Biografia Leopoldo Torres Agüero | Arremate Arte

Leopoldo Torres Agüero foi um destacado pintor, escultor e ensaísta argentino, nascido em La Rioja em 12 de fevereiro de 1924. Mudou-se para Buenos Aires em 1941 e posteriormente para Paris, onde estudou com o renomado artista brasileiro Cândido Portinari.

Sua obra inicial foi influenciada pelo cubismo e pelo realismo mágico, mas evoluiu para a abstração e o Op Art, especialmente após uma estadia significativa no Japão entre 1959 e 1962. Essa experiência no Japão deixou uma marca indelével em seu trabalho, especialmente no uso da linha e na incorporação de elementos da cultura oriental, como o mandala e o Sumi-e​.

Ao longo de sua carreira, Torres Agüero participou ativamente de diversos grupos artísticos e culturais. Em Paris, ele foi um dos fundadores do Groupe Position, associando sua obra à arte cinética e ao Op Art.

Foi professor na Academia de Belas Artes em Buenos Aires e promoveu concursos de esboço ao som de sessões de jazz. Em 1994, tornou-se embaixador argentino na UNESCO, cargo que ocupou até sua morte em 31 de dezembro de 1995. Entre suas honrarias estão o Prêmio Palanza em 1989 e a Ordem das Artes e das Letras do governo francês​.

Biografia Leopoldo Torres Aguero | Wikipédia

Cresceu em La Rioja, mudando-se para Buenos Aires em 1941 e depois para Paris onde foi discípulo de Cândido Portinari.

Retornando a Buenos Aires em 1952, foi professor da Academia de Belas Artes e pertenceu ao grupo formado por Raúl Soldi, Batlle Planas e Osvaldo Svanascini. Em 1953 pintou o mural Cristo no Monte das Oliveiras na igreja católica de Olivos.

Viveu no Japão entre 1959 e 1962, estadia que influenciou a sua arte e estilo rumo à abstração e depois à Op Art.

Foi embaixador argentino na UNESCO em 1994, cargo que ocupava no momento de sua morte.

Recebeu o Prêmio Palanza em 1989 e a Ordem das Artes e Letras do governo francês.

Casado com a escultora francesa Monique Rozanés, foi anteriormente o primeiro marido de Odile Begué Barão Supervielle com quem teve dois filhos e Katia Schekhter com quem teve dois filhos: Pedro Torres Agüero e Diego Torres Agüero.

O crítico Rafael Squirru escreveu um ensaio sobre sua obra.

Publicações

Da Escrita

A montanha e seu desenho

Fonte: Consultado pela última vez 

Fonte: Wikipédia. Consultado pela última vez em 6 de junho de 2024.

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Biografia Leopoldo Torres Aguero | Artsper

Leopoldo Torres Aguero é um pintor nascido em Buenos Aires em 1924 e falecido em Paris em 1995.

O espírito moderno chegou à Argentina por dois caminhos distintos com uma pintura de cubismo um tanto tardio, mas sólido, e o grupo Cercle et Carré. Estas duas importantes correntes estão na origem da pintura abstrata na Argentina.

Em 1948, o Movimento de Arte Madi chamou a atenção, confundiu a mente e colocou-se na vanguarda internacional. Torres Agüero faz parte deste movimento revolucionário ao expor em 1939. Participa em muitas aventuras artísticas ao mesmo tempo que continua esta longa tradição "latina" de pintura mural. Após múltiplas viagens e longas estadias em Paris (1950) e no Japão (1952), partindo da figuração, o pintor desenvolveu a sua arte em meados da década de 1960 para a pintura geométrica. Mas “aprender serve apenas para aguçar a intuição daquilo que falta saber” (Torres Agüero).

Sua pintura oferece uma voz mística. Preocupado com a forma espacial, utiliza regularmente a forma mandálica. Através das formas horizontais - a terra (o Ying) - e verticais - o céu (o Yang) - e das linhas coloridas, em suas pinturas, acessamos a luz como um caminho à maneira do Tao. Ele compartilha sua vida e suas oficinas entre a França e a Argentina com sua esposa, a escultora Monique Rozanès. Após inúmeras distinções e prêmios, tornou-se Embaixador da República Argentina junto à UNESCO em Paris. Apesar das homenagens, a sua pintura permanece na disciplina do Zen Budismo que santifica o ato de pintar, questiona o olhar, a luz, o espaço e o espírito.

Trabalha nos museus da Argentina e da Bolívia, de Cuba, dos Estados Unidos como o de Dallas, Museu Georges Pompidou, Dunquerque, Saint Omer, Roquebrune, Soissons,

Expõe pessoalmente em exposições e museus de todo o mundo, e está presente nas principais feiras de arte contemporânea como a Fiac em Paris ou a Brafa em Bruxelas.

Fonte: Artsper. Consultado pela última vez em 6 junho de 2024.

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Torres Aguero | Internacional Center for the Arts of the Americas at the Museum of Fine Arts

Leopoldo Torres Agüero merece mais, muito mais, "algumas linhas de introdução", como você me pediu. Em primeiro lugar, porque não necessita de ser apresentado; então, porque a sua atitude séria e as suas excelentes condições do pintor-desenhador-gravador obriga-nos a não nos contentarmos com tão pouco. Mas a sua saída do país e a surpresa do seu regresso, bem como a pressa de escrever,

Eles me impedem de fazer isso com a substância que deveria.

Posso dizer no entanto que se trata de obras de um artista mais antigo,

livre na expansão da mídia, embora definido na explicação dos formulários; quem os faz está alheio às preocupações da capela € imune aos perigos da exacerbação romântica.

Porque T.A. pertence à linhagem cada vez mais numerosa, daqueles que compreendem o significado da criação contemporânea, que não é o da expressão individual, mas a da manifestação do que é real, da herança de todos.

Por nenhuma outra razão a não ser que sua linguagem seja universal.

Esses desenhos em tecido são estranhos, sem dúvida, e por isso entendo que até se diga que ele é outro pintor, mas não existe tal substituição; É o mesmo que conhecíamos.

Uma forte relação de desenvolvimento garante a unidade entre as obras de antes e as de agora: São frutos maduros de situações levantadas pelos primeiros.

A experiência oriental que o ensinou a concentrar-se, permite que você encontre nos caminhos da tinta, excluindo qualquer instrumento para estendê-lo, maneira de resolver certas estridencias de cores e planos que o impediu de penetrar em profundidade.

Mas os seus brancos e os seus negros, profundos e sonoros, apesar da aparência caligráfica, eles permanecem deles e dos ocidentais.

Alegro-me, então, com o reencontro com T. A.

Sem que saibamos, ou pelo menos sem que eu saiba,

Eu estava trabalhando silenciosamente em Paris para a glória da nossa arte, mais perto a cada dia.

Jorge Romero Brest. Diretor do Museu Nacional de Belas Artes de Buenos Aires

Fonte: Internacional Center for the Arts of the Americas at the Museum of Fine Arts (Houston). Consultado pela última vez em 6 de junho de 2024.

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Biografia Leopoldo Torres Aguero | Site Oficial

Nos anos 60 foi um artista que defendeu a arte geométrica no grupo latino-americano de Paris.

Síntese biográfica

Nasceu em Buenos Aires em 12 de fevereiro de 1924.

1949 - Galeria Antú, Buenos Aires.

1950 - Reside dois anos em Paris onde trabalha com Cándido Portinari e executa dois murais. Cité Universitaire, Paris.

1952 - Galeria Witcomb, Buenos Aires.

1953 - Galeria Krayd, Buenos Aires. Galeria Impulso, Buenos Aires.

1954 - Galeria Krayd, Buenos Aires.

1955 - Sociedade Hebraica Argentina, Buenos Aires. Galeria Peuser, Buenos Aires.

1956 - Galeria Bonino, Buenos Aires.

1957 - Galeria Bonino, Buenos Aires. Museu Dr. Genaro Pérez, Córdoba, Argentina.

1958 - Galeria Municipal, La Paz, Bolívia. Sociedade Hebraica Argentina, Buenos Aires.

1959 - Galeria Bonino, Buenos Aires. Museu de Arte Moderna, Montevidéu. Desenhos e guaches. Galeria Galatea, Buenos Aires.

1961 - Galeria Nitta, Tóquio, Japão. Galeria de Kyoto, Kyoto, Japão.

1961 - Apartamento Daimaru de 1962, Kobe, Japão. Apartamento Daimaru, Osaka, Japão.

1963 - Galeria Bonino, Buenos Aires.

1964 - Galeria Mendelsohn, México. Galeria Bonino, Rio de Janeiro, Brasil.

1965 - Galeria Ismos, Buenos Aires. Galeria Diálogos, Buenos Aires.

1967 - Galeria Ariel, Paris. Direção Geral de Belas Artes, Madrid.

1970 - Centro COMO, Paris. Maison de la Culture, Orleans, França.

1973 - Museu de Belas Artes, Caracas.

1974 - Galeria La Polena, Gênova. Galleria Rotta, Milão, Itália.

1975 - Galerie Suzanne Langlois, Paris. Galeria Bonino, Rio de Janeiro. Galeria Serra, Caracas.

1976 - Galleria L'Angolo, Bra Cuneo, Itália. Estúdio Rotelli, Finale Borgo, Savona, Itália. Galeria Ruiz Castillo, Madri.

1977 - Galerie Christiane Colin, Paris. Galeria Craven, Paris. Feira de Bolonha, Galleria Mantra, Itália.

1978 - Galleria Galliata, Alassio, Itália. Galeria Lombarda, Avellino, Itália. Fiera dei Levante, Bari, Itália.

1975 – 1977 - “Les Hauts de Belleville”, Maison de la Culture, Paris. “Arte contemporânea”, Museu Saint-Etienne, Toulouse, França. “Les Voûtes du pont”, Centre Culturel de Royan, França. Galeria Palatina, Buenos Aires. FIAC Grand Palais L’Angolo, Paris.

1979 - Galerie Arts et Lettres, Saint-Nazaire, França. Galeria Synart. Paris.

1980 - Ballestrini Arte Contemporânea Albisola, Mare, Itália. Sala Comunale d'Arte Contemporánea de Loano, Itália.

1981 - F.IAC Grand Palais, L'Angolo, Paris.

1982 - Galeria Borrachas, Buenos Aires. Studio Muratori Center, Modena, Itália.

Fundação Smith-Champion, Paris. Foire Internationale de Basileia, Suíça. Feira de Brescia, Galleria L'Angolo, Itália.

1983 - Galerie Synart, Paris.

1984 - Instituto Ibero-Américain, Bordeaux, França. Galeria das Borrachas, Buenos Aires.

1989 - Obtém o “prêmio Palanza”. Recebe a condecoração “Cavaleiro das Artes e das Letras” concedida pelo governo francês.

1990 - “50 anos de pesquisa plástica”, Fundação Banco Patricios, Buenos Aires.

1991 - “Gravitação”. Companhia Moderna e Contemporânea, Paris. França.

1993 - Salão Internacional e colóquio “Ecosito”, La Défense, Paris, França.

1995 - Ele morreu em Paris em 31 de dezembro.

1997 - Retrospectiva Museu Nacional de Belas Artes, Buenos Aires, Argentina.

1998 - Galeria de Arte Van Eyck, Exposição Individual, Buenos Aires.

2000 - Museu Municipal de Belas Artes de La Plata. Pinturas.

2007 - Galeria Valente, Itália. Gravitação. Avallon, França.

2008 - Galeria de Arte Van Eyck “Geometria Sensível”. Exposição Individual. Bons ares. Argentina.

2009 - Salão dos Passos Perdidos, salão José Luis Cabezas e Galeria de Artes.

2009 - Congresso Nacional – Homenagem ao Maestro Leopoldo Torres Agüero “Geometria 2009 - Emotiva” Buenos Aires - Argentina

2010 - Museu de Arte Juan Carlos Castagnino – Mar del Plata – Cúpula de Presidentes Ibero-Americanos

2010 - Feira “Aix en Provence S'Mart” França 2012 ; “Arteamericas” EUA - Palacio Duhau (Bs As Argentina)

2013 - Musee MUBE San Pablo Brasil – Houston Fine Art Fair Texas EUA – Audi Art Lounge Carilo Arte Contemporânea Buenos Aires

2014 - Art Fair Braffa Bruxelas Galerie Martel Greiner – Art Fair Miami – Red Dot EUA

2015 - Embaixada da Argentina em Paris - PAD Paris Art Design Galerie Martel Greiner – Braffa Galerie Martel Greiner Paris – Musee de Soisson

2015 - Complexo Central Park 2015

2015 - Oficinas Open Par no Parque – Buenos Aires

2015 - Complexo Cultural Plaza 2016

2015 - O Legado de um Mestre – Complexo Buenos Aires Central Park – Oficinas Open Par no Parque – Buenos Aires – O Legado de um Mestre – Caminhada Cultural Aldrey – Mar del Plata

2015 - Complexo Central Park 2017

2015 - Oficinas Open Par no Parque – Buenos Aires

Bibliografia

Ernesto Schoo, Torres Agüero, monografia. Edições Culturais Argentinas, 1965.

Michel Ragon, Michel Seuphor, Edições Maegh, Paris. "Arte abstrata", volume 4, 1974.

Cordova Iturburu, "80 anos de pintura argentina", 1978.

Gastón Diehl, "Pintura moderna no mundo", Ediciones Flammarion, 1966, França.

Dicionário Lafitte, "Quem é quem na França", 1981, Paris.

Julio Cortazar, "Territórios", Ediciones Siglo 21, México. " Regard

sur la peinture Contemporaine" (1945-1983), Gérard Xuriguera, Ediciones Arted, Paris, 1983.

Gerard Pierre Roissard, "Personalidades da França", Grenoble 1986 - 1987. Desenho, pastel e aquarela na arte contemporânea. Gerard Xuriguera. Edições Mayer, Paris, 1987. Anuário da criação contemporânea 1988 89. Edições Teatraed, Paris.

Comentários e críticas (Argentina)

Marcos Victoria, Eduardo González Lanuza, Jorge Romero Brest, Aldo Pellegrini, Ernesto B. Rodríguez, Franco Disegni, Osvaldo Svanascini, Mujica Láinez, Osiris Chierico, Arminda Aberasturi, Julio Cortázar, Cordova Iturburu, Noemí Casset, Elba Pérez, Rabael Squirru, Romualdo Brughetti, María Esther Giglio, Julio Sierra, Leiser Madanes, Luisa Valenzuela, Rodolfo Bracelli, Raúl Vera Ocampo, Emilio Stevanovitch, Joaquín Neira, Walter Thiers, Jorge Halperín, Fermín Fevre, Albino Dieguez Videla, Patricio Loizaga, Aldo Galli, León Schwartman, Diana Castelar, Hugo Guerrero MartLineitz, Esteban Peicovich, Enrique Lanzilloto, Hugo Monzón, Horacio Cabral, César Magrini, León Benaróss, Jorge Feinsilber.

Comentários e críticas (França)

Georges Boudaille, Denys Chevalier, Jacques Lassaigue, Frank Elgard, Michel Seuphor, Franc Popper, Huber Comte, Claude Wiart, Gastón DieLl, Raúl Jean Moulin, Gerard Xuriquera, Sabine Marchand, MC Wolfin, Jean Marie Denoger, Monique Dittiére, Jean Marie lasset , Maurício Altemand.

Museus

Museu Genaro Pérez, Córdoba. Museu Municipal, Buenos Aires. Museu Inca Huasi, La Rioja. Museu Tres Arroyos, Buenos Aires. Museu La Plata, Buenos Aires. Museu Eduardo Sívori, Buenos Aires. Museu de Arte Moderna, Buenos Aires. Museu de Potosí, Bolívia. Museu de Havana, Cuba. Museu Nacional de Arte Moderna, Paris. Museu da Cidade de Paris. Museu Georges Pompidou, Paris. Museu de Arte Moderna, Dunquerque, França. Museu Saint Omer, França. Museu da Gravura, Roquebrane, França. Museu de Arte Moderna, Dallas, EUA. Museu Palacio Carrera, Córdoba.

Crítica

"Com um sutil artifício de rampa de lançamento, a pintura de Leo Agüero nos projeta para fora de tanta gravidade monótona do cotidiano para nos acomodar numa órbita onde a amizade entre o espaço, a linha e as formigas é possível onde minúsculas luvas de feltro escrevem imobilizadas e muito rápidas uma mensagem que vai de galho em galho e de hoogo em cogumelo; mensagem para ninguém e talvez portanto para todos, pois a sua eficácia nasce precisamente do acaso ilusório que a sensibilidade desperta e favorece apenas para outro fim que não o líquido que cai da asa da gaivota; a dança ao redor da arca; a misteriosa migração das mariposas durante as luas cheias. Perante uma pintura que tem tanto de operação mágica - mas a magia é uma ascese, uma longa e rigorosa descida até ao topo, não se esqueça que quem persiste em confundir leveza com leveza -; É quase surpreendente que o pintor decida de fora, com as armas seguras do ofício, aquela outra decisão, mais secreta, que vem do instinto, esse oráculo ziguezagueante que em cada quadro propõe uma resposta enigmática às questões do desejo. O equilíbrio na sua forma mais árdua é o que faz funcionar o esquilo ou o ciclo do planeta, essa aliança indescritível de procura e fuga nas pinturas de Agüero, a tensão exata que as mantém vivas no seu aquário, o ritmo que repete a respiração furtiva das plantas. Sua arte nasce de fixar o momento, sem cessar a vida, que tudo está ali batendo exatamente no centro do cristal de rocha. Um balanço do tecido virado para cima, e a tinta póvoa agora o nada, instalando ritmicamente os seus costumes na areia branca e intemporal. Mas o radiestesista conhecia o veio da água, aquelas mãos guiavam suas criaturas com a certeza de uma longa vigília. Por isso, creio, há nesta pintura uma felicidade profunda, um sentimento de conciliação e de encontro. Os pequenos seres que nela habitam armarão suas tendas e seguirão em novas aventuras; mas cada etapa da jornada foi marcada por uma estrela fiel, teve o sabor do friozinho do meio-dia e o tremor do homem quando chega o momento da escolha e sente o teível e delicioso privilégio de sua liberdade como um vento em seu face" — por Julio Cortázar.

"Sempre pensei que na criação artística a parte teórica tem grande importância. Quaisquer que sejam os dons de sensibilidade de um artista, as paixões que o elevam acima de si mesmo, ele não pode deixar de refletir sobre a sua busca e sobre os meios que utiliza.

E é finalmente no encontro da concepção e da realização que reside a obra de arte.

Entre os que procuram uma nova arte, Agüero é certamente um dos que mais reflectiu sobre problemas técnicos e teóricos. Frank Poppel definiu muito bem a "vibração" que procura: "problemas puramente plásticos, o quadrado, o círculo, o volume, são tratados com uma infinidade de cores e semitons.

Muitas vezes trata-se de inverter o fundo e a forma, ou ambiguidade entre convexo e côncavo, cores frias e quentes, branco e preto Às vezes o tom muda de valor devido à relação óptica, mas um corte pode ser causado criando a ilusão de volume no espaço

ou dando a parte clara ao espaço. sensação de abertura horizontal ou vertical, o artista cria um espaço adicional."

O que é interessante é o resultado que estes meios nos permitem alcançar. De certa forma, trata-se de despertar o olhar, levando-o a perceber todos os desdobramentos virtuais do que está inscrito na pintura. A letra já não conta, o que ainda não está inscrito é decifrado. A imagem transforma-se a partir de linhas ou figuras que se relacionam diretamente consigo mesmas e podem ser ditas, tendo também em conta as aspirações, tendências e intenções do assunto. Experiências seriais que nunca se repetem levam a uma multiplicação de possibilidades que não se esgotam.

O rigor do método garante a pureza destas proposições. A riqueza das variações é infinita. Cada um poderá encontrar a resposta às suas aspirações" — Jacques Lassaigne (Curador-chefe do Museu de Arte Moderna do Município de Paris).

"De alguma forma, naquelas gradações de luz na montanha que pareciam impossíveis de transferir para a tela, ele percebeu um problema pictórico. Inti, o sol, era a divindade suprema do quíchua. Voltando a González, em um de seus capítulos finais O Condor... "A aurora rosada já desenhava no horizonte, as estrelas empalideciam, os vapores aquosos do orvalho acumulavam-se nas ravinas profundas... No cume aquoso do um morro próximo apareceu radiante, como uma explosão de luz, a estrela da aurora, o planeta que vem do leste derramando torrentes de amor.

É o preâmbulo do aparecimento do condor que “se confundiu com os cantos que surgiam de todos os lados em homenagem à manhã”.

Parece-nos que a arte de Leopoldo Torres Agüero, amante de dar nomes aos animais, se assemelha ao voo do condor que guarda para si e para nós segredos da alma da Nossa América, hoje essenciais para o resgate de o mundo inteiro" — Antonio Alice

Fonte: Torres Aguero. Consultado pela última vez em 6 de junho de 2024.

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Leopoldo Torres Agüero no Palácio Duhau | Arte Online

Com curadoria de Monique Rozanes, obras de grande formato do pintor Leopoldo Torres Agüero, nascido em Buenos Aires em 1924 e falecido em Paris em dezembro de 1995, estão expostas no “El Paseo de las Artes” do Park Hyatt Buenos Aires He. serviu como embaixador argentino na UNESCO.

As obras inserem-se na sensível corrente geométrica, que caracterizou a terceira e última fase da sua vasta carreira artística, que o artista desenvolveu sob a influência da experiência estética adquirida durante a sua prolongada estadia no Japão, entre 1959 e 1961. Precisamente, em No cruzamento entre a filosofia Zen e o rigor geométrico podemos encontrar a causa que, em meados dos anos sessenta, estimulou a criação das obras que compõem esta exposição.

A sucessão de linhas em campos de cor progressivamente degradados persegue o propósito de alcançar o “satori” através da expressão artística, aquela iluminação repentina que conduz à verdade.

Teórico e prático, Torres Agüero colocou ao serviço da sua sensibilidade o conhecimento da cultura oriental e a técnica meticulosa que sempre caracterizou a sua produção artística. A busca e a reflexão foram o método que aplicou para “representar” o inexprimível, na tentativa de chegar ao espírito com os sentidos, como caminho de conhecimento interior, numa ascese mística rumo ao topo. Como disse Julio Cortázar em comentário sobre a pintura de seu amigo “Leo”: “…cada etapa da viagem foi marcada por uma estrela fiel, tinha o sabor da fruta mordida ao meio-dia e o tremor do homem quando chega o momento de escolhe e sente o temível e delicioso privilégio de sua liberdade como um vento em seu rosto.” 

Esta exposição apresenta-se com um título sugestivo: “Silêncio Linear” e alude verdadeiramente ao estado que a sua contemplação produz no espectador. O parágrafo final para Monique, fiel companheira de Leopoldo, escultora, primorosa artista e curadora desta exposição, que o acompanhou à Argentina para viver intensamente ao seu lado a fase da vida que testemunham as obras expostas.

Fonte: Arte Online, publicado em 11 de setembro de 2012. Consultado pela última vez em 7 de junho de 2024.

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Sobre uma geometria particular | Página 12

As pinturas de Leopoldo Torres Agüero (1924-1995) que hoje podem ser visitadas no Palácio Duhau mostram uma geometria particular. Se à primeira vista vemos círculos, losangos ou quadrados pintados com um sistema de linhas retas, ao nos aproximarmos descobrimos uma linha com acidentes e irregularidades. Acontece que este artista carioca – que viveu muitos anos em França – desenvolveu o seu próprio discurso plástico em diálogo com os desenvolvimentos da tendência abstracta e óptico-cinética mas, ao mesmo tempo, procurava um método de trabalho de acordo com com sua própria sensibilidade.

Desde cedo se interessou por poesia, pintura e música, até que o uso do desenho e da cor lhe permitiu se destacar e, em 1948, conseguiu ganhar um dos prêmios estímulo do Salão Nacional. Privilegia então o seu trabalho pictórico e em 1950 viaja para Paris para se aperfeiçoar. Além de aprender técnicas tradicionais, a estada parisiense despertou seu interesse em experimentar diversos materiais como mármore, acrílico, aço inoxidável, tecido e juta.

Ao regressar, não só as suas composições acrescentaram cenas festivas e motivos com instrumentos musicais, como também procurou participar em projetos coletivos, como os murais pintados nas Galerias de Santa Fé e o mosaico realizado na igreja paroquial de Olivos.

Destacado desenhista e professor da Escola de Belas Artes de Buenos Aires, Torres Agüero foi até agora um importante artista figurativo; Porém, no final dos anos 50 assumiu o desafio de uma nova etapa. Em abril de 1960 ele já estava em Kyoto experimentando técnicas sumi-e e meditação Zen. Em contacto com as disciplinas orientais, o seu pensamento e a sua técnica pictórica abriram-se ao jogo livre da espontaneidade.

Se na Argentina seu trabalho foi guiado pela linha ascendente das montanhas de Rioja e pelo horizonte infinito da planície dos Pampas, depois da experiência no Japão, aquelas forças verticais e horizontais presentes na simbologia yin-yang, ali identificadas com o feminino- princípio masculino, a terra e o céu, passividade e ação. Depois de um período em que explorou o valor do signo livre e espontâneo, Torres Agüero começou a criar tramas abstratas nas quais capitalizava o manejo da matéria líquida.

As obras desse período são atravessadas por fios serpentinos feitos com gotejamento de tinta muito diluída. Esses finos fios coloridos tecem malhas tão finas que os fundos anteriormente trabalhados com formas monocromáticas ou multicoloridas ficam transparentes. Com esse procedimento obteve-se uma textura densa que gera vibrações ópticas e provoca sensações táteis.

O domínio desta modalidade de trabalho por jateamento vertical deu origem, no final da década de 60, a um tipo de composição estruturada em esquemas geométricos sobre os quais o traço retilíneo passou a prevalecer. A partir desse momento, então, sua linha reta – pintada pelo deslizamento de uma matéria pictórica líquida – explorou a riqueza expressiva de um universo limitado de formas.

A aparente precisão do sistema de linhas resultante sugere o desenho com uma régua; Porém, é um método baseado na concentração, no qual ele controlava até o ritmo da respiração para dominar a queda da tinta devido à gravidade. Nos antípodas do gotejamento na tela horizontal do agitado gotejamento expressionista, a ação de Torres Agüero foi espontânea e, ao mesmo tempo, controlada; Foi um gesto que pôs em prática a serenidade da meditação.

No início de 1971 fundou o Groupe Position em Paris, junto com os artistas cinéticos argentinos Antonio Asís, Hugo Demarco, Armando Durante e Horacio García Rossi. Este grupo herdou a tradição de trabalho coletivo do GRAV (Groupe de Recherche d'Art Visuel), formado em 1960 após a chegada a Paris de Julio Le Parc, García Rossi, Demarco, Francisco Sobrino e Sergio Moyano, junto com alguns artistas europeus que também estavam interessados ​​em incluir experiências ópticas e de movimento nas suas obras).

No Groupe Position cada um trabalhava a partir de sua própria poética: García Rossi, Durante e Demarco tendiam a incorporar mecanismos elétricos – como estavam acostumados no GRAV – enquanto Asís preferia a linha de vibrações ópticas, em alguns casos causadas pela mediação de uma malha metálica e, em outras, através de superfícies monocromáticas animadas por espirais. Neste período Torres Agüero explorou a vibração da superfície pictórica, a partir das gradações de cor colocadas em finos padrões lineares.

Seu caso é particular para uma tendência como a ótico-cinética derivada da linha da construção, que sempre valorizou as relações formais, o cálculo, a cor plana e a objetividade. Embora o cinetismo incorporasse a intervenção da máquina e até movimentos e reflexões aleatórias, não considerava a incidência das manifestações da subjetividade do autor que, neste caso, geram uma trama com ritmo levemente irregular e linhas de diferentes espessuras.

Este grupo foi motivado pelo propósito de divulgar obras de natureza óptico-cinética após a dissolução do GRAV e, nesse sentido, no início dos anos 70 o Groupe Position conseguiu expor em Bruxelas, na galeria parisiense Gueregaud, em Barcelona, ​​Sevilha e Bilbao e na Galeria Sincron na cidade italiana de Brescia. Possivelmente a exposição mais importante foi a organizada na Galeria Les Ambassadeurs, em Zurique, apresentada por Jacques La-ssaigne, onde Torres Agüero mostrou dez grandes pinturas, como as que podem ser vistas na exposição que, sob o título Silencio Lineal , Hoje está exposto no Paseo de las Artes do Palácio Duhau, com montagem impecável do arquiteto Enrique Diéguez e promovido pela Fundação Torres Agüero-Rozanés.

O conjunto de obras expostas corresponde ao seu período de maturidade e permite-nos apreciar as infinitas gradações de cor e as subtis avaliações de luz e sombra que conseguiu. Mestre na arte de dosar efeitos cromáticos, Torres Agüero analisava a forma, ajustava os esboços e escrevia as escalas cromáticas em “partituras” que depois levava para a tela.

Neste sentido, as gradações de cores das suas obras mostram um bom conhecedor do exercício rigoroso que, paradoxalmente, qualquer improvisação exige. Acontece que embora tivesse a pintura privilegiada, Torres Agüero nunca abandonou a performance musical e sabia muito bem quanto preparo exige até uma breve improvisação de jazz.

Em Paris foi amigo de Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz Diez, Le Parc e de todos os cineticistas latino-americanos, mas seu trabalho foi diferenciado porque procurou ajustar a linguagem plástica à tonalidade espontânea que sua sensibilidade havia incorporado através da meditação. Sua linha sensível, então, respondia à concentração, ao equilíbrio e à gravitação.

Fonte: Página 12. Consultado pela última vez em 6 de junho de 2024.

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Groupe Position | Caiana

Entre o final dos anos 50 e o início dos anos 60, um grande grupo de artistas argentinos liderou o avanço da arte cinética que ocorreu em Paris. Muitos deles participaram na rebelião estudantil que tomou conta das escolas de belas artes de Buenos Aires em 1955 e, no final da década, planeavam viajar para ter contacto direto com os desenvolvimentos europeus. Em julho de 1960 alguns reuniram-se no Centre de Recherche d'Art Visuel (CRAV), enquanto outros optaram por trabalhar individualmente, como Antonio Asís, Luis Tomasello, Gregorio Vardanega e Martha Boto.

Após algumas cisões, o CRAV deu origem ao surgimento do Groupe de Recherche d'Art Visuel ( GRAV), cujos trabalhos ganharam reconhecimento até a sua dissolução em 1968. Depois de algum tempo, alguns membros desses primeiros grupos juntaram-se a outros. artistas e decidiu formar o Groupe Position (GP), que surgiu em abril de 1971 afirmando: “[...] decidimos formar o grupo tendo em vista o quão difícil é a luta individual do artista em uma sociedade que o marginaliza e considerando a multiplicação de possibilidades que o trabalho orgânico de uma equipe cria.”

A partir do surgimento e desenvolvimento das empreitadas deste grupo, estudaremos as táticas articuladas por este grupo de artistas face à crescente complexidade do sistema das artes e, ao mesmo tempo, analisaremos o regresso às vanguardas. práticas de jardim.

Os integrantes

O Groupe Position foi fundado entre três artistas dos círculos CRAV e GRAV , artista que explorou individualmente efeitos vibratórios, como Asís (1932), e Leopoldo Torres Agüero (1924-1995), interessado em um tipo de pintura estruturada. gráfico linear com linha suave, que gerava vibrações. Por um lado, Hugo Demarco (1932-1995) foi um dos signatários do ato fundador do CRAV, Horacio García Rossi (1929-2012) integrou o CRAV e o GRAV e Armando Durante (1934-1996) teve trabalhou no antigo ateliê que o GRAV tinha na rua Beautreillis e expôs com seus associados. Por outro lado, estes três artistas, juntamente com Asís, eram alunos da Escola Nacional de Belas Artes Prilidiano Pueyrredón em meados da década de 1950, quando Torres Agüero era um dos jovens professores convocados pelos alunos.

Para compreender a importância destes últimos elos, é necessário levar em conta que após a derrubada do segundo governo de Juan Domingo Perón, em 3 de outubro de 1955, os estudantes das escolas de arte de Buenos Aires tomaram conta dos três estabelecimentos para exigir a renovação do corpo docente e dos seus planos de estudos, bem como a inclusão deste currículo no sistema universitário. Neste sentido, os estudantes rejeitaram as autoridades da Direção Geral de Cultura e passaram a classificar o corpo docente como “bom”, “mau” ou “indesejável”, enquanto a tomada de posse impediu o desenvolvimento das aulas que ministravam. . Como esta medida durou até 1958, os alunos procuraram alternativas para deslocar os professores sem perder tempo de estudo e, consequentemente, estabeleceram um sistema de oficinas gratuitas para as quais pediram apoio a alguns jovens artistas que já tinham estado envolvidos com a arte moderna. Precisamente, no primeiro período da rebelião Asís foi um dos encarregados de solicitar a colaboração de Alfredo Hlito e Lidy Prati.

De qualquer forma, a organização e defesa da causa ficou a cargo de uma Comissão Representativa dos Estudantes e do Centro Estudantil de Artes Plásticas (CEAP), que Julio Le Parc presidia desde meados de 1956. Desde 26 de outubro de 1955, as intervenções de. a Direção Geral de Educação Artística liderada por Julio E. Payró e Hilarión Hernández Larguía e, em 1958, foi assumida por Delia Isola, que motivou a publicação de uma pequena revista de humor chamada Tía Delia . A Revista Vello Humor, publicada pelos alunos.

Entre os professores preferidos pelos alunos estava Torres Agüero, que ao ensinar desenho propunha conscientizar o aluno sobre as diferentes qualidades da linha e liberar seu traço. Na verdade, foi um dos anfitriões de Georges Mathieu quando este visitou Buenos Aires em novembro de 1959 e o convidou para a Escola de Belas Artes Manuel Belgrano, onde pintou uma tela espalhada no chão do pátio. Torres Agüero também foi apreciado por quem tinha habilidade e inclinação para a música, especialmente pelas jam session que organizou numa mítica mansão de Belgrano conhecida como A Casa dos Fantasmas ou pelo seu incentivo à participação em concursos de esquetes ao ritmo das improvisações de jazz. .

Consequentemente, tendo em conta a noção de habitus proposta por Pierre Bourdieu, podemos sustentar que os três anos de atuação no Movimento Estudantil geraram nestes estudantes disposições para o trabalho coletivo, bem como para o desenvolvimento de um tipo de organização orientada atingir metas pré-determinadas que, posteriormente, foram reativadas na formação do CRAV, do GRAV e do GP , de acordo com os objetivos que cada um se propôs. No entanto, ainda restam algumas particularidades a serem consideradas, pois quando o novo plano de estudos foi aprovado em 1958, Asís já havia embarcado para Paris e logo se juntou ao grupo de artistas latino-americanos que se reunia em torno da galeria Denise René, onde a figura do húngaro o artista Víctor Vasarely gravitou.

Em Buenos Aires, estudantes interessados ​​nas experiências de visão que praticavam nas aulas de Héctor Cartier puderam conhecer a obra de Vasarely através da exposição de sua série “Preto e Branco” apresentada em 1958 no Museu Nacional de Belas Artes. Empolgados, muitos deles tomaram a decisão de viajar para Paris. Assim, em julho daquele ano García Rossi e Demarco já ingressavam no CRAV , e Durante continuou em Buenos Aires por mais algum tempo. Ao contrário de todos eles, em abril de 1960, Torres Agüero partiu para o Japão com uma bolsa para colocar em prática as técnicas de desenho oriental.

Desde 1956, Asís frequenta Vasarely e outros artistas interessados ​​no movimento, como o suíço Jean Tinguely, o israelense Yacoov Agam, o belga Pol Bury, o húngaro Nicolás Schöeffer e os venezuelanos Jesús Rafael Soto e Narciso Debourg, entre outros. Os latino-americanos que já trabalhavam na óptica-cinética parisiense avançada subsistiam com muitas dificuldades e, nesse sentido, Soto sustentava-se tocando violão nos cafés. No final das funções, Asís fez parte do grupo de amigos que deu continuidade ao encontro e nos primeiros 60, auxiliou-o na preparação das obras e na montagem das suas exposições. Soto contou com sua ajuda na exposição Bewogen Beweging apresentada no Stedelijk Museum em Amsterdã, bem como nas apresentações em Paris e Nova York e, a partir desse momento, a amizade entre os dois se estendeu até a morte do venezuelano, ocorrida em o ano de 2005.

Ainda através de Soto, Asís conheceu o projeto Carboneras, uma vila de verão na costa espanhola onde ele próprio adquiriu uma pequena casa de pescadores de frente para o mar. Os habituais almoços organizados contavam habitualmente com a presença de Tinguely e Niki de Saint Phalle, Alejo Carpentier, Yves Klein, Hans Hartung, Yacoov Agam, Narciso Debourg, Arden Quin e Torres Agüero, entre muitos outros amigos. Nesses encontros ouvia-se música latino-americana e, principalmente, a dupla Soto-Paco Ibañez. Perto destes círculos, o trabalho de Asís orientou-se para a procura das variações subtis que o olho humano conseguia captar, recorrendo a diferentes tramas que estabeleciam uma relação dinâmica com as formas colocadas no plano. Também realizou experiências ópticas com desenhos de grandes superfícies monocromáticas animadas por espirais ou, em alguns casos, com esferas ou cubos que poderiam ser mobilizados pelo próprio observador.

Estabelecido em Quioto, Torres Agüero aprofundou a sua inclinação natural para a gestão de linhas, gradações de cores e avaliação de luzes e sombras. O tempo que viveu no Japão deixou-lhe uma marca indelével e a sua pintura madura não poderia ser compreendida sem ter em conta a gravitação da mandala na cultura oriental, a força instintiva da sua linha caligráfica e a noção de diversidade na unidade.

Quando se estabeleceu em Paris, as forças verticais e horizontais foram potencializadas, com as quais começou a criar tramas abstratas que capitalizavam o manejo espontâneo da matéria líquida. Às vezes, os fios gotejantes teciam finas malhas que funcionavam como transparências e, em outros casos, as linhas monocromáticas ou multicoloridas geravam tramas densas que apelam ao tátil pela sua espessura e textura. Porém, no final da década de 1960, o domínio desse método de detonação abriu caminho para um tipo de composição estruturada a partir de esquemas geométricos sobre os quais prevalecia o contorno retilíneo.

Em todo caso, embora a linha reta tenha se tornado o principal recurso de seu vocabulário plástico, sua linha nunca foi uma linha reta com arestas duras, mas com uma linha sensível. Em vez de traçar linhas retas em sentido estrito, propôs linhas retilíneas que admitiam as diferentes espessuras da linha suave, obtida pelo gotejamento de uma tinta líquida que deslizava sobre a tela por gravidade. No território parisiense surgiram então as configurações concêntricas, a recorrência do círculo inscrito no quadrado, o equilíbrio e a potência do eixo axial, o interesse pela vibração da cor e pelos choques de luz e sombra (Fig.1) .

Em geral, os membros do CRAV exploraram a noção de serialidade proposta na obra de Vasarely. Depois de sua série sobre papel pintado com guache em que García Rossi estudava o movimento virtual em duas dimensões, criou caixas de luz que brincavam com a sutileza da cor, projetando formas que se moviam pelo aparecimento/desaparecimento das cores ou pela sua vibração. Da mesma forma, utilizou luz colorida – proveniente de fontes indiretas e em movimento instável – para obter reflexos em telas ou em barras acrílicas translúcidas. Demarco também fez parte do CRAV e se interessou pela vibração da cor, trabalhou nas justaposições e estudou a dinâmica da cor buscando mudanças na coloração e na luminosidade no movimento visual contínuo. Porém, quando o primeiro grupo se tornou GRAV , Demarco continuou seu trabalho individualmente e focou sua preocupação na busca de diferentes soluções para os problemas visuais apresentados pelos recursos plásticos que utilizava. Já para Durante a ação do espectador sempre foi muito importante, nesse sentido ele criou caixas de luz - que às vezes incluíam som - equipadas com comandos a serem acionados pelo público, pois considerava a ação central e não puramente plástica criação.

Objetivos do grupo

A Posição do Groupe capitalizou as experiências individuais e a tradição de trabalho em grupo em que se envolveram. Por um lado, recuperou alguns objectivos já presentes no CRAV , cujos membros se tinham proposto “unir as suas actividades plásticas, esforços, capacidades e descobertas pessoais numa actividade que tende a ser a de equipa”. Por outro lado, para aumentar a circulação, afirmaram claramente outros objectivos: organizar exposições com a vantagem de partilhar o financiamento e a quantidade de obras com que cada um devia contribuir; realizar pesquisas comuns e reuniões periódicas de crítica de trabalho; integrar as artes plásticas na arquitetura: criar um fundo comum a partir de 5% das vendas e financiar uma oficina de uso comum que permita também manter uma exposição permanente.

O acordo de grupo pressupunha a participação de cada pessoa da sua linha de trabalho. Portanto, as propostas de quem veio do ambiente GRAV apresentavam jogos mobile movidos por mecanismos, com a intervenção da eletricidade, Asís tendia a evitar a intervenção mecânica e preferia as vibrações produzidas por molduras com grades metálicas ou superfícies monocromáticas animadas por espirais, enquanto Torres Agüero trabalhou com vibrações de cores que alcançou através da utilização de material pictórico muito diluído colocado através de um gesto controlado. Ao contrário dos programas estéticos concebidos pelos artistas cinéticos que incluíam um movimento pré-estabelecido por materiais ou mecanismos, esta técnica incorporava a incidência de variantes causadas pela subjetividade do autor (Fig. 2) .

Exposições coletivas

As primeiras exposições foram apresentadas em Bruxelas, na Residência Lannoy, na Residência Empain e na Galeria Withofs, sob o título Couleurs Espace Mouvement, e depois na Galeria Gueregaud parisiense. Em 23 de outubro de 1971, foi inaugurada a exposição Gruppo Position na Galeria Sincron, na cidade de Brescia. As vistas da sala permitem apreciar a variedade de desenhos: tramas, caixas de luz, relevos, esculturas em acrílico, relevos luminosos, pinturas e serigrafias.

No final de 1971 conseguiram organizar uma série de exposições em Espanha, para as quais convidaram a participar o artista Alberto Fabra (1920-2011). A apresentação na Galeria Sen em Madrid alcançou divulgação e o comentário crítico avançou a itinerância por Barcelona, ​​Sevilha e Bilbao e avançou a possibilidade do seu regresso, expandido à capital espanhola, para ser exposto no Museu de Arte Contemporânea Arte. Também na exposição realizada na Galeria Juana de Aizpuru, em Sevilha, foram acompanhados por Fabra, que estudou em Paris e assistiu às mesmas exposições de artistas latino-americanos em que apareceram os integrantes do grupo. Antes de chegar a Bilbao, o grupo também se apresentou no Grands et Jeunes d'Aujourd'hui , em Paris. Nos encontros do grupo, os artistas afirmaram que aspiravam estabelecer contactos com museus de arte moderna dos Estados Unidos e da Alemanha, e também pretendiam ter um local de trabalho partilhado em Nova Iorque, que alternariam durante dois meses cada.

A exposição organizada na Galeria Les Ambassadeurs de Zurique foi apresentada por Jacques Lassaigne e contou com um catálogo que mostrava não só a trajetória dos artistas, mas também a lista das obras expostas e algumas reproduções das obras embora, paradoxalmente, fosse a mais completa, mas a última exposição realizada em grupo (Figs. 3 e 4) .

Com efeito, esta exposição contou com um número significativo de obras e das maiores, o que sugere que os artistas apostavam no desenvolvimento destas obras. Torres Agüero mostrou dez grandes pinturas (algumas de um metro por um metro e outras de dois metros por dois metros), Demarco enviou uma variedade de rotações, relevos, reflexos de cores, superposições e deslocamentos feitos com luz negra, Durante preparou caixas com círculos e quadrados, luzes radiais e cubos e caixas de luz García Rossi, estruturas de luzes mutáveis, esferas, cilindros giratórios e serigrafias. Em Zurique, Asís apresentou dezenove peças, a maioria delas produzidas recentemente. Uma série de cubos de diferentes tamanhos com variantes brancas, vermelhas ou metálicas, bolas táteis coloridas, molduras com grades metálicas de um metro por um metro em cores diferentes, molas, espirais e três movimentos concêntricos de 1966.

Embora esta exposição tenha posto fim à experiência colectiva, conseguiram dar uma maior presença aos seus trabalhos no circuito e prepararam o terreno para continuarem os seus próprios desenvolvimentos. Precisamente no prefácio da exposição, Lassaigne destacou que, mais do que procurar uma expressão comum ou colectiva, baseada no trabalho individual, observou que o trabalho em grupo ajudava “os indivíduos a expressarem-se e a afirmarem-se nas suas personalidades”.

Conclusão

Se analisarmos o Groupe Position como um projeto coletivo aberto à poética individual, é preciso considerar que ele incluía desde jogos formais ou cromáticos que aproveitavam as particularidades da percepção retiniana, até movimentos reais provocados pelo espectador ou por fontes mecânicas. Concebido a partir da história tradicional do cinetismo latino-americano que identificou a tendência venezuelana à sutileza das vibrações e a preferência dos argentinos por mecanismos acionados por motores, este grupo oferece um exemplo de trabalho nas duas linhas e, ainda, com a particularidade de se abrir para um tipo de pintura cujos efeitos vibratórios permitiam a intervenção da subjetividade do autor, aspecto que os programas cinéticos evitavam.

Se inscrevermos as obras cinéticas do GP nas propostas da neovanguarda do pós-guerra, poderíamos pensar as ações desses artistas à luz da noção de “ação diferida” proposta por Hal Foster, dentro do qual podemos diferenciar dois momentos de retorno às práticas de vanguarda. Por um lado, os jovens argentinos estimulados pela experiência da vanguarda dos anos 40 do River Plate retomaram tanto o repertório de formas e ritmos de artistas específicos, como os recursos que apelavam ao movimento e à participação na transformação do trabalho dos Madí. Por outro lado, diante das dificuldades de inserção no circuito, o GP recuperou a prática vanguardista de redação do manifesto fundador e do trabalho coletivo como modalidade de intervenção sobre o domínio de uma instituição que tendia a excluí-los.

Sem dúvida, dado o esforço que dedicaram à organização e ao trabalho em grupo e à dissolução repentina, coloca-se a questão sobre os motivos que truncaram a experiência, precisamente quando estavam a atingir os objetivos traçados. A esse respeito, em manuscrito García Rossi deixou depoimento de sua opinião sobre as discussões finais:

«O Groupe Position tira férias até janeiro de 1973.

Acredito que é um erro, e que estes meses vão servir para reforçar as individualidades e realmente fazer desaparecer definitivamente o nosso Groupe Position .

Acredito também que a inteligência pode (e deve) dominar os impulsos “idiotas” de temperamentos opostos e de violência descontrolada.

A Posição do Grupo , além das corridas individuais que os componentes podem fazer, poderia ter tido um futuro útil e brilhante.

Declaro, para que conste, que sou contra esta determinação da maioria.

É verdade que esses grupos eram geralmente de natureza efêmera. Para explicar esta tendência para a instabilidade do grupo, Raymond Williams salientou que os indivíduos que compõem os grupos são moldados pelo próprio grupo, adoptando “uma gama complexa de posições, interesses e influências diversas, algumas das quais são resolvidas (mesmo que apenas temporariamente). . pelas formações, enquanto outros permanecem como diferenças internas, como tensões e muitas vezes como base de divergências, rupturas, divisões e tentativas subsequentes de novas formações.

Na verdade, a fundação GP tentou alcançar uma solução colectiva para dificuldades partilhadas, mas no quadro de um trabalho artístico essencialmente individual. Seguindo Michel de Certeau, poderíamos dizer que a sua constituição foi um avanço tático, um “truque” dos fracos que tentaram quebrar a ordem construída por aqueles que detinham o poder de legitimação simbólica ou económica, embora, em última análise, a sua fundação e desenvolvimento Foi também uma história de resistência que parecia condenada ao eterno retorno.

Fonte: Caiana, "Groupe Position". Consultado pela última vez em 6 de junho de 2024.

Crédito fotográfico: Vimeo. Consultado pela última vez em 6 de junho de 2024.