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Marie Laurencin
Marie Laurencin (31 de outubro de 1883, Paris, França — 8 de junho de 1956, Paris, França), mais conhecida como La Fauvette, foi uma pintora, gravurista, desenhista, cenógrafa e poetisa francesa. A artista ocupou um papel muito importante dentro da vanguarda francesa, destacando-se por seus delicados retratos de mulheres elegantes e vagamente melancólicas. Estudou arte na Academia Humbert em Paris, entre seus colegas estava Georges Braque, que, com Picasso, logo desenvolveu o cubismo. Suas pinturas geralmente são representações estilizadas de mulheres e meninas pálidas e de olhos escuros pintadas em cores pastel. Durante sua vida, ela foi uma pintora de retratos muito procurada de notáveis celebridades parisienses, incluindo Coco Chanel.
Biografia — Wikiwand Marie Laurencin
Laurencin nasceu em Paris, onde foi criada por sua mãe e viveu grande parte de sua vida. Aos 18 anos, estudou pintura em porcelana em Sèvres. Ela então retornou a Paris e continuou sua educação artística na Académie Humbert, onde mudou seu foco para a pintura a óleo.
Durante os primeiros anos do século 20, Laurencin foi uma figura importante na vanguarda parisiense. Membro do círculo de Pablo Picasso e cubistas associados à Section d'Or, como Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier e Francis Picabia, expondo com eles no Salon des Indépendants (1910-1911) e o Salon d'Automne (1911-1912), e Galeries Dalmau (1912) na primeira exposição cubista na Espanha.
Ela se envolveu romanticamente com o poeta Guillaume Apollinaire, e muitas vezes tem sido identificada como sua musa. Além disso, Laurencin tinha importantes conexões com o salão da expatriada americana e escritora lésbica Natalie Clifford Barney. Ela tinha relacionamentos com homens e mulheres, e sua arte refletia sua vida, seus "fantasmas baléticos" e "amazonas de lado" fornecendo ao mundo da arte sua marca de "femme queer com um toque gaulês".
Durante a Primeira Guerra Mundial, Laurencin deixou a França para o exílio na Espanha com seu marido nascido na Alemanha, o barão Otto von Waëtjen, já que através de seu casamento ela perde automaticamente sua cidadania francesa. O casal posteriormente viveu juntos brevemente em Düsseldorf. Ela foi muito afetada por sua separação da capital francesa, o centro incomparável da criatividade artística. Depois que eles se divorciaram em 1920, ela retornou a Paris, onde alcançou sucesso financeiro como artista até a depressão econômica da década de 1930. Durante a década de 1930, ela trabalhou como instrutora de arte em uma escola particular e viveu em Paris até sua morte.
Carreira
As obras de Laurencin incluem pinturas, aquarelas, desenhos e gravuras. Ela é conhecida como uma das poucas mulheres pintoras cubistas, com Sonia Delaunay, Marie Vorobieff e Franciska Clausen. Enquanto seu trabalho mostra a influência dos pintores cubistas Pablo Picasso e Georges Braque, que era seu amigo íntimo, ela desenvolveu uma abordagem única para a abstração que muitas vezes se centrava na representação de grupos de mulheres e animais.
Seu trabalho está fora dos limites das normas cubistas em sua busca de uma estética especificamente feminina pelo uso de cores pastel e formas curvilíneas. Originalmente influenciada pelo fauvismo, ela simplificou suas formas através da influência dos pintores cubistas. A partir de 1910, sua paleta consistia principalmente em tons de cinza, rosa e pastel.
Seu estilo distinto se desenvolveu após seu retorno a Paris na década de 1920 após o exílio. As cores suaves e os padrões geométricos herdados do cubismo foram substituídos por tons claros e composições ondulantes. Seu motivo de assinatura é marcado por figuras femininas esbeltas e etéreas e uma paleta de cores pastéis suaves, evocando um mundo encantado.
Laurencin continuou a explorar temas de feminilidade e o que ela considerava modos femininos de representação até sua morte. Suas obras incluem pinturas, aquarelas, desenhos e gravuras.
Coleções
As realizações artísticas de Laurencin são vistas em coleções ao redor do mundo. No 100º aniversário de seu nascimento em 1983, o Musée Marie Laurencin foi inaugurado em Nagano, Japão. Até o momento, o Musée Marie Laurencin é o único museu do mundo que contém apenas a arte de uma pintora.
O fundador Masahiro Takano estava apaixonado pela visão de mundo sensual e lírica de Laurencin, e o museu possui mais de 600 peças de arte dela. O trabalho de Laurencin também é encontrado no Museu de Arte Moderna de Nova York, no Museu Hermitage em São Petersburgo e na Tate Gallery em Londres. Seu trabalho também é exibido na coleção permanente da galeria Musée de l'Orangerie em Paris, França, abrigando algumas de suas peças mais famosas.
Fonte: Wikiwand, Marie Laurencin. Consultado pela última vez em 8 de março de 2022.
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Biografia — Museu Marie Laurencin
Pintando mulheres de Paris, Marie Laurencin ocupou um lugar único entre os pintores que trabalhavam no início deste século.
Através de seu encontro com Guillaume Apollinaire, um poeta, e seu conhecimento com Georges Braque, Pablo Picasso e seu círculo, ela foi apresentada aos movimentos do cubismo e do fauvismo, mas permaneceu periférica a eles.
Ela pintou retratos delicadamente simplificados de meninas em cores pastel e se estabeleceu com seu estilo original de pintura entre os talentosos talentos da l'école de Paris.
Com seus primeiros esboços realistas e os trabalhos maduros de seus últimos anos, sua carreira envolveu um desenvolvimento mais ou menos constante em direção a uma síntese de desenhos claros e delicados, sempre mediados por uma preocupação com a sensibilidade e o lirismo.
Exceto algumas naturezas-mortas de flores e paisagens, ela se concentrou totalmente em retratos de mulheres de Paris, tentando capturar uma imagem eterna de meninas brincando com gamos, éguas e cães, aplicando toques delicadamente decorativos e transparentes.
Embora ela tenha emprestado alguns truques de estilização de seus amigos cubistas, suas linhas permaneceram simples e seu assunto fiel à imagem real. O que captura nossos olhos é a melancolia que transborda dos retratos. A habilidade de Laurencin de dividir o objeto em planos separados e simplificados de cor, rosa, malva, azul e cinza, dá a sensação de erotismo e inteligência abafados e ajuda a dar um efeito sonhador e velado às suas fotos.
Além de penture pure, ela tentou sua mão em decoração e figurinos para o Ballet Russes e Comedie Française. Ela também ilustrou vários livros com litografias e manifestou seu talento no gênero de arte aplicada. A partir do final da década de 1920, sua arte adotou mais cores e tornou-se rica e luxuosa e, ao mesmo tempo, começou a perder a atmosfera melancólica que antes tremeluzia em seus quadros.
Em todas as fases de seus 50 anos e mais de sua carreira, Laurencin perseguiu uma aventura única na arte exclusivamente acessível à mulher.
O Museu Marie Laurencin
O Museu Marie Laurencin foi criado em comemoração ao centenário de nascimento do pintor cujas obras o fundador do museu, Masahiro Takano, coleciona há muitos anos no Planalto de Tateshina, em Nagano.
Enquanto foi fechado em 2011 sob as circunstâncias infelizes. Após o grande sucesso da tentativa de exposição retrospectiva das obras de Marie Laurencin (1883-1956) realizada no Museu Marmottan-Monet em Paris, francês, o Museu Marie Laurencin foi reaberto no novo casaco de jardim Otani de Kioicho, Chiyoda- ku, Tóquio em julho de 2017.
É o único museu de arte especializado do mundo que contém as obras da pintora feminina. Marie Laurencin que retratou um mundo único de sensualidade e lirismo.
Atualmente, a coleção é composta por mais de 600 itens: pintura, aquarela, desenhos, gravuras e livros ilustrados que cobrem toda a sua vida profissional, desde os primeiros anos até os últimos anos. Esperamos que este Museu sirva como uma modesta ponte ligando a relação cultural da França, Europa e Japão.
Fonte: Marie Laurencin Museum. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
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Biografia — Wikipédia
Laurencin nasceu em Paris, onde foi criada por sua mãe. Durante o período da I Grande Guerra, Laurencin deixou a França e foi para a Espanha com seu marido alemão Baron Otto von Waëtjen. O casal viveu junto durante em Düsseldorf por alguns anos. No entanto, em 1920, após se divorciar, Laurencin voltou à Paris.
Nos primeiros anos do século XX, Laurencin ocupou um papel muito importante dentro da vanguarda francesa. Neste mesmo período, envolveu-se em um relacionamento amoroso com o poeta Guillaume Apollinaire. A artista também é lembrada como a única mulher cubista.
Apesar de sua obra ser claramente influenciada por Pablo Picasso e Georges Braque, ela desenvolveu uma visão própria da abstração que frequentemente se centralizava na representação da mulher e de comunidades femininas.
A evolução do trabalho de Laurencin apresenta uma tentativa de inovar através do uso de uma estética feminina específica com o uso de pastéis e formas curvilíneas.
Tanto em sua pintura quanto em seus desenhos e impressões, Laurencin continuou a explorar temas femininos e aquilo que ela considerava desta forma até sua morte.
Em 1983, no centésimo aniversário do nascimento da artista, o Museu Marie Laurencin foi aberto na prefeitura de Nagano, no Japão. Atualmente, a casa hospeda mais de 500 trabalhos de autoria dela, bem como um arquivo.
Fonte: Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Exposições Individuais
1907 - Individual Marie Laurencin no Salon des Indépendants
Exposições coletivas
1910/1911 - Salon des Indépendants
1911-1912 - Salon d'Automne
1912 - Galeries Dalmau
1912 - Marie Laurencin e Robert Delaunay, Galerie Barbazanges
1913 - New York Armory Show
1930 - Exposition de l'École de Paris
Exposições Póstumas
1973 - 36 Artistas Estrangeiros: gravuras
1995 - Modernismo Paris Anos 20: vivências e convivências
2002 - Modernismo: da Semana de 22 à seção de arte de Sérgio Milliet
2002 - No Tempo dos Modernistas: D. Olivia Penteado, a senhora das artes
2004 - Gabinete de Papel
Exposições Permanentes
Galeria de Arte de Nova Gales do Sul, Sydney, Austrália
Art Institute of Chicago
Chi-Mei Museum, Taiwan
Cleveland Museum of Art
Dallas Museum of Art
Fine Arts Museums of San Francisco
Hermitage Museum, São Petersburgo, RússiaIndianapolis Museum of Art
Los Angeles County Museum of Art
Musé d'Orsay, Paris
Musée Marie Laurincin, Tokyo
Museu de Arte de São Paulo, Brazil
Museum of Fine Arts, Boston
Museum of Modern Art, New York
National Museum of Women in the Arts, Washington, DC
Philadelphia Museum of Art
Tate Gallery , Londres
Fontes:
MARIE Laurencin. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileira. São Paulo: Itaú Cultural, 2022. Acesso em: 07 de março de 2022. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7
Rehs Gallery, Marie Laurencin. Consultado pela última vez em 8 de março de 2022.
Fauvismo
O fauvismo ou fovismo é uma corrente artística do início do século XX, que se desenvolveu de 1905 até a segunda metade de 1907. O nome fauvismo vem da expressão "les fauves'' (que em francês quer dizer feras, animais selvagens). O nome foi dado pelo crítico de arte Louis Vauxcelles (1870-1943) de forma pejorativa, para identificar um grupo de pintores que produziram criações inovadoras e chocantes para o seu tempo.
O grupo, bastante heterogêneo, pregava o uso de cores fortes, formas simplificadas, e, de modo geral, em obras que celebravam a alegria. Os grandes nomes dessa geração foram Henri Matisse, Albert Marquet, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy e André Derain.
A simplificação das formas e utilização maciça de cores puras são características marcantes, assim como as pinceladas, largas e definitivas, que continham espontânea gestualidade.
Além disso, também são características deste estilo o uso da cor na delimitação dos planos e na sensação de profundidade, movimento rítmico sugerido pelas linhas, texturas e pela continuidade dos elementos desenhados, a impulsividade e experimentação, em vez de exaustivos estudos preparatórios e a retratação de temas quotidianos que retratavam emoções e a alegria de viver.
Fontes: Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Cultura Genial, "Fauvismo". Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Cubismo
O cubismo é o primeiro movimento das vanguardas europeias e surgiu em 1907, com a obra As senhoritas de Avignon, de Pablo Picasso. Assim, esse movimento aconteceu em uma época marcada por inovações tecnológicas, quebra com o pensamento tradicional e tensão política que precedeu a Primeira Guerra Mundial (1914-1918).
A origem do termo “cubismo” vem da figura geométrica do cubo e trata-se da representação das formas da natureza por meio de figuras geométricas, ilustrando as partes de um objeto no mesmo plano, como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador, sem nenhum compromisso com a aparência real das coisas.
O cubismo quebra completamente a formação tradicional, apresentando relações e formas não acabadas. Outras características marcantes do cubismo são o rompimento dos conceitos de harmonia, proporção, beleza e perspectiva e o uso de cores mais fechadas.
Fontes:
Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Mundo Educação, "Cubismo", publicado por Warley Souza. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Section d'Or
A Section d'Or ("Seção Dourada"), também conhecida como Groupe de Puteaux ou Grupo Puteaux, era um coletivo de pintores , escultores, poetas e críticos associados ao cubismo e ao orfismo. Com sede nos subúrbios parisienses, o grupo realizou reuniões regulares na casa dos irmãos Duchamp em Puteaux e no estúdio de Albert Gleizes em Courbevoie. Ativo de 1911 a cerca de 1914, os membros do coletivo ganharam destaque na sequência de sua polêmica exibição no Salon des Indépendants na primavera de 1911. Esta exibição de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier, Fernand Léger e Marie Laurencin (a pedido de Apollinaire), criaram um escândalo que trouxe o cubismo à atenção do público em geral pela primeira vez.
O Salon de la Section d'Or, realizado em outubro de 1912 - a maior e mais importante exibição pública de obras cubistas antes da Primeira Guerra Mundial - expôs o cubismo a um público ainda mais amplo. Após a guerra, com o apoio do marchand Léonce Rosenberg, o cubismo voltou à linha de frente da atividade artística parisiense. Vários elementos do Groupe de Puteaux montariam mais duas grandes exposições: Section d'Or, em 1920 e em 1925, com o objetivo de revelar todo o processo de transformação e renovação ocorrido desde o início do cubismo.
O grupo parece ter adotado o nome "Section d'Or" como uma homenagem à harmonia matemática associada a Georges Seurat e para se distinguir do estilo mais estreito do cubismo desenvolvido em paralelo por Pablo Picasso e Georges Braque no bairro de Montmartre de Paris. Além disso, o nome foi para destacar que o cubismo, em vez de ser uma forma de arte isolada, representava a continuação de uma grande tradição; de fato, a proporção áurea, ou seção áurea (francês : Section d'Or), fascinou intelectuais ocidentais de diversos interesses por pelo menos 2.400 anos.
Fonte: Wikiwand, Marie Laurencin. Consultado pela última vez em 8 de março de 2022.
Crédito fotográfico: Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Marie Laurencin (31 de outubro de 1883, Paris, França — 8 de junho de 1956, Paris, França), mais conhecida como La Fauvette, foi uma pintora, gravurista, desenhista, cenógrafa e poetisa francesa. A artista ocupou um papel muito importante dentro da vanguarda francesa, destacando-se por seus delicados retratos de mulheres elegantes e vagamente melancólicas. Estudou arte na Academia Humbert em Paris, entre seus colegas estava Georges Braque, que, com Picasso, logo desenvolveu o cubismo. Suas pinturas geralmente são representações estilizadas de mulheres e meninas pálidas e de olhos escuros pintadas em cores pastel. Durante sua vida, ela foi uma pintora de retratos muito procurada de notáveis celebridades parisienses, incluindo Coco Chanel.
Biografia — Wikiwand Marie Laurencin
Laurencin nasceu em Paris, onde foi criada por sua mãe e viveu grande parte de sua vida. Aos 18 anos, estudou pintura em porcelana em Sèvres. Ela então retornou a Paris e continuou sua educação artística na Académie Humbert, onde mudou seu foco para a pintura a óleo.
Durante os primeiros anos do século 20, Laurencin foi uma figura importante na vanguarda parisiense. Membro do círculo de Pablo Picasso e cubistas associados à Section d'Or, como Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier e Francis Picabia, expondo com eles no Salon des Indépendants (1910-1911) e o Salon d'Automne (1911-1912), e Galeries Dalmau (1912) na primeira exposição cubista na Espanha.
Ela se envolveu romanticamente com o poeta Guillaume Apollinaire, e muitas vezes tem sido identificada como sua musa. Além disso, Laurencin tinha importantes conexões com o salão da expatriada americana e escritora lésbica Natalie Clifford Barney. Ela tinha relacionamentos com homens e mulheres, e sua arte refletia sua vida, seus "fantasmas baléticos" e "amazonas de lado" fornecendo ao mundo da arte sua marca de "femme queer com um toque gaulês".
Durante a Primeira Guerra Mundial, Laurencin deixou a França para o exílio na Espanha com seu marido nascido na Alemanha, o barão Otto von Waëtjen, já que através de seu casamento ela perde automaticamente sua cidadania francesa. O casal posteriormente viveu juntos brevemente em Düsseldorf. Ela foi muito afetada por sua separação da capital francesa, o centro incomparável da criatividade artística. Depois que eles se divorciaram em 1920, ela retornou a Paris, onde alcançou sucesso financeiro como artista até a depressão econômica da década de 1930. Durante a década de 1930, ela trabalhou como instrutora de arte em uma escola particular e viveu em Paris até sua morte.
Carreira
As obras de Laurencin incluem pinturas, aquarelas, desenhos e gravuras. Ela é conhecida como uma das poucas mulheres pintoras cubistas, com Sonia Delaunay, Marie Vorobieff e Franciska Clausen. Enquanto seu trabalho mostra a influência dos pintores cubistas Pablo Picasso e Georges Braque, que era seu amigo íntimo, ela desenvolveu uma abordagem única para a abstração que muitas vezes se centrava na representação de grupos de mulheres e animais.
Seu trabalho está fora dos limites das normas cubistas em sua busca de uma estética especificamente feminina pelo uso de cores pastel e formas curvilíneas. Originalmente influenciada pelo fauvismo, ela simplificou suas formas através da influência dos pintores cubistas. A partir de 1910, sua paleta consistia principalmente em tons de cinza, rosa e pastel.
Seu estilo distinto se desenvolveu após seu retorno a Paris na década de 1920 após o exílio. As cores suaves e os padrões geométricos herdados do cubismo foram substituídos por tons claros e composições ondulantes. Seu motivo de assinatura é marcado por figuras femininas esbeltas e etéreas e uma paleta de cores pastéis suaves, evocando um mundo encantado.
Laurencin continuou a explorar temas de feminilidade e o que ela considerava modos femininos de representação até sua morte. Suas obras incluem pinturas, aquarelas, desenhos e gravuras.
Coleções
As realizações artísticas de Laurencin são vistas em coleções ao redor do mundo. No 100º aniversário de seu nascimento em 1983, o Musée Marie Laurencin foi inaugurado em Nagano, Japão. Até o momento, o Musée Marie Laurencin é o único museu do mundo que contém apenas a arte de uma pintora.
O fundador Masahiro Takano estava apaixonado pela visão de mundo sensual e lírica de Laurencin, e o museu possui mais de 600 peças de arte dela. O trabalho de Laurencin também é encontrado no Museu de Arte Moderna de Nova York, no Museu Hermitage em São Petersburgo e na Tate Gallery em Londres. Seu trabalho também é exibido na coleção permanente da galeria Musée de l'Orangerie em Paris, França, abrigando algumas de suas peças mais famosas.
Fonte: Wikiwand, Marie Laurencin. Consultado pela última vez em 8 de março de 2022.
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Biografia — Museu Marie Laurencin
Pintando mulheres de Paris, Marie Laurencin ocupou um lugar único entre os pintores que trabalhavam no início deste século.
Através de seu encontro com Guillaume Apollinaire, um poeta, e seu conhecimento com Georges Braque, Pablo Picasso e seu círculo, ela foi apresentada aos movimentos do cubismo e do fauvismo, mas permaneceu periférica a eles.
Ela pintou retratos delicadamente simplificados de meninas em cores pastel e se estabeleceu com seu estilo original de pintura entre os talentosos talentos da l'école de Paris.
Com seus primeiros esboços realistas e os trabalhos maduros de seus últimos anos, sua carreira envolveu um desenvolvimento mais ou menos constante em direção a uma síntese de desenhos claros e delicados, sempre mediados por uma preocupação com a sensibilidade e o lirismo.
Exceto algumas naturezas-mortas de flores e paisagens, ela se concentrou totalmente em retratos de mulheres de Paris, tentando capturar uma imagem eterna de meninas brincando com gamos, éguas e cães, aplicando toques delicadamente decorativos e transparentes.
Embora ela tenha emprestado alguns truques de estilização de seus amigos cubistas, suas linhas permaneceram simples e seu assunto fiel à imagem real. O que captura nossos olhos é a melancolia que transborda dos retratos. A habilidade de Laurencin de dividir o objeto em planos separados e simplificados de cor, rosa, malva, azul e cinza, dá a sensação de erotismo e inteligência abafados e ajuda a dar um efeito sonhador e velado às suas fotos.
Além de penture pure, ela tentou sua mão em decoração e figurinos para o Ballet Russes e Comedie Française. Ela também ilustrou vários livros com litografias e manifestou seu talento no gênero de arte aplicada. A partir do final da década de 1920, sua arte adotou mais cores e tornou-se rica e luxuosa e, ao mesmo tempo, começou a perder a atmosfera melancólica que antes tremeluzia em seus quadros.
Em todas as fases de seus 50 anos e mais de sua carreira, Laurencin perseguiu uma aventura única na arte exclusivamente acessível à mulher.
O Museu Marie Laurencin
O Museu Marie Laurencin foi criado em comemoração ao centenário de nascimento do pintor cujas obras o fundador do museu, Masahiro Takano, coleciona há muitos anos no Planalto de Tateshina, em Nagano.
Enquanto foi fechado em 2011 sob as circunstâncias infelizes. Após o grande sucesso da tentativa de exposição retrospectiva das obras de Marie Laurencin (1883-1956) realizada no Museu Marmottan-Monet em Paris, francês, o Museu Marie Laurencin foi reaberto no novo casaco de jardim Otani de Kioicho, Chiyoda- ku, Tóquio em julho de 2017.
É o único museu de arte especializado do mundo que contém as obras da pintora feminina. Marie Laurencin que retratou um mundo único de sensualidade e lirismo.
Atualmente, a coleção é composta por mais de 600 itens: pintura, aquarela, desenhos, gravuras e livros ilustrados que cobrem toda a sua vida profissional, desde os primeiros anos até os últimos anos. Esperamos que este Museu sirva como uma modesta ponte ligando a relação cultural da França, Europa e Japão.
Fonte: Marie Laurencin Museum. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
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Biografia — Wikipédia
Laurencin nasceu em Paris, onde foi criada por sua mãe. Durante o período da I Grande Guerra, Laurencin deixou a França e foi para a Espanha com seu marido alemão Baron Otto von Waëtjen. O casal viveu junto durante em Düsseldorf por alguns anos. No entanto, em 1920, após se divorciar, Laurencin voltou à Paris.
Nos primeiros anos do século XX, Laurencin ocupou um papel muito importante dentro da vanguarda francesa. Neste mesmo período, envolveu-se em um relacionamento amoroso com o poeta Guillaume Apollinaire. A artista também é lembrada como a única mulher cubista.
Apesar de sua obra ser claramente influenciada por Pablo Picasso e Georges Braque, ela desenvolveu uma visão própria da abstração que frequentemente se centralizava na representação da mulher e de comunidades femininas.
A evolução do trabalho de Laurencin apresenta uma tentativa de inovar através do uso de uma estética feminina específica com o uso de pastéis e formas curvilíneas.
Tanto em sua pintura quanto em seus desenhos e impressões, Laurencin continuou a explorar temas femininos e aquilo que ela considerava desta forma até sua morte.
Em 1983, no centésimo aniversário do nascimento da artista, o Museu Marie Laurencin foi aberto na prefeitura de Nagano, no Japão. Atualmente, a casa hospeda mais de 500 trabalhos de autoria dela, bem como um arquivo.
Fonte: Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Exposições Individuais
1907 - Individual Marie Laurencin no Salon des Indépendants
Exposições coletivas
1910/1911 - Salon des Indépendants
1911-1912 - Salon d'Automne
1912 - Galeries Dalmau
1912 - Marie Laurencin e Robert Delaunay, Galerie Barbazanges
1913 - New York Armory Show
1930 - Exposition de l'École de Paris
Exposições Póstumas
1973 - 36 Artistas Estrangeiros: gravuras
1995 - Modernismo Paris Anos 20: vivências e convivências
2002 - Modernismo: da Semana de 22 à seção de arte de Sérgio Milliet
2002 - No Tempo dos Modernistas: D. Olivia Penteado, a senhora das artes
2004 - Gabinete de Papel
Exposições Permanentes
Galeria de Arte de Nova Gales do Sul, Sydney, Austrália
Art Institute of Chicago
Chi-Mei Museum, Taiwan
Cleveland Museum of Art
Dallas Museum of Art
Fine Arts Museums of San Francisco
Hermitage Museum, São Petersburgo, RússiaIndianapolis Museum of Art
Los Angeles County Museum of Art
Musé d'Orsay, Paris
Musée Marie Laurincin, Tokyo
Museu de Arte de São Paulo, Brazil
Museum of Fine Arts, Boston
Museum of Modern Art, New York
National Museum of Women in the Arts, Washington, DC
Philadelphia Museum of Art
Tate Gallery , Londres
Fontes:
MARIE Laurencin. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileira. São Paulo: Itaú Cultural, 2022. Acesso em: 07 de março de 2022. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7
Rehs Gallery, Marie Laurencin. Consultado pela última vez em 8 de março de 2022.
Fauvismo
O fauvismo ou fovismo é uma corrente artística do início do século XX, que se desenvolveu de 1905 até a segunda metade de 1907. O nome fauvismo vem da expressão "les fauves'' (que em francês quer dizer feras, animais selvagens). O nome foi dado pelo crítico de arte Louis Vauxcelles (1870-1943) de forma pejorativa, para identificar um grupo de pintores que produziram criações inovadoras e chocantes para o seu tempo.
O grupo, bastante heterogêneo, pregava o uso de cores fortes, formas simplificadas, e, de modo geral, em obras que celebravam a alegria. Os grandes nomes dessa geração foram Henri Matisse, Albert Marquet, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy e André Derain.
A simplificação das formas e utilização maciça de cores puras são características marcantes, assim como as pinceladas, largas e definitivas, que continham espontânea gestualidade.
Além disso, também são características deste estilo o uso da cor na delimitação dos planos e na sensação de profundidade, movimento rítmico sugerido pelas linhas, texturas e pela continuidade dos elementos desenhados, a impulsividade e experimentação, em vez de exaustivos estudos preparatórios e a retratação de temas quotidianos que retratavam emoções e a alegria de viver.
Fontes: Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Cultura Genial, "Fauvismo". Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Cubismo
O cubismo é o primeiro movimento das vanguardas europeias e surgiu em 1907, com a obra As senhoritas de Avignon, de Pablo Picasso. Assim, esse movimento aconteceu em uma época marcada por inovações tecnológicas, quebra com o pensamento tradicional e tensão política que precedeu a Primeira Guerra Mundial (1914-1918).
A origem do termo “cubismo” vem da figura geométrica do cubo e trata-se da representação das formas da natureza por meio de figuras geométricas, ilustrando as partes de um objeto no mesmo plano, como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador, sem nenhum compromisso com a aparência real das coisas.
O cubismo quebra completamente a formação tradicional, apresentando relações e formas não acabadas. Outras características marcantes do cubismo são o rompimento dos conceitos de harmonia, proporção, beleza e perspectiva e o uso de cores mais fechadas.
Fontes:
Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Mundo Educação, "Cubismo", publicado por Warley Souza. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Section d'Or
A Section d'Or ("Seção Dourada"), também conhecida como Groupe de Puteaux ou Grupo Puteaux, era um coletivo de pintores , escultores, poetas e críticos associados ao cubismo e ao orfismo. Com sede nos subúrbios parisienses, o grupo realizou reuniões regulares na casa dos irmãos Duchamp em Puteaux e no estúdio de Albert Gleizes em Courbevoie. Ativo de 1911 a cerca de 1914, os membros do coletivo ganharam destaque na sequência de sua polêmica exibição no Salon des Indépendants na primavera de 1911. Esta exibição de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier, Fernand Léger e Marie Laurencin (a pedido de Apollinaire), criaram um escândalo que trouxe o cubismo à atenção do público em geral pela primeira vez.
O Salon de la Section d'Or, realizado em outubro de 1912 - a maior e mais importante exibição pública de obras cubistas antes da Primeira Guerra Mundial - expôs o cubismo a um público ainda mais amplo. Após a guerra, com o apoio do marchand Léonce Rosenberg, o cubismo voltou à linha de frente da atividade artística parisiense. Vários elementos do Groupe de Puteaux montariam mais duas grandes exposições: Section d'Or, em 1920 e em 1925, com o objetivo de revelar todo o processo de transformação e renovação ocorrido desde o início do cubismo.
O grupo parece ter adotado o nome "Section d'Or" como uma homenagem à harmonia matemática associada a Georges Seurat e para se distinguir do estilo mais estreito do cubismo desenvolvido em paralelo por Pablo Picasso e Georges Braque no bairro de Montmartre de Paris. Além disso, o nome foi para destacar que o cubismo, em vez de ser uma forma de arte isolada, representava a continuação de uma grande tradição; de fato, a proporção áurea, ou seção áurea (francês : Section d'Or), fascinou intelectuais ocidentais de diversos interesses por pelo menos 2.400 anos.
Fonte: Wikiwand, Marie Laurencin. Consultado pela última vez em 8 de março de 2022.
Crédito fotográfico: Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Marie Laurencin
Marie Laurencin (31 de outubro de 1883, Paris, França — 8 de junho de 1956, Paris, França), mais conhecida como La Fauvette, foi uma pintora, gravurista, desenhista, cenógrafa e poetisa francesa. A artista ocupou um papel muito importante dentro da vanguarda francesa, destacando-se por seus delicados retratos de mulheres elegantes e vagamente melancólicas. Estudou arte na Academia Humbert em Paris, entre seus colegas estava Georges Braque, que, com Picasso, logo desenvolveu o cubismo. Suas pinturas geralmente são representações estilizadas de mulheres e meninas pálidas e de olhos escuros pintadas em cores pastel. Durante sua vida, ela foi uma pintora de retratos muito procurada de notáveis celebridades parisienses, incluindo Coco Chanel.
Uma coleção de 98 pinturas | 2018
Olivier Saillard - "Portrait of Mademoiselle Chanel" | 2019
Art Talk on Marie Laurencin's | 2021
Marie Laurencin Painter | 2014
The touch of Marie Laurencin | 2021
Marie Laurencin - Art Works | 2018
Parla! Marie Laurencin | 2021
Exposition à la galerie Petrides | 2018
Marie Laurencin: Expressionism Cubism French | 2017
Biografia — Wikiwand Marie Laurencin
Laurencin nasceu em Paris, onde foi criada por sua mãe e viveu grande parte de sua vida. Aos 18 anos, estudou pintura em porcelana em Sèvres. Ela então retornou a Paris e continuou sua educação artística na Académie Humbert, onde mudou seu foco para a pintura a óleo.
Durante os primeiros anos do século 20, Laurencin foi uma figura importante na vanguarda parisiense. Membro do círculo de Pablo Picasso e cubistas associados à Section d'Or, como Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier e Francis Picabia, expondo com eles no Salon des Indépendants (1910-1911) e o Salon d'Automne (1911-1912), e Galeries Dalmau (1912) na primeira exposição cubista na Espanha.
Ela se envolveu romanticamente com o poeta Guillaume Apollinaire, e muitas vezes tem sido identificada como sua musa. Além disso, Laurencin tinha importantes conexões com o salão da expatriada americana e escritora lésbica Natalie Clifford Barney. Ela tinha relacionamentos com homens e mulheres, e sua arte refletia sua vida, seus "fantasmas baléticos" e "amazonas de lado" fornecendo ao mundo da arte sua marca de "femme queer com um toque gaulês".
Durante a Primeira Guerra Mundial, Laurencin deixou a França para o exílio na Espanha com seu marido nascido na Alemanha, o barão Otto von Waëtjen, já que através de seu casamento ela perde automaticamente sua cidadania francesa. O casal posteriormente viveu juntos brevemente em Düsseldorf. Ela foi muito afetada por sua separação da capital francesa, o centro incomparável da criatividade artística. Depois que eles se divorciaram em 1920, ela retornou a Paris, onde alcançou sucesso financeiro como artista até a depressão econômica da década de 1930. Durante a década de 1930, ela trabalhou como instrutora de arte em uma escola particular e viveu em Paris até sua morte.
Carreira
As obras de Laurencin incluem pinturas, aquarelas, desenhos e gravuras. Ela é conhecida como uma das poucas mulheres pintoras cubistas, com Sonia Delaunay, Marie Vorobieff e Franciska Clausen. Enquanto seu trabalho mostra a influência dos pintores cubistas Pablo Picasso e Georges Braque, que era seu amigo íntimo, ela desenvolveu uma abordagem única para a abstração que muitas vezes se centrava na representação de grupos de mulheres e animais.
Seu trabalho está fora dos limites das normas cubistas em sua busca de uma estética especificamente feminina pelo uso de cores pastel e formas curvilíneas. Originalmente influenciada pelo fauvismo, ela simplificou suas formas através da influência dos pintores cubistas. A partir de 1910, sua paleta consistia principalmente em tons de cinza, rosa e pastel.
Seu estilo distinto se desenvolveu após seu retorno a Paris na década de 1920 após o exílio. As cores suaves e os padrões geométricos herdados do cubismo foram substituídos por tons claros e composições ondulantes. Seu motivo de assinatura é marcado por figuras femininas esbeltas e etéreas e uma paleta de cores pastéis suaves, evocando um mundo encantado.
Laurencin continuou a explorar temas de feminilidade e o que ela considerava modos femininos de representação até sua morte. Suas obras incluem pinturas, aquarelas, desenhos e gravuras.
Coleções
As realizações artísticas de Laurencin são vistas em coleções ao redor do mundo. No 100º aniversário de seu nascimento em 1983, o Musée Marie Laurencin foi inaugurado em Nagano, Japão. Até o momento, o Musée Marie Laurencin é o único museu do mundo que contém apenas a arte de uma pintora.
O fundador Masahiro Takano estava apaixonado pela visão de mundo sensual e lírica de Laurencin, e o museu possui mais de 600 peças de arte dela. O trabalho de Laurencin também é encontrado no Museu de Arte Moderna de Nova York, no Museu Hermitage em São Petersburgo e na Tate Gallery em Londres. Seu trabalho também é exibido na coleção permanente da galeria Musée de l'Orangerie em Paris, França, abrigando algumas de suas peças mais famosas.
Fonte: Wikiwand, Marie Laurencin. Consultado pela última vez em 8 de março de 2022.
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Biografia — Museu Marie Laurencin
Pintando mulheres de Paris, Marie Laurencin ocupou um lugar único entre os pintores que trabalhavam no início deste século.
Através de seu encontro com Guillaume Apollinaire, um poeta, e seu conhecimento com Georges Braque, Pablo Picasso e seu círculo, ela foi apresentada aos movimentos do cubismo e do fauvismo, mas permaneceu periférica a eles.
Ela pintou retratos delicadamente simplificados de meninas em cores pastel e se estabeleceu com seu estilo original de pintura entre os talentosos talentos da l'école de Paris.
Com seus primeiros esboços realistas e os trabalhos maduros de seus últimos anos, sua carreira envolveu um desenvolvimento mais ou menos constante em direção a uma síntese de desenhos claros e delicados, sempre mediados por uma preocupação com a sensibilidade e o lirismo.
Exceto algumas naturezas-mortas de flores e paisagens, ela se concentrou totalmente em retratos de mulheres de Paris, tentando capturar uma imagem eterna de meninas brincando com gamos, éguas e cães, aplicando toques delicadamente decorativos e transparentes.
Embora ela tenha emprestado alguns truques de estilização de seus amigos cubistas, suas linhas permaneceram simples e seu assunto fiel à imagem real. O que captura nossos olhos é a melancolia que transborda dos retratos. A habilidade de Laurencin de dividir o objeto em planos separados e simplificados de cor, rosa, malva, azul e cinza, dá a sensação de erotismo e inteligência abafados e ajuda a dar um efeito sonhador e velado às suas fotos.
Além de penture pure, ela tentou sua mão em decoração e figurinos para o Ballet Russes e Comedie Française. Ela também ilustrou vários livros com litografias e manifestou seu talento no gênero de arte aplicada. A partir do final da década de 1920, sua arte adotou mais cores e tornou-se rica e luxuosa e, ao mesmo tempo, começou a perder a atmosfera melancólica que antes tremeluzia em seus quadros.
Em todas as fases de seus 50 anos e mais de sua carreira, Laurencin perseguiu uma aventura única na arte exclusivamente acessível à mulher.
O Museu Marie Laurencin
O Museu Marie Laurencin foi criado em comemoração ao centenário de nascimento do pintor cujas obras o fundador do museu, Masahiro Takano, coleciona há muitos anos no Planalto de Tateshina, em Nagano.
Enquanto foi fechado em 2011 sob as circunstâncias infelizes. Após o grande sucesso da tentativa de exposição retrospectiva das obras de Marie Laurencin (1883-1956) realizada no Museu Marmottan-Monet em Paris, francês, o Museu Marie Laurencin foi reaberto no novo casaco de jardim Otani de Kioicho, Chiyoda- ku, Tóquio em julho de 2017.
É o único museu de arte especializado do mundo que contém as obras da pintora feminina. Marie Laurencin que retratou um mundo único de sensualidade e lirismo.
Atualmente, a coleção é composta por mais de 600 itens: pintura, aquarela, desenhos, gravuras e livros ilustrados que cobrem toda a sua vida profissional, desde os primeiros anos até os últimos anos. Esperamos que este Museu sirva como uma modesta ponte ligando a relação cultural da França, Europa e Japão.
Fonte: Marie Laurencin Museum. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
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Biografia — Wikipédia
Laurencin nasceu em Paris, onde foi criada por sua mãe. Durante o período da I Grande Guerra, Laurencin deixou a França e foi para a Espanha com seu marido alemão Baron Otto von Waëtjen. O casal viveu junto durante em Düsseldorf por alguns anos. No entanto, em 1920, após se divorciar, Laurencin voltou à Paris.
Nos primeiros anos do século XX, Laurencin ocupou um papel muito importante dentro da vanguarda francesa. Neste mesmo período, envolveu-se em um relacionamento amoroso com o poeta Guillaume Apollinaire. A artista também é lembrada como a única mulher cubista.
Apesar de sua obra ser claramente influenciada por Pablo Picasso e Georges Braque, ela desenvolveu uma visão própria da abstração que frequentemente se centralizava na representação da mulher e de comunidades femininas.
A evolução do trabalho de Laurencin apresenta uma tentativa de inovar através do uso de uma estética feminina específica com o uso de pastéis e formas curvilíneas.
Tanto em sua pintura quanto em seus desenhos e impressões, Laurencin continuou a explorar temas femininos e aquilo que ela considerava desta forma até sua morte.
Em 1983, no centésimo aniversário do nascimento da artista, o Museu Marie Laurencin foi aberto na prefeitura de Nagano, no Japão. Atualmente, a casa hospeda mais de 500 trabalhos de autoria dela, bem como um arquivo.
Fonte: Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Exposições Individuais
1907 - Individual Marie Laurencin no Salon des Indépendants
Exposições coletivas
1910/1911 - Salon des Indépendants
1911-1912 - Salon d'Automne
1912 - Galeries Dalmau
1912 - Marie Laurencin e Robert Delaunay, Galerie Barbazanges
1913 - New York Armory Show
1930 - Exposition de l'École de Paris
Exposições Póstumas
1973 - 36 Artistas Estrangeiros: gravuras
1995 - Modernismo Paris Anos 20: vivências e convivências
2002 - Modernismo: da Semana de 22 à seção de arte de Sérgio Milliet
2002 - No Tempo dos Modernistas: D. Olivia Penteado, a senhora das artes
2004 - Gabinete de Papel
Exposições Permanentes
Galeria de Arte de Nova Gales do Sul, Sydney, Austrália
Art Institute of Chicago
Chi-Mei Museum, Taiwan
Cleveland Museum of Art
Dallas Museum of Art
Fine Arts Museums of San Francisco
Hermitage Museum, São Petersburgo, RússiaIndianapolis Museum of Art
Los Angeles County Museum of Art
Musé d'Orsay, Paris
Musée Marie Laurincin, Tokyo
Museu de Arte de São Paulo, Brazil
Museum of Fine Arts, Boston
Museum of Modern Art, New York
National Museum of Women in the Arts, Washington, DC
Philadelphia Museum of Art
Tate Gallery , Londres
Fontes:
MARIE Laurencin. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileira. São Paulo: Itaú Cultural, 2022. Acesso em: 07 de março de 2022. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7
Rehs Gallery, Marie Laurencin. Consultado pela última vez em 8 de março de 2022.
Fauvismo
O fauvismo ou fovismo é uma corrente artística do início do século XX, que se desenvolveu de 1905 até a segunda metade de 1907. O nome fauvismo vem da expressão "les fauves'' (que em francês quer dizer feras, animais selvagens). O nome foi dado pelo crítico de arte Louis Vauxcelles (1870-1943) de forma pejorativa, para identificar um grupo de pintores que produziram criações inovadoras e chocantes para o seu tempo.
O grupo, bastante heterogêneo, pregava o uso de cores fortes, formas simplificadas, e, de modo geral, em obras que celebravam a alegria. Os grandes nomes dessa geração foram Henri Matisse, Albert Marquet, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy e André Derain.
A simplificação das formas e utilização maciça de cores puras são características marcantes, assim como as pinceladas, largas e definitivas, que continham espontânea gestualidade.
Além disso, também são características deste estilo o uso da cor na delimitação dos planos e na sensação de profundidade, movimento rítmico sugerido pelas linhas, texturas e pela continuidade dos elementos desenhados, a impulsividade e experimentação, em vez de exaustivos estudos preparatórios e a retratação de temas quotidianos que retratavam emoções e a alegria de viver.
Fontes: Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Cultura Genial, "Fauvismo". Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Cubismo
O cubismo é o primeiro movimento das vanguardas europeias e surgiu em 1907, com a obra As senhoritas de Avignon, de Pablo Picasso. Assim, esse movimento aconteceu em uma época marcada por inovações tecnológicas, quebra com o pensamento tradicional e tensão política que precedeu a Primeira Guerra Mundial (1914-1918).
A origem do termo “cubismo” vem da figura geométrica do cubo e trata-se da representação das formas da natureza por meio de figuras geométricas, ilustrando as partes de um objeto no mesmo plano, como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador, sem nenhum compromisso com a aparência real das coisas.
O cubismo quebra completamente a formação tradicional, apresentando relações e formas não acabadas. Outras características marcantes do cubismo são o rompimento dos conceitos de harmonia, proporção, beleza e perspectiva e o uso de cores mais fechadas.
Fontes:
Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Mundo Educação, "Cubismo", publicado por Warley Souza. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Section d'Or
A Section d'Or ("Seção Dourada"), também conhecida como Groupe de Puteaux ou Grupo Puteaux, era um coletivo de pintores , escultores, poetas e críticos associados ao cubismo e ao orfismo. Com sede nos subúrbios parisienses, o grupo realizou reuniões regulares na casa dos irmãos Duchamp em Puteaux e no estúdio de Albert Gleizes em Courbevoie. Ativo de 1911 a cerca de 1914, os membros do coletivo ganharam destaque na sequência de sua polêmica exibição no Salon des Indépendants na primavera de 1911. Esta exibição de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier, Fernand Léger e Marie Laurencin (a pedido de Apollinaire), criaram um escândalo que trouxe o cubismo à atenção do público em geral pela primeira vez.
O Salon de la Section d'Or, realizado em outubro de 1912 - a maior e mais importante exibição pública de obras cubistas antes da Primeira Guerra Mundial - expôs o cubismo a um público ainda mais amplo. Após a guerra, com o apoio do marchand Léonce Rosenberg, o cubismo voltou à linha de frente da atividade artística parisiense. Vários elementos do Groupe de Puteaux montariam mais duas grandes exposições: Section d'Or, em 1920 e em 1925, com o objetivo de revelar todo o processo de transformação e renovação ocorrido desde o início do cubismo.
O grupo parece ter adotado o nome "Section d'Or" como uma homenagem à harmonia matemática associada a Georges Seurat e para se distinguir do estilo mais estreito do cubismo desenvolvido em paralelo por Pablo Picasso e Georges Braque no bairro de Montmartre de Paris. Além disso, o nome foi para destacar que o cubismo, em vez de ser uma forma de arte isolada, representava a continuação de uma grande tradição; de fato, a proporção áurea, ou seção áurea (francês : Section d'Or), fascinou intelectuais ocidentais de diversos interesses por pelo menos 2.400 anos.
Fonte: Wikiwand, Marie Laurencin. Consultado pela última vez em 8 de março de 2022.
Crédito fotográfico: Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Marie Laurencin (31 de outubro de 1883, Paris, França — 8 de junho de 1956, Paris, França), mais conhecida como La Fauvette, foi uma pintora, gravurista, desenhista, cenógrafa e poetisa francesa. A artista ocupou um papel muito importante dentro da vanguarda francesa, destacando-se por seus delicados retratos de mulheres elegantes e vagamente melancólicas. Estudou arte na Academia Humbert em Paris, entre seus colegas estava Georges Braque, que, com Picasso, logo desenvolveu o cubismo. Suas pinturas geralmente são representações estilizadas de mulheres e meninas pálidas e de olhos escuros pintadas em cores pastel. Durante sua vida, ela foi uma pintora de retratos muito procurada de notáveis celebridades parisienses, incluindo Coco Chanel.
Biografia — Wikiwand Marie Laurencin
Laurencin nasceu em Paris, onde foi criada por sua mãe e viveu grande parte de sua vida. Aos 18 anos, estudou pintura em porcelana em Sèvres. Ela então retornou a Paris e continuou sua educação artística na Académie Humbert, onde mudou seu foco para a pintura a óleo.
Durante os primeiros anos do século 20, Laurencin foi uma figura importante na vanguarda parisiense. Membro do círculo de Pablo Picasso e cubistas associados à Section d'Or, como Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier e Francis Picabia, expondo com eles no Salon des Indépendants (1910-1911) e o Salon d'Automne (1911-1912), e Galeries Dalmau (1912) na primeira exposição cubista na Espanha.
Ela se envolveu romanticamente com o poeta Guillaume Apollinaire, e muitas vezes tem sido identificada como sua musa. Além disso, Laurencin tinha importantes conexões com o salão da expatriada americana e escritora lésbica Natalie Clifford Barney. Ela tinha relacionamentos com homens e mulheres, e sua arte refletia sua vida, seus "fantasmas baléticos" e "amazonas de lado" fornecendo ao mundo da arte sua marca de "femme queer com um toque gaulês".
Durante a Primeira Guerra Mundial, Laurencin deixou a França para o exílio na Espanha com seu marido nascido na Alemanha, o barão Otto von Waëtjen, já que através de seu casamento ela perde automaticamente sua cidadania francesa. O casal posteriormente viveu juntos brevemente em Düsseldorf. Ela foi muito afetada por sua separação da capital francesa, o centro incomparável da criatividade artística. Depois que eles se divorciaram em 1920, ela retornou a Paris, onde alcançou sucesso financeiro como artista até a depressão econômica da década de 1930. Durante a década de 1930, ela trabalhou como instrutora de arte em uma escola particular e viveu em Paris até sua morte.
Carreira
As obras de Laurencin incluem pinturas, aquarelas, desenhos e gravuras. Ela é conhecida como uma das poucas mulheres pintoras cubistas, com Sonia Delaunay, Marie Vorobieff e Franciska Clausen. Enquanto seu trabalho mostra a influência dos pintores cubistas Pablo Picasso e Georges Braque, que era seu amigo íntimo, ela desenvolveu uma abordagem única para a abstração que muitas vezes se centrava na representação de grupos de mulheres e animais.
Seu trabalho está fora dos limites das normas cubistas em sua busca de uma estética especificamente feminina pelo uso de cores pastel e formas curvilíneas. Originalmente influenciada pelo fauvismo, ela simplificou suas formas através da influência dos pintores cubistas. A partir de 1910, sua paleta consistia principalmente em tons de cinza, rosa e pastel.
Seu estilo distinto se desenvolveu após seu retorno a Paris na década de 1920 após o exílio. As cores suaves e os padrões geométricos herdados do cubismo foram substituídos por tons claros e composições ondulantes. Seu motivo de assinatura é marcado por figuras femininas esbeltas e etéreas e uma paleta de cores pastéis suaves, evocando um mundo encantado.
Laurencin continuou a explorar temas de feminilidade e o que ela considerava modos femininos de representação até sua morte. Suas obras incluem pinturas, aquarelas, desenhos e gravuras.
Coleções
As realizações artísticas de Laurencin são vistas em coleções ao redor do mundo. No 100º aniversário de seu nascimento em 1983, o Musée Marie Laurencin foi inaugurado em Nagano, Japão. Até o momento, o Musée Marie Laurencin é o único museu do mundo que contém apenas a arte de uma pintora.
O fundador Masahiro Takano estava apaixonado pela visão de mundo sensual e lírica de Laurencin, e o museu possui mais de 600 peças de arte dela. O trabalho de Laurencin também é encontrado no Museu de Arte Moderna de Nova York, no Museu Hermitage em São Petersburgo e na Tate Gallery em Londres. Seu trabalho também é exibido na coleção permanente da galeria Musée de l'Orangerie em Paris, França, abrigando algumas de suas peças mais famosas.
Fonte: Wikiwand, Marie Laurencin. Consultado pela última vez em 8 de março de 2022.
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Biografia — Museu Marie Laurencin
Pintando mulheres de Paris, Marie Laurencin ocupou um lugar único entre os pintores que trabalhavam no início deste século.
Através de seu encontro com Guillaume Apollinaire, um poeta, e seu conhecimento com Georges Braque, Pablo Picasso e seu círculo, ela foi apresentada aos movimentos do cubismo e do fauvismo, mas permaneceu periférica a eles.
Ela pintou retratos delicadamente simplificados de meninas em cores pastel e se estabeleceu com seu estilo original de pintura entre os talentosos talentos da l'école de Paris.
Com seus primeiros esboços realistas e os trabalhos maduros de seus últimos anos, sua carreira envolveu um desenvolvimento mais ou menos constante em direção a uma síntese de desenhos claros e delicados, sempre mediados por uma preocupação com a sensibilidade e o lirismo.
Exceto algumas naturezas-mortas de flores e paisagens, ela se concentrou totalmente em retratos de mulheres de Paris, tentando capturar uma imagem eterna de meninas brincando com gamos, éguas e cães, aplicando toques delicadamente decorativos e transparentes.
Embora ela tenha emprestado alguns truques de estilização de seus amigos cubistas, suas linhas permaneceram simples e seu assunto fiel à imagem real. O que captura nossos olhos é a melancolia que transborda dos retratos. A habilidade de Laurencin de dividir o objeto em planos separados e simplificados de cor, rosa, malva, azul e cinza, dá a sensação de erotismo e inteligência abafados e ajuda a dar um efeito sonhador e velado às suas fotos.
Além de penture pure, ela tentou sua mão em decoração e figurinos para o Ballet Russes e Comedie Française. Ela também ilustrou vários livros com litografias e manifestou seu talento no gênero de arte aplicada. A partir do final da década de 1920, sua arte adotou mais cores e tornou-se rica e luxuosa e, ao mesmo tempo, começou a perder a atmosfera melancólica que antes tremeluzia em seus quadros.
Em todas as fases de seus 50 anos e mais de sua carreira, Laurencin perseguiu uma aventura única na arte exclusivamente acessível à mulher.
O Museu Marie Laurencin
O Museu Marie Laurencin foi criado em comemoração ao centenário de nascimento do pintor cujas obras o fundador do museu, Masahiro Takano, coleciona há muitos anos no Planalto de Tateshina, em Nagano.
Enquanto foi fechado em 2011 sob as circunstâncias infelizes. Após o grande sucesso da tentativa de exposição retrospectiva das obras de Marie Laurencin (1883-1956) realizada no Museu Marmottan-Monet em Paris, francês, o Museu Marie Laurencin foi reaberto no novo casaco de jardim Otani de Kioicho, Chiyoda- ku, Tóquio em julho de 2017.
É o único museu de arte especializado do mundo que contém as obras da pintora feminina. Marie Laurencin que retratou um mundo único de sensualidade e lirismo.
Atualmente, a coleção é composta por mais de 600 itens: pintura, aquarela, desenhos, gravuras e livros ilustrados que cobrem toda a sua vida profissional, desde os primeiros anos até os últimos anos. Esperamos que este Museu sirva como uma modesta ponte ligando a relação cultural da França, Europa e Japão.
Fonte: Marie Laurencin Museum. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
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Biografia — Wikipédia
Laurencin nasceu em Paris, onde foi criada por sua mãe. Durante o período da I Grande Guerra, Laurencin deixou a França e foi para a Espanha com seu marido alemão Baron Otto von Waëtjen. O casal viveu junto durante em Düsseldorf por alguns anos. No entanto, em 1920, após se divorciar, Laurencin voltou à Paris.
Nos primeiros anos do século XX, Laurencin ocupou um papel muito importante dentro da vanguarda francesa. Neste mesmo período, envolveu-se em um relacionamento amoroso com o poeta Guillaume Apollinaire. A artista também é lembrada como a única mulher cubista.
Apesar de sua obra ser claramente influenciada por Pablo Picasso e Georges Braque, ela desenvolveu uma visão própria da abstração que frequentemente se centralizava na representação da mulher e de comunidades femininas.
A evolução do trabalho de Laurencin apresenta uma tentativa de inovar através do uso de uma estética feminina específica com o uso de pastéis e formas curvilíneas.
Tanto em sua pintura quanto em seus desenhos e impressões, Laurencin continuou a explorar temas femininos e aquilo que ela considerava desta forma até sua morte.
Em 1983, no centésimo aniversário do nascimento da artista, o Museu Marie Laurencin foi aberto na prefeitura de Nagano, no Japão. Atualmente, a casa hospeda mais de 500 trabalhos de autoria dela, bem como um arquivo.
Fonte: Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Exposições Individuais
1907 - Individual Marie Laurencin no Salon des Indépendants
Exposições coletivas
1910/1911 - Salon des Indépendants
1911-1912 - Salon d'Automne
1912 - Galeries Dalmau
1912 - Marie Laurencin e Robert Delaunay, Galerie Barbazanges
1913 - New York Armory Show
1930 - Exposition de l'École de Paris
Exposições Póstumas
1973 - 36 Artistas Estrangeiros: gravuras
1995 - Modernismo Paris Anos 20: vivências e convivências
2002 - Modernismo: da Semana de 22 à seção de arte de Sérgio Milliet
2002 - No Tempo dos Modernistas: D. Olivia Penteado, a senhora das artes
2004 - Gabinete de Papel
Exposições Permanentes
Galeria de Arte de Nova Gales do Sul, Sydney, Austrália
Art Institute of Chicago
Chi-Mei Museum, Taiwan
Cleveland Museum of Art
Dallas Museum of Art
Fine Arts Museums of San Francisco
Hermitage Museum, São Petersburgo, RússiaIndianapolis Museum of Art
Los Angeles County Museum of Art
Musé d'Orsay, Paris
Musée Marie Laurincin, Tokyo
Museu de Arte de São Paulo, Brazil
Museum of Fine Arts, Boston
Museum of Modern Art, New York
National Museum of Women in the Arts, Washington, DC
Philadelphia Museum of Art
Tate Gallery , Londres
Fontes:
MARIE Laurencin. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileira. São Paulo: Itaú Cultural, 2022. Acesso em: 07 de março de 2022. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7
Rehs Gallery, Marie Laurencin. Consultado pela última vez em 8 de março de 2022.
Fauvismo
O fauvismo ou fovismo é uma corrente artística do início do século XX, que se desenvolveu de 1905 até a segunda metade de 1907. O nome fauvismo vem da expressão "les fauves'' (que em francês quer dizer feras, animais selvagens). O nome foi dado pelo crítico de arte Louis Vauxcelles (1870-1943) de forma pejorativa, para identificar um grupo de pintores que produziram criações inovadoras e chocantes para o seu tempo.
O grupo, bastante heterogêneo, pregava o uso de cores fortes, formas simplificadas, e, de modo geral, em obras que celebravam a alegria. Os grandes nomes dessa geração foram Henri Matisse, Albert Marquet, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy e André Derain.
A simplificação das formas e utilização maciça de cores puras são características marcantes, assim como as pinceladas, largas e definitivas, que continham espontânea gestualidade.
Além disso, também são características deste estilo o uso da cor na delimitação dos planos e na sensação de profundidade, movimento rítmico sugerido pelas linhas, texturas e pela continuidade dos elementos desenhados, a impulsividade e experimentação, em vez de exaustivos estudos preparatórios e a retratação de temas quotidianos que retratavam emoções e a alegria de viver.
Fontes: Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Cultura Genial, "Fauvismo". Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Cubismo
O cubismo é o primeiro movimento das vanguardas europeias e surgiu em 1907, com a obra As senhoritas de Avignon, de Pablo Picasso. Assim, esse movimento aconteceu em uma época marcada por inovações tecnológicas, quebra com o pensamento tradicional e tensão política que precedeu a Primeira Guerra Mundial (1914-1918).
A origem do termo “cubismo” vem da figura geométrica do cubo e trata-se da representação das formas da natureza por meio de figuras geométricas, ilustrando as partes de um objeto no mesmo plano, como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador, sem nenhum compromisso com a aparência real das coisas.
O cubismo quebra completamente a formação tradicional, apresentando relações e formas não acabadas. Outras características marcantes do cubismo são o rompimento dos conceitos de harmonia, proporção, beleza e perspectiva e o uso de cores mais fechadas.
Fontes:
Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Mundo Educação, "Cubismo", publicado por Warley Souza. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.
Section d'Or
A Section d'Or ("Seção Dourada"), também conhecida como Groupe de Puteaux ou Grupo Puteaux, era um coletivo de pintores , escultores, poetas e críticos associados ao cubismo e ao orfismo. Com sede nos subúrbios parisienses, o grupo realizou reuniões regulares na casa dos irmãos Duchamp em Puteaux e no estúdio de Albert Gleizes em Courbevoie. Ativo de 1911 a cerca de 1914, os membros do coletivo ganharam destaque na sequência de sua polêmica exibição no Salon des Indépendants na primavera de 1911. Esta exibição de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier, Fernand Léger e Marie Laurencin (a pedido de Apollinaire), criaram um escândalo que trouxe o cubismo à atenção do público em geral pela primeira vez.
O Salon de la Section d'Or, realizado em outubro de 1912 - a maior e mais importante exibição pública de obras cubistas antes da Primeira Guerra Mundial - expôs o cubismo a um público ainda mais amplo. Após a guerra, com o apoio do marchand Léonce Rosenberg, o cubismo voltou à linha de frente da atividade artística parisiense. Vários elementos do Groupe de Puteaux montariam mais duas grandes exposições: Section d'Or, em 1920 e em 1925, com o objetivo de revelar todo o processo de transformação e renovação ocorrido desde o início do cubismo.
O grupo parece ter adotado o nome "Section d'Or" como uma homenagem à harmonia matemática associada a Georges Seurat e para se distinguir do estilo mais estreito do cubismo desenvolvido em paralelo por Pablo Picasso e Georges Braque no bairro de Montmartre de Paris. Além disso, o nome foi para destacar que o cubismo, em vez de ser uma forma de arte isolada, representava a continuação de uma grande tradição; de fato, a proporção áurea, ou seção áurea (francês : Section d'Or), fascinou intelectuais ocidentais de diversos interesses por pelo menos 2.400 anos.
Fonte: Wikiwand, Marie Laurencin. Consultado pela última vez em 8 de março de 2022.
Crédito fotográfico: Wikipédia. Consultado pela última vez em 7 de março de 2022.