito fotográfico: Wikipédia. Consultado pela última vez em 4 de outubro de 2024.