Biografia Louise Bourgeois – Arremate Arte

Louise Bourgeois foi uma escultora e artista plástica franco-americana cuja obra singular e multifacetada deixou uma marca indelével na arte contemporânea do século XX. Nascida em Paris, Bourgeois começou sua formação em arte na École des Beaux-Arts antes de se mudar para os Estados Unidos em 1938, onde construiu uma carreira prolífica e influente.

De uma família que trabalhava com restauração de tapeçarias, Bourgeois foi imersa no mundo da arte desde jovem. Sua formação acadêmica incluiu estudos em matemática e história da arte. Em Nova York, frequentou a Art Students League e a École des Beaux-Arts.

A habilidade de Bourgeois em trabalhar com uma variedade notável de materiais, era o que mais chamava atenção. Por sua autoria, passaram obras desde bronze e aço inoxidável até mármore e têxteis. Sua obra é caracterizada por uma riqueza estilística, transitando entre o surrealismo, a abstração e o expressionismo.

Bourgeois explorou temas psicológicos profundos e questões emocionais em sua obra. Sua capacidade de dar forma a experiências emocionais complexas e muitas vezes perturbadoras é evidente em obras como "Maman", onde a aranha colossal pode ser interpretada como um símbolo ambíguo de maternidade e medo.

A série "Cells", uma coleção de instalações tridimensionais, destaca-se como um testemunho da capacidade de Bourgeois de criar ambientes emocionalmente carregados. Esses espaços encapsulam objetos pessoais e elementos simbólicos, proporcionando uma experiência intensa ao espectador.

Apesar de uma carreira de longa data, Bourgeois recebeu reconhecimento mais amplo em seus últimos anos. Exposições retrospectivas importantes nas décadas de 1980 e 1990 solidificaram sua posição como uma das artistas mais importantes da época.

Louise Bourgeois faleceu em 2010, porém deixou um legado duradouro na arte contemporânea.

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Biografia Louise Bourgeois – Wikipédia

Louise Bourgeois (Paris, 25 de dezembro de 1911 - Nova Iorque, 31 de maio de 2010) foi uma artista plástica franco-americana, conhecida principalmente por sua escultura Maman, da qual existe uma versão em exposição no MAM-SP, na marquise do Parque Ibirapuera. Fortemente influenciada pelo surrealismo, pelo primitivismo e por escultores modernistas como Alberto Giacometti e Constantin Brancusi, seus trabalhos tendem a ser abstractos e altamente simbólicos, e estão presentes em vários espectáculos e colecções permanentes em museus ou galerias pelo mundo fora.

Primeiros anos

Bourgeois nasceu em 25 de dezembro de 1911 em Paris, França. Ela era a segunda de três filhos de Joséphine p e Louis Bourgeois. Seus pais eram proprietários de uma galeria que trabalhava principalmente com tapeçarias antigas. Alguns anos após seu nascimento, sua família se mudou de Paris e montou uma oficina de restauração de tapeçarias no andar de baixo de seu apartamento em Choisy-le-Roi, para a qual Bourgeois preenchia os desenhos onde haviam ficado gastos. A parte inferior das tapeçarias era sempre danificada, o que geralmente era resultado dos pés dos personagens e das patas dos animais.

Em 1930, Bourgeois entrou na Sorbonne para estudar matemática e geometria, assuntos que ela valorizava por sua estabilidade, dizendo: "Eu tive paz de espírito, somente através do estudo de regras que ninguém podia mudar".

Sua mãe morreu em 1932, enquanto Bourgeois estudava matemática. A morte de sua mãe a inspirou a abandonar a matemática e a começar a estudar arte. Ela continuou a estudar arte ingressando em aulas onde eram necessários tradutores para os alunos de língua inglesa, especialmente porque aos tradutores não era cobrada a mensalidade. Em uma dessas aulas, Fernand Léger viu seu trabalho e lhe disse que era escultora, não pintora. Bourgeois aceitou um trabalho como docente, conduzindo turnês no Museu do Louvre.

Bourgeois se formou na Sorbonne em 1935. Começou a estudar arte em Paris, primeiro na École des Beaux-Arts e École du Louvre, e depois de 1932 nas academias independentes de Montparnasse e Montmartre, como a Académie Colarossi, Académie Ranson, Académie Julian, Académie de la Grande Chaumière e com André Lhote, Fernand Léger, Paul Colin e Cassandre. Bourgeois tinha um desejo de experiência em primeira mão e visitava frequentemente estúdios em Paris, aprendendo técnicas com os artistas e auxiliando com exposições.

Ela abriu uma gráfica ao lado da galeria de tapeçaria de seu pai, onde conheceu o professor de arte americano Robert Goldwater como cliente. Eles se casaram e se mudaram para os Estados Unidos (onde ele lecionava na Universidade de Nova York). Tiveram três filhos, um foi adotado. O casamento durou até a morte de Goldwater, em 1973.

Bourgeois se assentou na cidade de Nova York com seu marido em 1938. Ela continuou seus estudos na Art Students League of New York, estudando pintura com Vaclav Vytlacil, e também produzindo esculturas e gravuras. "A primeira pintura tinha uma grade: a grade é uma coisa muito pacífica porque nada pode dar errado... tudo está completo". Não há espaço para a ansiedade... tudo tem um lugar, tudo é bem-vindo".

Bourgeois incorporou aquelas referências autobiográficas à sua escultura Quarantania I, em exposição no Cullen Sculpture Garden no Museum of Fine Arts, em Houston.

Anos médios

Para Bourgeois, o início dos anos 40 representou as dificuldades de uma transição para um novo país e a luta para entrar no mundo das exposições de Nova York. Sua obra durante esta época foi construída a partir de sucata e restos de madeira que ela usava para esculpir esculturas de madeira na vertical. As impurezas da madeira eram então camufladas com tinta, após o que foram utilizados pregos para inventar buracos e arranhões na tentativa de retratar alguma emoção. A Sleeping Figure é um exemplo que retrata uma figura de guerra que é incapaz de enfrentar o mundo real devido à vulnerabilidade. Ao longo de sua vida, o trabalho de Bourgeois foi criado a partir da revisitação de seu próprio passado conturbado, quando ela encontrou inspiração e catarse temporária de sua infância e do abuso que sofreu de seu pai. Lentamente ela desenvolveu mais confiança artística, embora seus anos médios sejam mais opacos, o que pode ser devido ao fato de ela ter recebido muito pouca atenção do mundo da arte apesar de ter sua primeira exposição individual em 1945. Em 1951, seu pai morreu e ela se tornou cidadã americana.

Em 1954, Bourgeois juntou-se ao American Abstract Artists Group, com vários contemporâneos, entre eles Barnett Newman e Ad Reinhardt. Nesta época ela também fez amizade com os artistas Willem de Kooning, Mark Rothko e Jackson Pollock. Como parte do American Abstract Artists Group, Bourgeois fez a transição da madeira e estruturas verticais para o mármore, gesso e bronze enquanto investigava preocupações como medo, vulnerabilidade e perda de controle. Esta transição foi um ponto de inflexão. Ela se referiu a sua arte como uma série ou sequência intimamente relacionada a dias e circunstâncias, descrevendo seu trabalho inicial como o medo de cair que mais tarde se transformou na arte de cair e a evolução final como a arte de aguentar-se ali. Seus conflitos na vida real lhe deram poder para autenticar suas experiências e lutas através de uma forma de arte única. Em 1958, Bourgeois e seu marido se mudaram para uma casa em terraço na West 20th Street, em Chelsea, Manhattan, onde ela viveu e trabalhou pelo resto de sua vida.

Apesar de ter rejeitado a idéia de que sua arte fosse feminista, o tema de Bourgeois era o feminino. Obras como Femme Maison (1946-1947), Torso self-portrait (1963-1964), Arch of Hysteria (1993), todas retratam o corpo feminino. No final dos anos 60, seu imaginário tornou-se mais explicitamente sexual ao explorar a relação entre homens e mulheres e o impacto emocional de sua infância conturbada. Esculturas sexualmente explícitas como Janus Fleuri, (1968) mostram que ela não tinha medo de usar a forma feminina de novas maneiras. Ela foi citada para dizer "Meu trabalho trata de problemas que são pré-gênero", escreveu ela. "Por exemplo, o ciúme não é masculino nem feminino". Com o avanço do feminismo, seu trabalho encontrou um público mais amplo. Apesar desta afirmação, em 1976 Femme Maison figurou na capa do livro From the Center: Feminist Essays on Women's Art de Lucy Lippard e tornou-se um ícone do movimento artístico feminista.

Últimos anos

Em 1973, Bourgeois passou a lecionar no Pratt Institute, Cooper Union, Brooklyn College e na New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. De 1974 até 1977, Bourgeois trabalhou na Escola de Artes Visuais de Nova York, onde ensinou gravura e escultura. Ela também foi professora por muitos anos nas escolas públicas de Great Neck, Long Island.

No início dos anos 70, Bourgeois realizou encontros chamados "Sunday, bloody Sundays" em sua casa em Chelsea. Estes salões estavam repletos de jovens artistas e estudantes cujo trabalho seria criticado por Bourgeois. A impiedade de sua crítica e seu senso de humor seco levaram Bourgeois a dar nome a estes encontros. Bourgeois inspirou muitos jovens estudantes a fazer arte de natureza feminista. Entretanto, o amigo e assistente de longa data de Louise, Jerry Gorovoy, declarou que Louise considerava seu próprio trabalho "pré-gênero".

Bourgeois alinhou-se com ativistas e tornou-se membro do Fight Censorship Group, um coletivo feminista anti-censura fundado pela colega artista Anita Steckel. Nos anos 70, o grupo defendeu o uso de imagens sexuais em obras de arte. Steckel argumentou: "Se o pênis ereto não é bom o suficiente para entrar em museus, ele não deve ser considerado bom o suficiente para entrar em mulheres".

Em 1978, Bourgeois foi encarregada pela Administração de Serviços Gerais de criar Facets of the Sun, sua primeira escultura pública. Bourgeois recebeu sua primeira retrospectiva em 1982, pelo Museu de Arte Moderna de Nova Iorque. Até então, ela havia sido uma figura periférica na arte cuja obra era mais admirada do que aclamada. Em uma entrevista ao Artforum, cronometrada para coincidir com a abertura de sua retrospectiva, ela revelou que a imagem em suas esculturas era totalmente autobiográfica. Aos setenta e um anos de idade, ela esculpiu Eyes, uma escultura de mármore agora em empréstimo permanente ao programa de arte pública da Universidade do Texas em Austin pelo The Met.

Em 1989, Bourgeois fez uma gravura em ponto seco, Mud Lane, da casa que ela mantinha em Stapleton, Staten Island, que ela tratava como um ambiente escultural e não como um espaço de moradia.

Bourgeois teve outra retrospectiva em 1989 na Documenta 9 em Kassel, Alemanha. Em 1993, quando a Royal Academy of Arts encenou sua pesquisa abrangente da arte americana no século XX, os organizadores não consideraram o trabalho de Bourgeois de importância significativa para incluir na pesquisa. Entretanto, esta pesquisa foi criticada por muitas omissões, com uma crítica escrevendo que "seções inteiras da melhor arte americana foram eliminadas" e apontando que muito poucas mulheres foram incluídas. Em 2000, seus trabalhos foram selecionados para serem mostrados na abertura do Tate Modern em Londres. Em 2001, ela expôs no Museu Hermitage.

Em 2010, no último ano de sua vida, Bourgeois usou sua arte para falar pela igualdade entre lésbicas, gays, bissexuais e transgêneros (LGBT). Ela criou a peça I Do, retratando duas flores crescendo de um caule, para beneficiar a organização sem fins lucrativos Freedom to Marry. Bourgeois disse: "Todos deveriam ter o direito de se casar". Assumir o compromisso de amar alguém para sempre é uma coisa linda" Bourgeois tinha um histórico de ativismo em favor da igualdade LGBT, tendo criado obras de arte para a organização ativista da AIDS ACT UP em 1993.

Morte

Bourgeois morreu de insuficiência cardíaca em 31 de maio de 2010, no Centro Médico Beth Israel em Manhattan Wendy Williams, diretora administrativa do Estúdio Louise Bourgeois, anunciou sua morte. Ela continuou a criar obras de arte até sua morte, sendo que suas últimas peças foram terminadas na semana anterior.

O New York Times disse que seu trabalho "compartilhava um conjunto de temas repetidos, centrados no corpo humano e em sua necessidade de cuidado e proteção em um mundo assustador".

Seu marido, Robert Goldwater, morreu em 1973. Deixou dois filhos, Alain Bourgeois e Jean-Louis Bourgeois. Seu primeiro filho, Michel, morreu em 1990.

Fonte: Wikipédia. Consultado pela última vez em 1 de fevereiro de 2024.

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Exposições

1992 - A Sedução dos Volumes: os tridimensionais do MAC

1996 - Inside the Visible

1996 - Inside the Visible

1996 - Inside the Visible

1996 - Inside the Visible

1996 - Inside the Visible

1996 - Tempo

2002 - Tempo

2003 - MAC USP 40 Anos: interfaces contemporâneas

2003 - Happiness: a survival guide for art and life

2008 - The fabric of myth

2008 - Life? Biomorphic Forms in Art

2008 - Toque

Exposições Póstumas

2011 - Louise Bourgeois: o retorno do desejo proibido

2011 - Louise Bourgeois: o retorno do desejo proibido

2013 - Elles - Mulheres artistas na coleção do Centre Georges Pompidou

2014 - One Another: Spiderlike, I Spin Mirrors

2014 - Unbound: Contemporary Art After Frida Kahlo

2014 - Edições e Múltiplos: do concretismo ao contemporâneo

2017 - MAC USP no Século 21: a era dos artistas

2017 - Histórias da Sexualidade

2018 - A marquise, o MAM e nós no meio

2018 - Ecstasy

2018 - Mulheres na Coleção MAR

2019 - Acervo em transformação: Museum of Contemporary Art Chicago no MASP

2019 - Spider (Aranha)

2019 - Spider (Aranha)

2021 - Não um Sonho

2022 - Setas e Turmalinas

Fonte: LOUISE Bourgeois. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileira. São Paulo: Itaú Cultural, 2024. Acesso em: 05 de fevereiro de 2024. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7

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Louise Bourgeois: uma vida que entrou para história da arte – Fundação Iberê Camargo

Louise Bourgeois (1911-2010) foi uma das artistas mais emblemáticas da história da arte de grande parte do século 20 e começo do 21: quebrou a barreira, até então existente no plano da teoria, entre a vida e a arte. Ela usou suas emoções como matéria-prima da sua obra, percorrendo temas como a sexualidade e a memória.

Sua carreira foi fortemente influenciada pelos eventos psicológicos traumáticos de sua infância, particularmente a infidelidade do pai. O tema principal abordado por Bourgeois, frequentemente chocante e sexualmente explícito, e o seu foco nas formas tridimensionais eram raros para as mulheres de sua época.

Na década de 1970, aos domingos, promovia salões em seu apartamento no bairro de Chelsea, em Nova York, onde estudantes e jovens artistas levavam trabalhos para serem analisados por Bourgeois, que podia ser implacável e se referia às reuniões, com humor tipicamente seco, como “Sunday, bloody Sunday”.

Relação maternal com as aranhas

A arte de Louise Bourgeois é conhecida pelo seu conteúdo temático altamente pessoal envolvendo o desejo inconsciente, sexual e do corpo. Os temas se baseiam em eventos da sua infância para os quais ela se apropriou da arte para realizar um processo terapêutico ou catártico. Transformou suas experiências em uma linguagem visual altamente pessoal, por meio do uso de imagens mitológicas e arquetípicas, adotando objetos como espirais, gaiolas, ferramentas médicas e as famosas aranhas para simbolizar a psique feminina, a beleza e a dor psicológica.

Em entrevista a Suzanne Pagé – curadora e atual diretora artística da Louis Vuitton Foundation for Creation, em Paris – e Béatrice Parent – curadora no Museu de Arte Moderna de Paris -, a artista explica a existência de um duplo tema no caso das obras em que representa a aranha: “A aranha é protetora, a nossa protetora contra os mosquitos. […] A outra metáfora é que a aranha representa a mãe. A minha mãe era a minha melhor amiga. Ela era inteligente, paciente, tranquilizadora, delicada, trabalhadora, indispensável e, sobretudo, ela era tecelã – como a aranha. Para mim, as aranhas não são aterradoras.”

Infância

Louise Bourgeois nasceu em Paris, em 25 de dezembro de 1911, e recebeu o nome de seu pai, Louis, que queria um filho homem. Na maior parte do ano, a família vivia no elegante St. Germain, em um apartamento acima da galeria onde os pais vendiam tapeçarias. Os Bourgeois também tinham uma villa e oficina no campo, onde passavam os fins de semana restaurando tapeçarias antigas.

Durante toda sua infância, Louise foi recrutada para ajudar lavando, reparando, costurando e desenhando. A oficina era supervisionada pela mãe Josephine, com quem tinha muita proximidade. Mas foram as tensões, particularmente o fato de que a amante de seu pai (que também era tutora de Louise) residia com a família, que mais tarde viriam a formar a arte altamente autobiográfica de Bourgeois.

Primeiros passos

No início da década de 1930, Louise Bourgeois estudou matemática e filosofia na Sorbonne. Depois da morte de sua mãe, em 1932, começou a estudar arte, se matriculando em várias escolas e ateliês, incluindo a Ecole des Beaux-Arts, Academie Ranson, Academie Julian e Academie de la Grande-Chaumière.

Seu primeiro apartamento em Paris ficava na Rue de Seine, no mesmo prédio de André Breton, da Galerie Gradiva, onde se familiarizava com o trabalho dos surrealistas. Em 1938, começou a exibir suas obras no Salon d’Automne e abriu a própria galeria em uma área separada do showroom de tapeçarias de pai, exibindo impressões e pinturas. Em sua curta carreira como negociante de arte, conheceu o historiador de arte Robert Goldwater, com quem se casou e se mudou para a cidade de Nova York em 1938.

Amadurecimento artístico

Chegando à Nova York, Bourgeois entrou para Art Students League e concentrou sua atenção na gravura e pintura, enquanto também teve três filhos em quatro anos.

Durante as décadas de 1940 e 1950, Goldwater lhe apresentou a uma infinidade de artistas, críticos e comerciantes de Nova York, incluindo o importante Alfred Barr, diretor do Museu de Arte Moderna, que comprou uma de suas obras para a coleção MoMA em 1953.

Consolidação e prestígio

O marido de Bourgeois morreu em 1973, mesmo ano em que ela começou a dar aula em várias instituições da cidade de Nova York. Politicamente ativa como socialista e feminista, se juntou ao Fight Censorship Group, que defendia o uso de imagens sexualmente explícitas na arte. Louise fez várias de suas próprias obras sexualmente explícitas relacionadas ao corpo feminino, como Fillette (1968).

Fonte: Fundação Iberê Camargo. Consultado pela última vez em 5 de fevereiro de 2024.

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Artista Louise Bourgeois morre aos 98 – Folha de São Paulo

A artista Louise Bourgeois, nascida na França e naturalizada norte-americana, uma das mais respeitadas escultoras do mundo, morreu ontem aos 98 anos no Centro Médico Beth Israel, em Manhattan (Nova York).

Ela estava internada desde a noite de sábado devido a um ataque cardíaco.

Bourgeois ficou conhecida por esculturas de aranhas gigantes e pela abordagem controversa sobre sexualidade, nascimento e morte.

Ela produziu até pouco antes de morrer. Finalizou trabalhos na semana passada, segundo a diretora de seu estúdio, Wendy Williams.

Ela não ganhou fama fora de um círculo especializado até passar dos 70 anos. Em 1982, o Museu de Arte Moderna de NY fez uma exposição exclusiva de sua carreira, tornando-a mais conhecida.

Para o crítico de arte Robert Hughes, Bourgeois era a "mãe da identidade feminina artística americana", cuja "influência em jovens artistas é enorme".

"Eu realmente quero preocupar as pessoas, incomodar as pessoas", disse ela ao "Washington Post" em 1984. "Se dizem incomodados pelas genitálias duplas de meu trabalho. Bem, isso me incomodou a vida inteira."

Bourgeois nasceu em Paris, em 1911, em uma família que se dedicava a restaurar tapeçarias. Mudou com o marido americano, o historiador de arte Robert Goldwater, para Nova York em 1938. Lá, concentrou-se em estudos artísticos.

Na década de 1940, Bourgeois passou a dedicar-se à escultura. Em 1955, se tornou cidadã americana.

"Maman" (1999), uma aranha de nove metros de altura, é um dos destaques de sua obra, exibida na Tate Modern, de Londres.

Outra peça, "Aranha", faz parte do acervo do Museu de Arte Moderna, no Ibirapuera, em São Paulo, em 1996. A obra foi exibida na 23ª Bienal de São Paulo, da qual ela fez o cartaz.

Bourgeois ganhou em 1997, das mãos do ex-presidente Bill Clinton, a Medalha Nacional de Arte dos EUA.

Viúva desde 1973, ela deixa dois filhos, dois netos e um bisneto. Um terceiro filho, Michel, morreu em 1990.

Fonte: Folha de São Paulo, "Artista Louise Bourgeois morre aos 98", escrito por Andrea Murta de Washington, publicado em 1 de junho de 2010. Consultado pela última vez em 5 de fevereiro de 2024.

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As icônicas esculturas de aranhas de Louise Bourgeois têm uma história surpreendente, veja 4 curiosidades – Das Artes

A arte de Louise Bourgeois assumiu muitas formas diferentes e frequentemente explorava tópicos como memória, sexo e trauma. Mas os trabalhos que vieram para definir a carreira da artista tardia são suas esculturas de aranhas, algumas das quais se erguem até 10m de altura no ar e como se fossem ameaças pairam sobre as cabeças dos espectadores. Abaixo está um guia para a prática escultural de Bourgeois e por que mais tarde em sua vida ela escolheu a aranha como o tema de seu trabalho.

Traumas na infância e experimentos no início da carreira lançaram o interesse para as aranhas

Nascida em Paris em 1911, Bourgeois começou a fazer desenhos para o negócio de restauração de tapeçaria de seus pais desde o início. Ela lembrava com frequência que, quando criança, percebeu que seu pai estava tendo um caso com sua tutora. Depois de estudar nas mais importantes escolas de arte de Paris, ela se mudou para Nova York em 1938 para estudar na Art Students League. Enquanto suas primeiras peças eram pinturas e gravuras, ela começou a criar esculturas na década de 1940, concentrando-se primeiro em trabalhos em madeira e preparando as bases para suas esculturas de aranha décadas depois.

Em 1949, Bourgeois realizou uma exposição solo dedicado a suas esculturas na Peridot Gallery, em Nova York. A exposição apresentou suas esculturas de madeira, “Personnages”, que ela criou de 1945 a 1955. Esses esbeltos trabalhos abstratos possuem características idiossincráticas, como curvas e fendas. A artista disse que essas obras serviam de veículo através do qual ela lutava com lembranças de pessoas de sua infância e juventude em Paris – comentários que prenunciam os que ela mais tarde faria sobre suas aranhas.

Nas décadas seguintes, o trabalho burguês expandiu-se dramaticamente em escala

Após sua primeira mostra solo em Nova York, Bourgeois continuou empurrando sua arte em novas direções. Nos anos 50, espirais começaram a aparecer com frequência em suas esculturas. Uma vez, ela descreveu a forma retorcida, que se tornaria um tema central em muitas de suas esculturas, gravuras e pinturas posteriores, como uma representação de “controle e liberdade” para ela. O artista começou a usar materiais como bronze, gesso e mármore na década de 1960 para fazer esculturas baseadas na anatomia humana, de membros e seios a genitais.

Essas obras acabaram estabelecendo o sentimento de inquietação e estranheza que seria sentido em grande parte da arte burguesa a partir de então. Com a série “Cells”, que Bourgeois começou a criar em 1989, vários anos após sua retrospectiva de 1982 no Museu de Arte Moderna, a artista abordou a noção de armadilha. Ela formou barreiras impenetráveis ​​com seus ambientes enjaulados, contendo esculturas e itens diversos, como móveis, tapeçarias e roupas. Essas esculturas psicologicamente carregadas visam estados de isolamento.

Bourgeois começou a criar suas esculturas icônicas de aranhas no final de sua carreira

Bourgeois começou a criar suas famosas esculturas de aranhas de aço nos anos 1990. A artista já havia experimentado formas aracnídeas em dois desenhos a tinta e carvão feitos em 1947, mas sua série escultural levaria essas ideias a uma escala monumental. Talvez influenciada em parte por seus primeiros anos no ramo de restauração de tapeçaria, Bourgeois explicou uma vez que escolheu a aranha como um tema, porque seus traços a faziam lembrar a mãe. “Ela foi deliberada, inteligente, paciente, calmante, razoável, delicada, sutil, indispensável, pura e tão útil quanto uma aranha”, disse a artista.

Maman, que foi criada para a inauguração da Tate Modern em Londres em 2000 e permanece na coleção da instituição, é a maior das aranhas de Bourgeois. Os visitantes podem navegar pelas oito pernas abertas da criatura e espiar seu corpo, um elegante nó de formas em espiral. Sob o corpo, a aranha em grande escala carrega um saco de ovos de mármore. Um dos seis moldes de bronze da siderurgia original fica grandemente em uma praça externa no Guggenheim Bilbao, na Espanha. Edições de Maman também podem ser encontradas nas coleções da Galeria Nacional do Canadá, em Ottawa, no Museu de Arte Americana Crystal Bridges, em Bentonville, Arkansas e em outras instituições internacionais.

As aranhas de Bourgeois continuam sendo fontes de intrigas duradouras para muitos

Tendo sido objeto de uma exposição pública no Rockefeller Center, em Nova York, em 2001, uma exibição de longo prazo no Museu de Arte Moderna de São Francisco, a partir de 2017, e muitos outros espaços ao redor do mundo. Bourgeois criou aranhas de todos os tamanhos diferentes, incluindo de pequena escala e séries sobrepostas de pernas e corpos nos anos 2000. Um corpo crítico de trabalho em uma longa prática de exploração da psicologia, da emoção e das complexidades das relações humanas, as aranhas de Bourgeois tornaram-se algumas das esculturas mais amplamente reconhecidas no mundo.

Fonte: Das Artes. Consultado pela última vez em 5 de fevereiro de 2024.

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Maman, a escultura – Wikipédia

Maman (1999) é uma escultura em bronze, aço inoxidável e mármore em vários locais da artista Louise Bourgeois. A escultura, que representa uma aranha, está entre as maiores do mundo, medindo mais de 30 pés de altura e mais de 33 pés de largura (927 x 891 x 1.024 cm).Inclui um saco contendo 32 ovos de mármore e seu abdômen e tórax são feitos de bronze polido.

O título é uma palavra francesa para Mãe (semelhante a Múmia). A escultura foi criada em 1999 por Bourgeois como parte de sua encomenda inaugural da The Unilever Series (2000), no Turbine Hall da Tate Modern de Londres. Este original foi criado em aço, com uma edição de seis peças fundidas subsequentes em bronze.

Bourgeois escolheu a Modern Art Foundry para fundir a escultura devido à sua reputação e trabalho.

Filosofia e Significado

A escultura retoma o tema do aracnídeo que Bourgeois contemplou pela primeira vez em um pequeno desenho a tinta e carvão em 1947, continuando com sua escultura de 1996, Spider. Alude à força da mãe de Bourgeois, com metáforas de fiar, tecer, nutrir e proteger. Sua mãe, Josephine, era uma mulher que consertava tapeçarias na oficina de restauração têxtil de seu pai em Paris. Quando Bourgeois tinha 21 anos, ela perdeu a mãe devido a uma doença desconhecida. Poucos dias depois do falecimento da mãe, na frente do pai (que não parecia levar a sério o desespero da filha), Louise se jogou no rio Bièvre; ele nadou para resgatá-la.

"A Aranha é uma ode à minha mãe. Ela era minha melhor amiga. Como uma aranha, minha mãe era tecelã. Minha família trabalhava na restauração de tapeçarias e minha mãe era responsável pela oficina. Assim como as aranhas, minha mãe era muito esperta. As aranhas são presenças amigáveis ​​que comem mosquitos. Sabemos que os mosquitos transmitem doenças e, portanto, são indesejados. Então, as aranhas são úteis e protetoras, assim como minha mãe." — Louise Bourgeois 

Locais permanentes

Tate Modern, Reino Unido – A aquisição permanente desta escultura em 2008 é considerada um dos momentos históricos da Tate Modern. Maman foi exibida pela primeira vez no Turbine Hall e posteriormente exibida fora da galeria em 2000. Foi recebida com reações mistas de espanto e diversão. A escultura de propriedade da Tate Modern é a única feita em aço inoxidável.

Galeria Nacional do Canadá, Ottawa, Canadá - A Galeria Nacional do Canadá adquiriu a escultura em 2005 por 3,2  milhões de dólares. O preço custou cerca de um terço do orçamento anual da galeria.

Museu Guggenheim Bilbao, Espanha

Museu de Arte Mori, Tóquio, Japão  – Em exposição na base da Torre Mori, fora do museu.

Museu Crystal Bridges de Arte Americana, Bentonville, Arkansas, Estados Unidos

Centro Nacional de Convenções do Catar, Doha, Catar

Locais temporários

Os passeios e exposições de Maman incluem:

2001: Rockefeller Center Plaza, Nova York

2001: Prefeitura, Haia, Países Baixos

2002: Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo, Rússia

2003: Nytorv, Copenhague, Dinamarca

2005: Havana, Cuba

2006: Mariakerke, Oostende, Bélgica

2007: Castelo Wanås, Suécia

2008: Jardim das Tulherias, Paris, França

2008: Centro Pompidou, Paris, França

2007-2008: Institute of Contemporary Art, Boston, Massachusetts 27 de março de 2007 – 2 de março de 2008 

2008-2009: Museo di Capodimonte, Nápoles, Itália 18 de outubro de 2008 – 25 de janeiro de 2009

2011: Fundação Proa, Buenos Aires, Argentina

2011: Museu de Arte Moderna (MAM), São Paulo, Brasil

2011: Bundesplatz, Berna, Suíça, 24 de maio – 7 de junho

2011 Bürkliplatz, Zurique, Suíça, 10 de junho a 2 de agosto

2011 Place Neuve, Genebra, Suíça, 3 a 28 de agosto

2011-2012 Fundação Beyeler, Riehen / Basel, Suíça, 3 de setembro de 2011 – 8 de janeiro de 2012

2012 Hamburger Kunsthalle, Hamburgo, Alemanha, 23 de janeiro a 17 de junho

Centro Nacional de Convenções do Catar 2012, Catar – A escultura Maman ; exibido de 20 de janeiro a 1º de junho, no Centro de Convenções Nacional do Qatar, como peça central da exposição Consciente e Inconsciente; a primeira exposição individual do trabalho de Bourgeois a ser exibida no Oriente Médio. A exposição foi organizada pela Autoridade de Museus do Qatar.

2012-2013 Roppongi Hills, Tóquio, Japão

Centro de Convenções Nacional do Catar 2014, Ad-Dawhah, Catar, fevereiro

2013-2014 Palacio de Bellas Artes, Cidade do México, México, 15 de novembro de 2013 – 2 de março de 2014

2015 Moderna Museet, Estocolmo, Suécia, janeiro de 2015 – 17 de maio

2020 Museum Voorlinden, Haia, Holanda, até 17 de maio

2020-2021 Fundação de Serralves, Porto, Portugal, dezembro de 2020 - fevereiro de 2021

2022 Centro Cultural da Fundação Stavros Niarchos, Atenas, Grécia, 30 de março a 6 de novembro

2023 Palace Park em Oslo, Noruega, 24 de abril a agosto

2023-2024 Art Gallery of New South Wales em Sydney, Austrália, 25 de novembro de 2023 - 28 de abril de 2024

Fonte: Wikipédia. Consultado pela última vez em 5 de fevereiro de 2024.

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Escultura de aranha é leiloada pelo recorde de US$ 32,8 milhões — Correio Braziliense

A obra, que mede cerca de três metros de altura e 5,4 metros de largura, foi concluída por Bourgeois em 1996 e é uma das quatro aranhas monumentais a leilão.

Uma escultura de aranha gigante da artista franco-americana Louise Bourgeois foi vendida por US$ 32,8 milhões (em torno de 163 milhões de reais) na quinta-feira (18), estabelecendo um recorde para a obra de uma escultora em um leilão — informou a Sotheby's.

A obra, que mede cerca de três metros de altura e 5,4 metros de largura, foi concluída por Bourgeois em 1996 e é uma das quatro aranhas monumentais a leilão. A Sotheby's não identificou o comprador.

O vendedor, informou a casa, foi a Fundação Itaú, do Brasil, que adquiriu a obra há menos de 25 anos.

Bourgeois nasceu em Paris, mas passou boa parte de sua vida em Nova York, onde se tornou conhecida por suas icônicas instalações artísticas. Faleceu em 2010, aos 98 anos.

Ela foi uma pintora e gravadora prolífica, mas se tornou famosa, principalmente, por suas esculturas em grande escala, em particular, as aranhas ágeis e esguias. Segundo ela, essas aracnídeas evocavam lembranças de sua mãe, tanto como uma sinistra ameaça quanto como uma dedicada tecelã.

As aranhas monumentais de Bourgeois apareceram em espaços públicos, incluindo o Museu Guggenheim de Bilbao, na Espanha; a Tate Modern de Londres; o Museu de Arte Moderna de San Francisco; e a National Gallery of Art de Washington, D.C.

Fonte: Correio Braziliense. Publicado em 19 de maio de 2023. Consultado pela última vez em 5 de fevereiro de 2024.

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O que foi o Grupo Americano de Artistas Abstratos? — Wikipédia

A American Abstract Artists (AAA) foi formada em 1936 na cidade de Nova Iorque, para promover e fomentar a compreensão pública da arte abstrata. As exposições, publicações e palestras da American Abstract Artists ajudaram a estabelecer a organização como um importante fórum para a troca e discussão de ideias e para a apresentação da arte abstrata a um público mais amplo. O grupo American Abstract Artists contribuiu para o desenvolvimento e aceitação da arte abstrata nos Estados Unidos e tem um papel histórico na sua vanguarda. É uma das poucas organizações de artistas que sobreviveu à Grande Depressão e continuou no século XXI.

Fonte: Wikipédia. Consultado pela última vez em 5 de fevereiro de 2024.

Crédito fotográfico: The Times. Consultado pela última vez em 5 de fevereiro de 2024.